Miquel Mesquida en Can Planes

Percepciones oníricas



El Museo Can Planes de Sa Pobla acoge hasta el próximo 14 de diciembre los trabajos más recientes del pintor y escultor Miquel Mesquida.

Suprema gosadia – només en la gosadia hi rau l’acte creatiu,- la de Mesquida, voler plasmar fragment de somnis que, sols un artista que mossega el cel caminant per l’infern a la terra estant, pot intentar. Com ell ho ha fet.
Des d’una volguda, i analítica, objectivitat artística cultural, l’objectivitat és una mirada a l’exterior per tornar-se a mirar l’interior, Miquel Mesquida, en una reflexió de la distància sense mesura, assoleix interpretar, subjectivament descriptiu, gairebé autobiogràfic, els elements, paisatge i atmosfera d’uns àmbits, d’un món que no és món. El món oníric. El món dels somnis que glateixen, nit rere nit, dins l’aguait del pols que compta estrelles perdudes pel cel, o roselles enceses entre el blat o grans de sorra banyats per la salada mar.
Cavalls, ànecs, àngels, homes es veuen a traves de les tensions internes pròpies de la morfologia onírica. Rostres, mans, cors són figuracions equilibradament desequilibrades, a vegades imatges de disforja aparença, envoltes per una llum neta irreal. La llum que apareix abans de la claror definidora.
Mesquida, actor i receptor dels esdeveniments onírics, en percebre la fabulació dels somnis, explora la densitat iconològica, allà un cavall sorgeix de les portes del misteri, allà l’àngel esllanguit amb les ales triomfants. Cada quadre és una suma d’instants fugissers, arquitectures laberíntiques, simetries desiguals i desproporcionades. Angoixes personals que es precipiten en mitologies personals. Xardorosa germinació estètica.
La pintura de Miquel Mesquida, com obra evolutiva, és força complexa. Passa d’uns collage farcits d’una pudorosa tendresa a un violent esclató de colors vius, volcànics que, a voltes, festegen tot amorosits, uns escrits de tipografia evanescent que és l’única manera desassenyada d’escriure amb sentit. Com un renou que creix i prové de la llunyania, apareixen unes figures primitives, herències antropològiques de signes i formes. La figura humana, trement en la seva solitud còsmica, es descompon formant intencionats referents emotius. L’emoció és filosòfica.
Crec que no i ha pintura conceptualment més oberta que aquella que, en la seva expressió pictòrica, aparentment, es tanca sobre sí mateixa en composicions que, sense ser simbòliques – seria massa fàcil com a llenguatge comunicatiu -, insinua un univers carregat de signes que, ja abans de concretar-se, han transformat el seu significat, la seva energia primigènia, en espurnes sensibles de la gran foguera, sempre amagada, de l’emoció, commoció, humana i artística, intel•lectual, vital. Sols en la foscor estant podrem entendre el miracle de la llum. Aquesta és l’estratègia del fragmentari filament dels somnis.
Miquel Mesquida, amb les seves “Percepcions oníriques”, deixant l’home com a únic epicentre clarivident, inici i final de tota aventura artística, de tota percepció onírica, ens obri una via generosa, palpitant i voraginosa, per entendre la valenta sinceritat pictòrica d’un càntic que va de les profunditats a les altures.

Fragmento del artículo "Càntic de les profundiats en les altures, la pintura de Miquel Mesquida" de Alexandre Ballester publicado en el Manacor.com

miquel, mesquida, exposicion
miquel, mesquida, exposicion

Peter Zimmermann en la galería Horrach Moya

Nuevos territorios de la abstracción



Zimmermann, (Friburgo, Alemania, 1956) es uno de los pintores abstractos más singulares de la escena internacional contemporánea. Desde los años 80, Zimmermann desarrolla un lenguaje visual muy personal en el que el azar y los procesos digitales determinan parte de la creación artística en detrimento de otros métodos más tradicionales de la pintura.
Las piezas de esta exposición están realizadas a partir de otras realizadas por el autor o de documentos gráficos; en ambos casos, todos los trabajos se someten a una manipulación informática, posteriormente son escaneadas, se imprimen en una transparencia y se proyectan sobre la tela definitiva. Tras copiarse los contornos, se vierten materiales sintéticos, como la resina epoxídica, que llevan disueltos pigmentos de color y que confieren a sus piezas una textura especial como gelatinosa y formas de contornos indeterminados y colores irreales que recuerdan a la psicodelia.

La exposición de Peter Zimmermann podrá visitarse hasta el 13 de enero de 2009 en la galeria Horrach Moyà, Calle Catalunya, 4, Palma.

peter, zimmermann, exposicion
peter, zimmermann, exposicion

Tres exposiciones en Can Gelabert

Òscar Florit, Alice Morse y Jaume Gual exponen en Binissalem


Òscar Florit


Bajo el título Blanco, el pintor Òscar Florit (Palma, 1977) presenta en las Salas Florentines de Can Gelabert un conjunto de dieciséis pinturas en varios formatos fruto de intervenciones sucesivas realizadas entre el 2006 i 2008. Gestualidat, collage, pinceladas vigorosas, esprai... son algunas de las características del conjunto de obras que Florit muestra en Can Gelabert.
Alice Morse (Eivissa, 1962) actualmente residente en Mallorca, muestra a la Sala del Directorio del Casal de Cultura Can Gelabert un total de diecisiete obras en las que los colores reflejan una energía de gran dinamismo abstracto y simbología.
Finalmente, la exposición Tiendas de Palma es el resultado juntar dos proyectos realizados por Jaume Gual en 1982 y en 2007 dónde, a través de la fotografía, se puede ver cómo han evolucionado (y a menudo, desaparecido) las fachadas de los antiguos comercios de la Palma de comienzos de los años ochenta. Según Gual, este trabajo (publicado al 1986 por el Ayuntamiento de Palma y vuelto a publicar al 2007, edición en la que se adjuntan las fotografías actuales) nos remonta a una época dónde las tiendas eran diferentes unas de las otras y no estaban sometidas a la dictadura de una sociedad de consumo masificada que uniformiza todo lo que toca y que afecta, no sólo las mercancías, si no también los comercios que las venden.
Las exposiciones permanecerán abiertas hasta día 5 de diciembre en el Casal de Cultura Can Gelabert, en Binissalem, de lunes a viernes de 15 a 21 horas y sábados de 17 a 20 horas.

José Antonio Orts en la Sala Pelaires

Instalaciones interactivas de luz y sonido

La Sala Pelaires presenta una exposición de la obra más reciente de José Antonio Orts (Meliana, Valencia, 1955). Un artista multidisciplinar que aúna la música con las artes plásticas. En sus instalaciones utiliza esculturas interactivas, sensibles a los cambios de luz y desplazamientos del aire que el propio espectador provoca al visitarlas, produciendo así variaciones de luz y sonido.


Para Eolo, instalación en la Sala Pelaires

"En general en mis trabajos busco que las obras no sean puros elementos inertes, es decir, intento que sean obras "vivas". Es por eso que me esfuerzo en hacer piezas sensibles que captan la energía del espectador. La idea fundamental es que la mejor manera de dotar de "vida" a una obra es haciendo que esa vida la tome del propio espectador que la contempla, o, en algunos casos, de la naturaleza que la rodea.
La forma de las piezas surge siempre de su función, por lo que hay una unión esencial entre forma visual y efecto producido. La distribución de los elementos de la instalación en el espacio se hace atendiendo a la vez a criterios visuales y sonoros o lumínicos; los primeros, derivados de la plasticidad del objeto y de la arquitectura del lugar, los segundos, procedentes de la composición musical y de la relación de la obra con el espectador. Los materiales electrónicos no solo están usados por su función (electrónica) sino que además constituyen los materiales plásticos normales de la pieza.
Las instalaciones están pensadas para que el visitante entre dentro de ellas y las recorra. Al hacerlo, el espectador habita la obra y se convierte en parte fundamental de ella, pues la aviva, la humaniza y la completa. "

J. A. Orts

Fechas de la exposición: 06/11/08 al 17/12/08
Sala Pelaires. Calle Pelaires 5
07001 Palma de Mallorca

Henry Moore Obra gráfica

Henry Moore Obra gráfica en Museu d´Art Espanyol Contemporani

10 noviembre 2008 – 14 febrero 2009



La exposición presenta al público tres series de obra gráfica que fueron editadas en carpetas por el que es considerado el escultor británico más importante del siglo XX: Meditations on the Effigy, Elephant Skull y La poésie. Moore explora en ellos sus temas principales: el desnudo femenino reclinado y las figuras de madre e hijo, los estudios de animales y de formas naturales. Moore había trabajado en esos temas y motivos sobre todo en la escultura, pero en la segunda parte de su larga vida de manera creciente mediante el dibujo y el género menos conocido de su trabajo artístico: el grabado, como en el caso de las obras de la presente exposición. Moore reunió a partir de los años cincuenta las mejores muestras de su obra gráfica en carpetas, y la presente selección demuestra la continua indagación de Moore en la multitud de técnicas del grabado y en los temas principales de su obra.
Se incluye la serie de 12 litografías y 2 grabados al agufuerte, en color y en blanco y negro, publicadas en relación con la carpeta Meditations on the Effigy, publicada con motivo del 70 cumpleaños del artista en 1968 por la Marlborough Gallery de Londres. Además, se presentan los 28 grabados en blanco y negro editados en 1970 en una carpeta por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, inspirándose en el cráneo monumental de un elefante africano que le fue regalado por sus amigos, el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley, en 1966. El objeto fascinó a Moore, dando lugar a la presente serie de aguafuertes, en las que se exploran los espacios interiores y exteriores que le proporcionaban el objeto.
Además de las imágenes en blanco y negro de Elephant Skull, la carpeta La poésie, editada por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en 1976 en París, muestra siete ilustraciones en color realizadas en una nueva técnica litográfica desarrollada por Moore junto con con Stanley Jones, de los Curwen Studios de Londres, donde también se produjeron éstas litografías. El álbum le había sido encargado para ilustrar un grupo de poetas franceses elegidos por el presidente francés, Georges Pompidou, pero dado que las citas de los poetas le fueron entregados posteriormente, Moore eligió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos, como figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedras, etc. La técnica llamada “litografía de diazo” consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se podía repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.

henry, moore, exposicion
henry, moore, exposicion

Martínez-Bueno After Shooting

Martínez Bueno en SKyistheLimit




Después de la toma. (concepto)

Atraído por la idea de fotografiar espacios fuera del “tiempo lógico” para los que estos lugares fueron concebidos, disparo mi cámara en platós de fotografía vacíos, inertes, quietos. Entendiendo que el “tiempo lógico de un plató'”, es en el cual un personaje o grupo se retrata en él. Captar una fotografía del plató, sin nadie, es decir, fuera de ese “tiempo lógico”, lo extirpa de todo sentido primario, básico. Logrando de este modo, la abstracción real del set de fotografía y consiguiendo un No-lugar creado de manera inconsciente por su proyectista. Los set están basados en espacios reales, monumentos históricos o lugares del todo bucólicos, pero todos ellos son una interpretación personal de esos sitios, una versión “mejorada”, de la realidad . Estos espacios, productos de
una imaginación perfecta para las necesidades del consumidor, nos indican parte de la idiosincrasia del pueblo que acude a ser fotografiado en estos set. Paradójicamente, el lugar usado para retratarse un individuo, termina retratando a la sociedad a la que este individuo pertenece. Abriendo más el campo de la toma, es decir, sacando equipo técnico de los platós o bien, pequeños detalles de suelo o partes del estudio, anclo estos “No espacio”, en lugares verdaderos. Y usando la seriación, una perspectiva frontal y objetiva, lejos de un encuadre poético o personal, una selección neutra de la lente, convierto el trabajo en un documento descriptivo de una sociedad concreta. Sin olvidar que cada toma tiene un valor conceptual singular y único.

Martínez Bueno

Mediante sus fotografías nos muestra una realidad social subjetivizada a través de su cámara. Javier Martínez Bueno pertenece a una generación de artistas-fotógrafos españoles que han superado el objetivismo alemán y el documentalismo americano, en el que han sido educados. En sus trabajos retrata espacios encontradados que ya contienen información por si mismos, interviniéndolos ya sea técnicamente a través de la iluminación, ya sea recolocando objetos que para él son importantes en la escena. Subjetiviza entonces el punto de vista, obteniendo como resultado una imagen
menos fría, con un “espíritu mediterrráneo” usando las palabras del artita.

After Shooting podrá verse hasta el 15 de enero de 2009.
Costa Santa Creu 8, Palma


martinez, bueno, exposicion, skl
martinez, bueno, exposicion, skl

Camila Puls de la Cruz MetaforaT

MetaforàT, La palabra en la frontera

Nací un 31 de enero de 1980 en la ciudad mediterránea de Barcelona. A los 9 años la familia puso timón y vida en Mallorca. Seguían tan solo la presencia del tiempo perdido, una naturaleza silenciosa como estridente; seguían el grito de un mar amado que nos envolvió. Y así fue como crecí entre un mar de trigo en San Juan, y una ciudad entrañable como Palma, a donde cada día bajábamos para ir al colegio. Qué bien encontrar las lechuzas, los conejos en el camino, y el techo tan claro dibujado al volver a casa! Aquí vivimos y partimos y volvemos. Así es esta isla que te atrapa tan dulce como férrea. Esta será la primera exposición que tanto tiempo me ha retirado en un silencio “embarazoso”. Y me siento feliz de hacerla aquí, en mi isla, donde viven las personas con las que he crecido. Poder hablar, mostrar directamente una búsqueda, que era pensando en ellos. [metaforáT] es una exposición enfocada a la idea de ser humano como individuo; a un concepto unificado de mutación y lenguaje. El motor que pregunta y pregunta, son las relaciones humanas y la visión hacia uno mismo. El eje, es un conjunto de redes de significación, un juego de conexiones entre imagen y palabra, un juego de asociación fonética entre significantes y significados. Un juego emplazado en una dimensión de pluralismo idiomático donde los nexos fonéticos y visuales cobran un sentido inesperado y útil. Unas lecturas enlazadas desde una lógica libre de leyes y dogmas, dando sentido al campo que supone el arte.
La idea de metáfora como herramienta; en un desenlace fuera de la inercia a la hora de formar conceptos y entender la imagen, dando valor a la intuición propia. Una parte del recorrido son ilustraciones simbólicas enraizadas en nuestro trasfondo cultural occidental; mitología mediterránea (greco-romana o egipcia...); y el simbolismo judeocristiano. Imágenes que permanecen en nuestro inconsciente colectivo, que replantean conceptos enclave como la prensilidad del pensamiento, la culpa y la ansiedad; el autogobierno; la vibración y la trascendencia...o la risa. Otra parte de las imágenes aborda los mismos conceptos, tomando como referencia la ciencia, la vida cotidiana y el imaginario contemporáneo.
Un viaje a través de un agujero, que como Alicia, comienza por la curiosidad. Y así cae, con una onomatopeya [ de doble lectura: “ay” (dolor o sorpresa) o “ya” (fluir o reir)] por la galería del conejo sin tiempo. A partir de aquí, una historia por el mundo propio y común...por sentidos perdidos y reencontrados.

Camila Puls



El proyecto metaforàT de Camila Puls de la Cruz, ha sido escogido por el Institut d´Estudis Baleàrics para exponerlo en la Posada de Biniatró en Campanet, lugar en el que podrá verse hasta el próximo 29 de noviembre.