Palma Photo 09

Exposiciones de Palma Palma Photo 09

Assorted Cocktail de Martin Parr

Palma Photo 09 es una iniciativa de un grupo de galerías de Palma a la que se han sumado otros espacios públicos que busca mostrar diferentes tendencias de la fotografía contemporánea internacional. Inauguración oficial el 18 de junio a las 20 horas.

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ESPACIOS

Casal Solleric: Assorted Cocktail de Martin Parr. Este fotógrafo neoyorquino fue ganador de la edición de PhotoEspaña de 2008.Podrá visitarse hasta el 6 de septiembre.

Martin Parr habla de su trabajo



Martín Parr 1952 (Inglaterra). La mirada de Martin Parr consigue que imágenes tópicas como una taza de café o de un plato de comida sobre un mantel de colores chillones, un grupo de turistas achicharrándose al sol u objetos de dudoso gusto pasen a ser símbolos de cómo vivimos.

Espai Ramon Llull: 17 Milagroso. Babalú Ayé. Una exposición colectiva que muestra la fiesta cubana de San Lázaro. El resultado son 79 fotografías a través de ocho miradas muy diferentes, captadas entre 1984 y la actualidad.

Cristina García Rodero

La exposición es un recorrido artístico, más que puramente documental, de la festividad de San Lázaro que se celebra cada 17 de diciembre en El Rincón, Cuba. Un increíble peregrinaje en que la mirada de cada uno de los ocho fotógrafos que participan en la colectiva nos adentra en un mundo que nos puede parecer lejano y atemporal, un mundo suspendido. Así, a través de las fotografías nos sumergimos en una de las tradiciones más populares de Cuba, en que los fotógrafos nos adentran, instantánea a instantánea, en el surrealismo mágico habanero, puramente representado en la festividad de San Lázaro.

Los ocho fotógrafos que participan en este viaje colectivo a San Lázaro son: Pep Bonet (Mallorca, 1974), Raúl Cañibano (La Habana, 1961), José María Díaz Burgos (Cartagena, 1951), Cristina García Rodero (Puertollano, 1949), José María Mellado (Almería, 1966), Raúl Ortega (Ciudad de México, 1963), Alain Pantaleón (La Habana, 1980) y Miquel Torres (Mallorca, 1974). Desde la diversidad y excepcionalidad de sus miradas se nos acerca la riqueza simbólica, social y religiosa de este peculiar rito cubano.

El humo de las velas y de los tabacos se mezcla con los olores agridulces del camino. Mujeres, niños, hombres de todos los estratos se juntan como en un sólo cuerpo camino del santuario a la espera de que el santo derrame sus beneficios sobre ellos y haga que se cumplan sus deseos. Y dónde los elementos africanos y cristianos se fusionaron para crear algo nuevo, distinto, ni puramente africano ni estrictamente católico. Un culto que ha evolucionado a medida que la práctica se ha extendido y que han permanecido vivo y cambiante hasta hoy. Este conjunto de fotografías despierta nuestra curiosidad y fascinación por un rito vivo que sobrepasa una concepción puramente religiosa.

Jordi Feixa, comisario de la exposición



Galería Maior: Persona. Presencies humanes en la fotografia contemporània. Persona reúne los trabajos de diferentes artistas bajo el denominador común de la presencia humana. Obras de Pilar Albarracín (Sevilla, 1968), Helena Almeida (Lisboa, 1934), Amador (Pollença, 1957), Vanessa Beecroft (Génova, 1969), Daniel Canogar (Madrid, 1964), Carmela García (Lanzarote, 1964), Alberto García-Alix (León, 1956), Núria Marquès (Ciutadella, 1975), Aina Perelló (Pollença, 1976), Santiago Sierra (Madrid, 1966) Tim White-Sobieski (Nueva York, 1961)




Pilar Albarracín (Sevilla, 1968), artista multidisciplinar que trabaja la performance, el video, la fotografía, la escultura y las instalaciones, inserta gran parte de su creación en una investigación sobre la ausencia de la mujer en la sociedad española. Imágenes aparentemente neutras y dóciles, inspiradas en el folclore, como la de una mujer vestida de faralaes, sirven para construir una narrativa en la que desvela la violencia de género y desmonta los roles asignados.
Helena Almeida (Lisboa, 1934) desarrolla en su obra una reflexión en torno a la presencia, la soledad, la comunicación y los sentimientos empleando su cuerpo como punto de partida. Sus series fotográficas recogen unas acciones en las que, a medio camino entre la performance y el body art, ejerce de modelo, siendo así tanto la autora como el objeto de la mirada. Como afirma la propia artista: "mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra".

Amador (Pollença, 1957) ha centrado su trabajo en la presencia humana, que toma cuerpo de múltiples formas a través de las diversas disciplinas por las que transita su obra. Ya sea por medio de las conocidas Germinacions, figuras antropomorfas literalmente cultivadas en la tierra, las esculturas de resina y bronce, o las fotografías sobre varios soportes, lo humano, insinuado o explícito, se presenta en relación con su entorno.

Vanessa Beecroft (Génova, 1969) es conocida por sus elaboradas performances, en las que enfrenta al espectador con la presencia de un gran número de mujeres jóvenes, habitualmente desnudas, despojadas de su individualidad por medio de unos atuendos, maquillaje y peinados idénticos, que las convierten en objetos para ser contemplados, pese a tratarse evidentemente de personas. Las acciones de Beecroft son recogidas en vídeos y fotografías que constituyen obras autónomas.

Daniel Canogar (Madrid, 1964) emplea la tecnología para cuestionar su presencia y su impacto en nuestra sociedad, en una relación directa con las personas que se expresa, bien por medio del exceso y la saturación (en paisajes de desechos en los que yace una persona exangüe), bien por medio de una angustiante ingravidez en la que se pierde todo punto de referencia y no hay posibilidad de asentamiento. Las imágenes que construye Canogar se plasman así en fotografías e instalaciones que se mueven entre lo sólido y lo etéreo e inestable.

Carmela García (Lanzarote, 1964) plantea una reflexión en torno al género y la identidad por medio de series de fotografías, pinturas, videos e instalaciones que persiguen una actualización de la imagen de la mujer más allá de los estereotipos perpetuados por la tradición pictórica y los medios de comunicación. Imágenes que rompen tabús, plantean nuevas miradas y en definitiva abren una nueva ventana hacia un universo femenino tan real como fictício.

Alberto García-Alix (León, 1956) es un maestro del retrato, que plasma en su personalísima mirada a los habitantes de una urbe en la que se cruzan los personajes más diversos. Su acercamiento a las personas que retrata es único e íntimo, ya se trate de músicos famosos, moteros, yonquis o prostitutas. Las fotografías desprenden una impresión de cruda realidad, siendo al mismo tiempo casi románticas en su belleza y el aura melancólica que las impregna.

Núria Marquès (Ciutadella, 1975) explora las pasiones reprimidas y el deseo de huir hacia paraísos artificiales que constituyen los pilares de la neurosis colectiva que es la sociedad contemporánea. A fin de dorarle la píldora al espectador, viste mensajes duros con formas inocentes, casi infantiles, que pueblan su universo plástico a modo de personajes recurrentes. En su trabajo más reciente, emplea la fotografía para extender los motivos desarrollados en el dibujo a la imagen de una persona real, que se convierte de esta manera en un personaje de ficción.

Aina Perelló (Pollença, 1976) construye ficciones por medio de fotografías en las que ella misma protagoniza una cuidada escenificación que contiene en sí misma toda una historia. Por medio de estas series, la artista crea narraciones fragmentadas en las que es el espectador quien especula acerca de la identidad de la persona que aparece en las imágenes, así como de sus motivaciones y el futuro desarrollo de la escena representada. Siendo siempre la misma artista quien interpreta todos los papeles, deja claro que estas fotografías no son sino ficciones orquestadas con el fin de plantear un cuestionamiento de la propia imagen fotográfica.

Santiago Sierra (Madrid, 1966) reflexiona en su obra sobre la condición de la persona en su relación con la sociedad y las estructuras del poder. Por medio de fotografías, acciones e instalaciones, Sierra lleva a puntos extremos la experiencia humana, forzando a un replanteamiento de las relaciones entre el individuo y la sociedad. El blanco y negro es característico en el trabajo del artista, que elabora un mensaje duro e impactante, que se mueve entre el realismo documental y la frialdad del arte conceptual.

Tim White-Sobieski (Nueva York, 1961) es conocido por su trabajos en fotografía y video en los que elabora escenas oníricas y sugerentes. White no se limita a demostrar su maestría en la coreografía de estas escenas, sino que también domina una amplia gama de técnicas fotográficas. Juega hábilmente con diversas fuentes de luz, usa la doble exposición, el montaje y la solarización para elaborar imágenes únicas de una fuerza impactante. Cada imagen coreografiada se ensambla , con otras para crear una impresión de movimiento, que junto a diversas referencias fílmicas conecta las fotografías con un mundo ficticio, anclado en nuestra conciencia cultural colectiva.


Galería Xavier Fiol: Colectiva con fotografías de Joan Fontcuberta, Xisco Bonnín y Cecilia Paredes.

Auschwitz de Fontcuberta

Fontcuberta (Barcelona, 1955. Gran parte de las creaciones de Fontcuberta son una reflexión sobre la naturaleza de la fotografía y su valor narrativo o documental. Son siempre propuestas tendentes a fomentar la sospecha, a ver más allá de los tópicos, de las apariencias o de ciertos enunciados que normalmente no se cuestionan. En el caso concreto de la fotografía, uno de sus mitos es el de la autenticidad, que identifica en cierta medida a este medio con la verdad. Fontcuberta lo cuestiona y nos muestra lo relativamente fácil que resulta manipularlo, sobretodo hoy en día, en que a través de la técnica digital pueden hacerse maravillas.

Xisco Bonnín (Palma de Mallorca 1967). Su trabajo fotográfico se ha centrado en la abstracción y en la experimentación , y sobre todo en la urbe, siendo ésta la protagonista de su obra. La ciudad como el paisaje contemporáneo por excelencia, donde confluyen todos los contrasentidos de nuestra época.

Cecilia Paredes.



Cecilia Paredes (Lima, 1950). Su trabajo explora la superficie sensual en la que el cuerpo se confunde deliberadamente con la naturaleza y la naturaleza con el cuerpo.
A través de una elaborada puesta en escena y sirviéndose del tratamiento digital, Paredes nos introduce en la búsqueda de una parcela de identidad que el ser humano parece haber olvidado: su condición animal y su pertenencia a la naturaleza.


Galería Ferran Cano: Caragols de Joan Sastre, una serie fotográficaque arranca del año 97.


Galería Horrach Moyà: Sombras de Montserrat Soto.
Montserrat Soto (Barcelona,1961). Su obra, desarrollada a través de fotografías e instalaciones en diferentes series, se ha centrado en el espacio, el lugar y el paisaje, con el vacío como elemento preponderante.

Joanna Kunstmann: Vietnam de Hans Christian Schink, fotógrafo alemán especializado en paisaje.





Galería Jule Kewenig: Marcelo Viquez con Sport-me Baby.


Aba Art Contemporani: We got it de Antoni Bernad, fotógrafo de moda.

Joan Guaita Art: L´Air du temps. Veinte años de fotografía en Joan Guaita Art. Desde Oppenheim a René Peña.

Sala Pelaires: Homework los últimos trabajos de Blanca Pérez-Portabella.



Capilla de la Misericordia: Hot Wheels de Marcelo Viquez.

Amb aquesta obra Marcelo Viquez descriu com un nen intenta llevar-se un passamuntanyes sense èxit.Viquez ens descriu una experiència autobiogràfica com pare adoptiu per un mes d'un nen provinent d'un orfenat rus. El missatge és clar, el nen no pot escapar al seu destí. Malgrat les mostres d'afecte rebudes a Palma, de l'experiència de “nen normal a una família normal” - el títol de l'exposició Hot Wheels, respon al nom de la joguina preferida del nen, i màxima de la seva voluntat en el mes d’estada a Palma - el nen accepta tornar a l’asil d’orfes, guiat per una sèrie d'expectatives de dubtosa autenticitat.

En la forma l'artista fa referència al conte de Julio Cortázar “No se culpe a nadie”, del llibre “Final de Juego”, en el qual el protagonista intenta desesperadament llevar-se un jersei. El jersei li atrapa i converteix al seu cos en un enemic per ell mateix. L'angoixa de no poder passar-se la peça hivernal fa que la seva ment li traeixi i vegi al seu propi cos com una amenaça.

Presentant-nos Hot Wheels en 8 fotografies de gran format i un vídeo en loop, Viquez és fidel al seu estil: imatges estàtiques i gairebé monocromes, amb una forta càrrega emocional. El vídeo ens presenta una imatge tragicòmica: un loop d'aquest esforç inútil que, entre joc i desesperació marca la destinació del protagonista. El nen dóna voltes al passamuntanyes però no fa el gest lògic que li lliuraria d'ell, i manté a l'espectador en suspens que espera inútilment que arribi el moment alliberador. Les vuit fotos preses durant la mateixa sessió d'enregistrament del vídeo, són moments documentats de l'acció. Actual com sempre en els seus temes, l'artista ens parla de “destí dirigit”, d'injustícia social, de sistema de classes, de manipulació soci-econòmica. L'educació com a base social, com a germen del desenvolupament d'una comunitat. Tota una situació política i social, queda reflectida en la vida d'un nen, l'educació del qual està basada en la doctrina de la fe cega en l'autoritat (en aquest cas de l'estat rus), que genera adeptes que no qüestionen la seva legitimitat.
Mercedes Estarellas

Caixafórum: Potes, empremtes de L´evolució de Ingo Arndt, de la revista Geo.

Museu Es Baluard: Taller fotografico a cargo de Bruce Tilden, fotógrafo de la agencia Magnum.

Fundació Pilar i Joan Miró: Visionaris 09 organizado por el colectivo Mallorca Samakineta.

ROOM PHOTO /09



ARTISTAS: Anka Manshusen / Pepe Cañabate / Valls Palmer
ANKA MANSHUSEN
Bremerhaven, Alemania, 1965

Woody Allen eligió directamente la serie 'Inner Garden' de esta fotógrafa afincada en Sitges (Barcelona), obra modular de gran tamaño que mezcla el color con el blanco y negro, para que apareciese de fondo en la escena del filme "Vicky Cristina Barcelona" en la que los personajes de Javier Bardem y Scarlett Johansson se conocen en la Fundació Tàpies de Barcelona.

Manshusen, que ha expuesto en varias ciudades españolas, se trasladó a Barcelona después de estudiar pintura, fotografía y artes plásticas en Hamburgo.

PEPE CAÑABATE
Palma, 1952
El artista mallorquín comenzó a exhibir su obra en público en 1987 y desde entonces la ha mostrado en diversas exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Madrid y diversas localidades de Mallorca, isla de la que es oriundo.
Algunas de sus obras están expuestas en el Ayuntamiento de Palma, en el Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, y en el centro de cultura de Sa Nostra en la capital mallorquina. Cañabate está en posesión de la Menció Honorífica en la I Bienal de Fotografía de Barcelona y del premio a la mejor colección de fotografía de los premios Ciutat de Palma, entre otras distinciones.

VALLS PALMER
Palma, 1961
Arquitecto, fotógrafo, insiste en que su fotografía no es mas que un lienzo sobre el que el pintor trabaja. La fotografía junto a su posterior manipulación es el medio de expresión de sus visiones plásticas. Huye de la realidad y crea objetos abstractos y conceptuales a la par que mundos paralelos.

Galería Carlos Roldós hasta el 11 de Septiembre de 2009. Calle Puigdorfila, nº4.