Alquimistas del establo

Los carpinteros en el Baluard

2011-10-22T02:10:00.000-07:00

Handwork-constructing the world exposición de Dagoberto Rodríguez y Marco Castillo (Los Carpinteros)

Una cama que parece un scalextric, una bañera con forma de portaviones, un muro en el que acaba de impactar un misil y mesas de dibujo cubiertas de agua. Dagoberto Rodríguez (Caibarién, 1969) y Marco Castillo (Camagüey, 1971) son Los Carpinteros y muestran en el Museo Es Baluard la exposición Handwork-Constructing the World.

La muestra gira alrededor de cuatro esculturas de grandes dimensiones e instalaciones: Cama (2007), un lecho entrelazado con la forma de lo que aparenta un pretzel o bien una autopista que evoca al ámbito psicológico del sueño y los sueños. Portaviones (2005), una piscina en miniatura, adopta la forma de un portaaviones, complicando las expectativas de funcionalidad y utilidad, ocio y guerra. Espejos de Agua (2001) consiste en una serie de antiguas mesas de dibujo cubiertas de agua, de modo que ésta refleja la luz eléctrica de un grupo de lámparas de escritorio, creando un instante precario donde el papel y la materia se convierten en licuefacción y reflejos efímeros.

Frío Estudio del Desastre o Show Room(2005) es una precisa reconstrucción de un muro penetrado por un misil, una imagen congelada del momento de la explosión que resulta una escena extraña a ojos del espectador.Fragmentos de pared, cascotes, fragmentos de vidrio y mobiliario suspendidos en movimiento estático.

Imagen de REUTERS / Enrique Calvo

Además, una serie de acuarelas de grandes dimensiones muestran la compleja relación entre dibujo y objeto, diseño y escultura en su obra además de su amplio abanico temático y de manipulaciones conceptuales. Estas acuarelas son, en muchos casos, anteproyectos de esculturas o instalaciones.

LOS CARPINTEROS. HANDWORK – CONSTRUCTING THE WORD (15.10.2011 - 22.01.2012)
Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma.
Plaza Porta de Santa Catalina 10.

La censura y el fanatismo como marketing en tiempos de crisis

2011-07-30T03:06:00.000-07:00

La exposición Camerinos y la escultura de los dioses vettones

¿Quién conocía la fotografía del actor Asier Etxeandía de Sergio Parra? Pues, en principio, los afortunados que se acercaran a Mérida durante el Festival Clásico y pasaran por la exposición Camerinos. Y ¿la escultura de los dioses vettones Ataecina y Vaelico de Fernando Sánchez Blanco, instalada en Arenas de San Pedro (Ávila)? pues los vecinos y los visitantes del lugar. Esto era así hasta ayer, 29 de julio, cuando todavía no se había puesto en marcha el marketing del fanatismo y la censura, gracias al que ambas imágenes han llegado al gran público.
En una suerte de promoción indirecta, la imagen de Asier Etxeandía y la escultura ‘El baño de Ataecina’ retiradas, una de la exposición y la otra de la plaza del Ayuntamiento de Arenas de San Pedro, circulaban estos días por Internet, instalándose de rebote en las miles de plazas virtuales que son las redes sociales.
Tras recibir `numerosas quejas` la Junta de Extremadura ha considerado que la foto de Etxeandía "atenta contra los cristianos". Y la escultura, según el equipo de Gobierno de Arenas de San Pedro, se sitúa en un sitio ‘inapropiado, al lado de la iglesia y “a la vista de los niños que juegan en la plaza”. En una época en la que todo parece estar inventado me pregunto ¿no les habrán llevado los escasos presupuestos de cultura a promocionar el arte a través de la censura? Si es así, los felicito. Lo han conseguido. Pero sospecho que la maniobra no iba en esa dirección y me inquieta.
La foto de Asier Etxeandía formaba parte de Camerinos, una muestra que reúne medio centenar de retratos de artistas que se han dejado fotografiar antes de salir a escena. La exposición de Sergio Parra busca reflejar el teatro por dentro, lo que sucede antes de la representación.
La escultura de Sánchez Blanco, una fuente que recrea las figuras de los dioses de la mitología vettona Ataecina y Vaelico es, según su creador, “un homenaje a la cultura de nuestros ancestros y a su profundo respeto por la naturaleza”. Pero el alcalde de Arenas de San Pedro, dice que la medida estaba incluida en el programa electoral del PP y que se retira porque se encontraba en un sitio “inapropiado”.

Waste Land

2011-06-30T13:45:00.000-07:00

Lixio Extraordinario

El documental Waste Land de Lucy Walker relata el viaje del artista Vik Muniz a Jardim Gramacho, el mayor basurero del mundo, situado a las afueras de Río de Janeiro. El artista convivió con las personas que tienen en este espacio su modo de vida y junto con ellas creó una serie de obras de arte, que después se vendieron en casas de subastas londinenses.

Conseguir que la basura se convierta en arte

El gigantesco vertedero Jardim Gramacho es, a primera vista, un lugar de pesadilla. Enormes montañas de basura adornan tétricamente el enorme territorio, en el cual miles de personas luchan por sobrevivir día a día recogiendo desperdicios reciclables que puedan cambiar por dinero para subsistir. Pero una vez más, en medio del peor de los infiernos la esperanza surge para demostrarnos que sí, que otro mundo y otra sociedad son posibles. En este caso ha sido el arte contemporáneo el detonante de la “revolución”. El artista Vik Muniz aparece en el documental “Waste Land” (“Lixio Extraordinario” en portugués) durante un periplo de tres años que le lleva desde Brooklin (su lugar habitual de residencia) hasta Río de Janeiro. El objetivo, desarrollar un proyecto personal: conseguir que la basura se convierta en arte, y que, además, sirva para mejorar la vida (y la autoestima) de miles de trabajadores del basurero. En el documental se muestra al recogedor de basura no sólo como una figura marginal que está en una ocupación alternativa, sino como una clase de trabajador con potencial de organización.
Si la parte estética de la película y las imágenes que muestran cómo se hace una obra de arte con basura son excelentes, también lo es la vuelta de tuerca que se le da a la mejora de las condiciones sociales. Los “catadores” (recogedores de basura) se convierten en trabajadores, y no en mendigos o desposeídos. Porque, realmente: ¿no es cierto que es un trabajo digno recuperar lo aparentemente inservible para darle una nueva vida? Precisamente uno de los protagonistas de la cinta es Tiao, un trabajador del vertedero que, en palabras de Muniz, “muestra al recogedor de basura no sólo como una figura marginal que está en una ocupación alternativa, sino como una clase de trabajador con potencial de organización", explica.

Tomado de Talentyart

Gakería de imágenes

Elena Asins Fragmentos de la memoria

2011-06-18T03:55:00.000-07:00

"Cultivad la ciencia de los números, porque nuestros crímenes no son más que errores de cálculo". La exposición retrospectiva de Asins, en la que podrán verse obras desde los años sesenta hasta la actualidad, se abre con esta sentencia de Pitágoras.

Las primeras obras de Fragmentos de la memoria se remontan a finales de los años sesenta, cuando se llevan a cabo los primeros seminarios de Generación Automática de Formas Plásticas en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, una experiencia pionera en España de incorporación de las computadoras a los procesos artísticos.

Elena Asins (1940). Artista, escritora y crítica de arte
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Fragmentos de la memoria
14 de junio – 31 de octubre de 2011
Museo Reina Sofía. Edificio Sabatini. 3ª Planta
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisario general: Manuel J. Borja-Villel

Willi Baumeister

2011-06-14T00:29:00.000-07:00

Pinturas y dibujos en el Museu Fundación Juan March (Palma)

La muestra exhibe 50 pinturas y 25 dibujos realizados entre las décadas de 1910 y 1950 y que ofrecen una visión de la creación artística de Willi Baumeister, una de las figuras más relevantes de las vanguardias en Alemania.

La creación artística de Willi Baumeister se desarrolló en grupos de obras temáticamente relacionadas entre sí. Destacan dos ciclos, uno dedicado al pintor y a la modelo y el otro al deporte; ambos temas están muy en consonancia con el espíritu de las vanguardias contemporáneas y con el momento histórico que le tocó vivir, el ambiente y la cultura de la República de Weimar. En efecto, en las décadas de los 20 y 30 el arte “descubre” el mundo del deporte y su cultura. Baumeister, inmerso en la investigación de las posibilidades de representación del cuerpo humano en movimiento, lo incorpora a su universo iconográfico.

Con frecuencia Baumeister representa también su propio atelier, un gesto relacionado sin duda con sus reflexiones sobre la identidad del artista, reflexiones que recogerá en su ensayo Das Unbekannte in der Kunst (“Lo desconocido en el arte”, de 1947), y en otros muchos textos, algunos de los cuales se vierten por primera vez al español en el catálogo de esta muestra.

En la evolución de su trabajo artístico, el lenguaje iconográfico arcaico habría de jugar un papel esencial: sus composiciones con arena de los años 30, inspiradas en las pinturas rupestres de Valltorta (España), muestran una gran fidelidad a la naturaleza al mismo tiempo que un avance hacia la abstracción, con figuras que se convierten en signos y en grafías, reforzando así su carácter simbólico.

A partir de 1933, Baumeister se ve inmerso en polémicas extra-artísticas y, víctima de una campaña de prensa, acaba engrosando la lista de artistas y de arte “degenerado” elaborada por las autoridades nacionalsocialistas. A pesar de ello, Baumeister sigue trabajando e investigando, y su obra, inspirada por la idea de un arte que se adentra en lo desconocido y descubre lo nuevo, acabará por traspasar definitivamente los límites del naturalismo. En 1947, parte de su investigación tomará fo forma en Das Unbekannte in der Kunst, donde, además, se pone de manifiesto la vocación docente del artista, partícipe, en este sentido, de los principios de la Bauhaus.

La exposición WILLI BAUMEISTER (1889-1955). PINTURAS Y DIBUJOS, en el Museu Fundación Juan March hasta el 10 de diciembre.

Encuentro Latinoamericano de Muralismo en Cosquín

2011-04-10T02:46:00.000-07:00

Numerosos artistas participaron en el Encuentro Latinoamericano de Muralismo Cosquín 2011. Sus paredes y tapias han servido de lienzo para contar la historia y la 'otra historia'. Participaron Gisel Estefania (Buenos Aires), Laura Londoño y Florentina Aramayo (Colombia), Jairo Robinson y Leonardo Fernández (Perú), José Antonio Villena Sierra (Ecuador), Gustavo Baldovino De Cesare y María Claudia Ríos Sosa (Uruguay), Leonel Do Rosario, Abraham Sanabria, Unai José González (Venezuela),José Emilio Pacheco Vega, Cristina Pérez Alcocer, Edam Juan Carlos Garces y Cristóbal Flores (México), Susana Velasco, Iván García y Paola Mikiej (España), Josan Cardinal, Cristian Brossard, Carlos Domínguez y Carolina Luqué (Cosquín).

Para ver los trabajos web del encuentro
Blog De muchos colores de Susana Velasco.

Color Essence concurso

2011-04-09T09:48:00.000-07:00

Laura Atienza del blog de arte Time Also Paints organiza el concurso Color Essence

El concurso se basa en dos fragmentos extraídos de una fotografía, los cuales hay que darles una nueva interpretación. La obra puede realizarse en cualquier formato o plataforma (dibujo, escrito, escultura, vídeo...) y las imágenes del concurso no tienen por que aparecer en el trabajo final. La intención de esta iniciativa es dejar volar vuestra imaginación y se valorará la libertad creativa de las piezas.
Hasta el Martes 26 de Abril.

La Venus de Milo y el binomio de Newton

2011-04-06T02:21:00.000-07:00

Imaginary. Una mirada matemática

"O Binómio de Newton é tão belo como a Vénus de Milo.
O que há é pouca gente para dar por isso.

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Las fórmulas de la belleza

"El binomio de Newton es tan hermoso como la Venus de Milo, el problema es que muy poca gente se da cuenta de ello". Esta frase del escritor portugués Fernando Pessoa, en la que equipara la belleza de las matemáticas a la del arte, podría cambiar sustancialmente, al menos en su parte final, si pusieran ante nosotros algunas fórmulas materializadas en formas, objetos o fenómenos de la naturaleza.

Enlace al artículo original

Slavoj Zizek

2011-04-02T01:34:00.000-07:00

The Pervert’s Guide to Cinema
En este documental de 2006, dirigido por Sophie Finnes y presentado por el propio Zizek, el filósofo etiqueta al cine como el último arte perverso, ya que no te da lo que deseas, sino que te dice cómo debes desear.

El cine según Slavoj Zizek
Por Valeria De Los Ríos Y Matías Ayala

"Quizá uno de los acercamientos recientes más provocativos en torno al cine sea el del a la vez filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek. Influenciado por G.W.F. Hegel, Karl Marx y Jacques Lacan, Zizek explora las posibilidades que otorga el cine para pensar en términos visuales. De Hegel rescata principalmente el método dialéctico, que en la versión del esloveno no llega jamás a una síntesis; de Marx se interesa por la crítica de la ideología; y de Lacan, toma el marco teórico y la terminología en torno a la construcción del sujeto. No se trata, en su caso, de aplicar directamente el psicoanálisis a los productos de la cultura contemporánea –uno de los ejercicios más predecibles e improductivos del campo académico–, sino que de articular algunos de los conceptos centrales de la teoría lacaniana: lo Simbólico y lo Real, la mirada y la voz. El cine es el arte de las apariencias y las fantasías, por ello, es capaz de decirnos cómo la realidad misma se constituye como una construcción ideológica, social o simbólica. En este sentido, la ficción cinemática es más real que la realidad misma. Según Zizek, para entender el mundo de hoy necesitamos del cine, ya que en él encontramos esa dimensión crucial que no estamos listos para confrontar en nuestra propia realidad".

Convierte el arte en agua

2011-03-23T03:45:00.000-07:00

Exposición colectiva solidaria

En esta iniciativa participan 22 artistas plásticos y el poeta Álvaro Fierro con 22 poemas inéditos para cada obra expuesta.

Artistas participantes: Agueda de la Pisa, Alejandro Lucadamo, Alfonso Zubiaga, Álvaro Ybarra, Ana Nance, Anuca Aisa, Bibiana Fierro, Carlos Díaz de Bustamante, Carlos Sánchez Alonso, Ciuco Gutiérrez, Claudia Stilianoupolus, Cristina Almodóvar, Jaelius Aguirre, Limberth Rojas, Martín Blázquez, Matilde Roca de Togores, Mónica Sánchez Robles, Pasquale Caprile, Paz Juristo, Silvia Paredes y el poeta Álvaro Fierro
Convierte el arte en agua. Los días 22, 23 y 24 de Marzo en el espacio www.pepepisa.com ( C/ Gabriel Lobo 14 28002, Madrid) exposición y subasta.
¿El Objetivo? Recaudar fondos para subsanar los problemas de escasez de agua en África.

Ida Kar: fotógrafa bohemia

2011-03-10T00:42:00.000-08:00

Ida Kar: Bohemian Photographer, 1952-68' at the National Portrait Gallery

Este espacio acoge la primera retrospectiva de la artista en los últimos 50 años

En la exposición pueden verse un centenar de imágenes, algunas inéditas, de sus primeros años como profesional, de sus viajes y de su vida en Inglaterra, donde fotografió en su ambiente a escultores, pintores, escritores.

Bridget Riley

Kar, de origen armenio, nació en Rusia en 1908 y estudió en París en el apogeo del movimiento surrealista. A finales de 1930 se estableció profesionalmente en El Cairo, donde conoció a su segundo marido, Víctor Musgrave.
En 1945, ambos se trasladaron a Londres; ciudad en la que él abrió la Gallery One. En este espacio Kar expuso "Cuarenta artistas de París y Londres", una muestra que reunía retratos de diferentes personajes del mundo del arte y la literatura.

Barbara Hepworth

Alberto Biacometti

Gustav Metzger

Le Corbusier

Doris Lessing

Tsugouharu Foujita

Ida Kar: Bohemian Photographer 1908-74 en la National Portrait Gallery (NPG) entre el 10 de marzo y el 19 junio.

El circo de las ilusiones

2011-02-20T01:42:00.000-08:00

Exposición de Federico Fellini en CaixaForum Palma

La muestra reúne más de 400 piezas, entre fotografías, dibujos, revistas, cómics, carteles, entrevistas y extractos de filmes, algunos de ellos inéditos hasta ahora.
El circo de las ilusiones, organizada por la Obra Social ”la Caixa” y NBC Photographie, pone un énfasis especial en las obsesiones de Fellini, las imágenes que le inspiraron, las que soñó y las que construyó.

A los diecinueve años, Federico Fellini abandona Rímini y parte a la conquista de Roma. Comenzó su carrera trabajando como caricaturista para diversos periódicos satíricos, pero no tardó en lanzarse a escribir y, en la década de 1940, colaboró en la redacción de numerosos guiones de películas. Trabajó junto a su amigo Roberto Rossellini en Roma, ciudad abierta (1945) antes de debutar como director con Luces de variedades (1950). Algunos años más tarde, lograría el reconocimiento internacional gracias al Óscar que obtuvo por La strada (1954). A los cuarenta años, Fellini provocó una gran polémica con La dolce vita (1960). La Iglesia, que hasta entonces le había apoyado (considerándole incluso un cineasta católico), se indignó al estrenarse el filme, que tachó de decadente y blasfemo.
Fellini continuó su carrera de forma totalmente libre, al margen de las tendencias. Alteró las reglas de la narración, deconstruyó el relato, reinterpretó el cine. La película 8 ½ (1963) supuso un nuevo giro: sus cuestionamientos sobre la creación y su reflexión sobre el cine le llevaron a superar las fronteras de lo real para explorar el mundo de lo imaginario. Los recuerdos de infancia, el inconsciente y los sueños empezaron a tomar relevancia en su obra. Su biografía continuó siendo uno de sus temas recurrentes, pero a partir de ahí no dudó en interpretar su propio papel.

La exposición está dividida en cuatro ámbitos: cultura popular, Fellini en acción, la ciudad de las mujeres y la invención biográfica.

En el primero, se analizan las obsesiones de Fellini y cómo las reflejó en sus películas: desde el mundo del cómic hasta el circo, pasando por su visión de la religión, el poder o los medios de comunicación. El cineasta se inspiraba en lo que le rodeaba y en el amplio repertorio de sus recuerdos, ya fueran reales o inventados.
En el segundo, Fellini en acción, se muestran los procesos para dar forma a su universo junto con sus colaboradores. La figura de Nino Rota es indisociable de la obra de Fellini o la de Piero Gherardi que colaboró durante más de veinte años como escenógrafo y diseñador de vestuario.
En la ciudad de las mujeres muestra sus obsesiones femeninas. La ninfomanía de la Saraghina de 8 ½ (1963) recuerda a la de la Volpina de Amarcord (1973), y los enormes pechos de la estanquera de Amarcord parecen los mismos que los de la campesina de La ciudad de las mujeres (1980).
Y, finalmente, en la invención biográfica, recorre los recuerdos infantiles y los sueños que aparecen constantemente en sus filmes. 8 ½ (1963) cuenta la historia de un director en crisis de inspiración, una especie de réplica de Fellini en la pantalla. Esta película supone un giro en la obra del cineasta. A partir de ese momento, el propio Fellini se convierte en uno de sus temas recurrentes y participa en la puesta en escena de su propia imagen, como muestran los carteles promocionales del filme y, sin ir más lejos, su título: ese 8 ½ corresponde a la octava película y media de Fellini.

Entre 1960 y 1990, Fellini llena de dibujos dos grandes libros habitualmente destinados a la contabilidad de producción. La riqueza de los colores y la utilización esporádica del guache confirman que Fellini se consagra a largas sesiones de dibujo. El cineasta vuelca en el papel sus obsesiones, temores y angustias a lo largo de treinta años, pero no siempre con la misma regularidad. El Libro de los sueños constituye también un repertorio de formas, motivos e historias, un ejercicio de estilo al que el cineasta se entrega, a la manera de un músico con sus escalas, para mantener y alimentar su imaginario.

El circo de las ilusiones, centro cultural CaixaForum Palma hasta el 22 de mayo 2011.

El sol del membrillo de Erice

2011-02-19T04:22:00.000-08:00

La película documental cuenta el proceso de creación artística del pintor Antonio López cuando decide pintar un membrillero en la época en que sus frutos comienzan a madurar. Una maravilla.

"Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades".
Antonio López

Contraviolencias: Prácticas artísticas contra la agresión a la mujer

2011-01-22T02:11:00.000-08:00

El arte como denuncia

La liberté raisonné de Cristina Lucas

La artista continúa en un video el recorrido de la imagen que quedó congelada en el cuadro del pintor francés Eugène Delacroix: La libertad guiando al pueblo. En esta obra los personajes toman de nuevo vida, y la mujer (alegoría de la libertad) muere atacada por los hombres que la seguían.

Mosaico branco por sesenta mulheres de Beth Moysés

En este vídeo la artista brasileña Beth Moysés reúne a sesenta mujeres vestidas de novia para construir un monumento en recuerdo de la violencia doméstica sufrida por muchas de ellas.

Coco Fusco Dolores from 10 to 10

La artista cubana recreó en este vídeo el maltrato sufrido por una empleada en México al negarse a firmar su dimisión.

Anti-dog de Alicia Framis

Performances urbanas en las que reúne a mujeres para denunciar la violencia y la agresión social. En este caso Se trata de una colección de vestidos amarillos realizados con tejido anti-balas, ignífugo o resistente a las agresiones de perros, en los que se pueden leer frases o consignas que buscan ser un revulsivo contra el sexismo y el racismo.

Además obras de artistas como Shoja Azari, Nazan Azeri, Maya Bayevic, Louise Bourgeois, Stefan Constantinescu, Regina José Galindo, Sükran Moral, Alexandra Ranner, Paula Rego, Teresa Serrano, Azucena Vieites. La muestra multidisciplinar CONTRAVIOLENCIAS es una coproducción de Koldo Mitxelena Kulturunea y la Obra Social "Sa Nostra" Caixa de Balears. La exposición está comisariada por Piedad Solans y reúne algunas de las manifestaciones artísticas más famosas contra la violencia de género de la última década. La muestra podrá visitarse durante el 2011 en las salas de exposiciones de Sa Nostra en Menorca, Ibiza y Palma.
Excelente vídeo del programa Metrópolis sobre esta muestra

José Val del Omar

2011-01-15T02:19:00.000-08:00

La mística de las máquinas

El sonido diafónico envolvente, el desbordamiento apanorámico de la imagen o la tactilvisión, José Val del Omar(Granada 1904 - Madrid 1982) investigó el color, el sonido, la tridimensionalidad o el relieve para aplicar en sus creaciones todas las posibilidades técnicas y estéticas de los medios audiovisuales. Buscaba la obra total que pudiera ser vista, oida y sentida por el espectador. Las siglas PLAT –que equivalen al concepto totalizador de Picto-Lumínica-Audio-Táctil–, revelan su carácter visionario que le llevó a desarrollar caminos inéditos. Val del Omar fue contemporáneo y camarada de Lorca, Cernuda, Renau, Zambrano y otros creadores de una generación truncada con la Guerra Civil.

La exposición desbordamiento de VAL DEL OMAR del Museo Reina Sofía presenta gran parte del material existente creado por este autor. Obras como Vibración de Granada, su primera película de 1932 o los tres documentales de su Tríptico Elemental de España, dedicados a Andalucía, Castilla y Galicia. También puede verse mucha documentación y materiales, como guiones, fotografías, diapositivas, collages o patentes.
Enlace a Días de cine: José Val del Omar, un programa sobre este autor en TV2

José Val del Omar(Granada 1904 - Madrid 1982)

Jose Luis Guerin y Máximo Gorki

2010-12-14T02:45:00.000-08:00

Tren de sombras de Jose Luis Guerin (1997) y El reino de las sombras (1896) de Máximo Gorki

Reflexiones sobre la imagen cinematográfica

Tren de sombras, viaja a los inicios del cine a partir de los vídeos familiares de Gérard Fleury en su casa de Le Thuit (1930). El reino de las sombras , artículo de Gorki tras descubrir en una feria la invención del cinematógrafo de los hermanos Lumière.

El reino de las sombras

"Ayer viajé al reino de las sombras. Es una región inconcebiblemente extraña, despojada de sonidos y colores. Todo, la tierra, los árboles, las personas, el aire, el agua, está pintado en grisalla. Se ven ojos grises en rostros grises. Un sol plomizo brilla en un cielo gris, y las hojas de los árboles son de un gris ceniciento. La vida se reduce allí a una sombra, y el movimiento, a un fantasma silencioso.

Estoy a punto de verme tratado de loco o de simbolista, y me veo obligado a explicarme. Esto ocurrió en el café Aumont, donde mostraban el cinematógrafo, las imágenes animadas de los hermanos Lumiére. Este espectáculo me causó una impresión tan compleja y singular que, incapaz de pintar su infinita diversidad, me conformaré con evocar su naturaleza lo más fielmente posible. Apagada la sala, una imagen grisácea surge en la pantalla, como la sombra empalidecida de un grabado malo. Una calle de París. En ella reconoce uno, en una inmovilidad petrificada, coches, edificios, personas en diferentes poses. Todo es gris, incluso el cielo. Esta imagen trivial no despierta ninguna curiosidad entre el público, que ya ha visto representadas innumerables arterias parisienses. Pero, de repente, con una extraña vacilación, la imagen se anima. Los coches se ponen en marcha y, amenazadores, ruedan derechos hacia el espectador sentado en la oscuridad. Al fondo aparecen siluetas indistintas, que crecen a ojos vista a medida que se acercan. Delante, unos niños juegan con un perro, los peatones cruzan la calle zigzagueando entre los vehículos, los ciclistas pasan y vuelven a pasar. Todo es pura vida, urgencia, movimiento. Todo se mueve y luego se desvanece.

Pero esta actividad se pierde en un silencio extraño; no se oye ni el fragor de las calles, ni el eco de los pasos, ni el de las conversaciones. Nada, ni una sola nota de la complicada sinfonía que acompaña los movimientos humanos. En silencio, el viento agita el follaje color ceniza. En silencio, seres grises se deslizan por el suelo gris, condenados al mutismo eterno, privados por un castigo cruel de los colores de la vida. Sus gestos llenos de energía son vivos, hasta el punto de que resulta difícil seguirlos, pero la vida ha abandonado sus sonrisas, y su risa es muda, a pesar de la hilaridad que contrae sus rostros grisáceos. La vida surge ante nuestros ojos, apagada, sin voz, sombría y lamentable, con sus múltiples colores desteñidos.

Es un espectáculo terrible. Y, sin embargo, no es un teatro de sombras. Uno piensa en esas ciudades que un fantasma, una maldición, un espíritu maligno, han sumido en un sueño eterno. Parece que Merlín el Encantador nos enseña una de sus malas pasadas: ha hechizado una calle, reduciendo sus edificios imponentes, desde el techo a los cimientos, a un tamaño insignificante, empequeñeciendo proporcionalmente a las personas y privándolas de la palabra, y ha difuminado los colores del cielo y de la tierra hasta fundirlos en una grisalla uniforme. Después, ha cogido su creación grotesca y la ha plantado en una sala de restaurante con las luces apagadas.
Hay unos chasquidos, y todo desaparece de pronto. Surge un tren que, como una flecha, se lanza directamente sobre el espectador. ¡Cuidado! Abalanzándose en la oscuridad, se dispone a transformarle a uno en un saco de piel mutilada, lleno de picadillo humano y huesos rotos, y teme uno que destruya esta sala, esta casa donde abundan el vicio, las mujeres y la música, donde el vino corre a raudales, y no deje tras de sí más que ruinas y polvo. Pero, en realidad, no es más que un tren fantasma".

Máximo Gorki (1868-1936). Artículo publicado originalmente en el periodico Nizhegorodski Listok, el 4 de Julio de 1896.

Joan Brotat

2010-11-14T02:55:00.000-08:00

La lluita per la innocència (la lucha por la inocencia)

Figuras hieráticas que recuerdan a las de los frescos del románico catalán; algunas pintadas con un colorido brillante y muy naif y, otras oscuras con personajes de expresiones tristes y melancólicas.

La nina

“...Brotat opta por un figurativismo aparentemente ingenuo, pero al mismo tiempo conmocionador. Introspectivo, poético, angustiado, Brotat pinta rostros pálidos y severos, y gestualidades estáticas de un esquematismo primitivista que nos remite al románico. Ahora bien, Brotat consigue dotarlos de una fuerza mágica y misteriosa por medio de los escenarios minuciosamente trabajados de símbolos y trazos, de los contrastes entre los colores y de la deliberada transgresión de las proporciones, con el fin de enfatizar personajes y sentimientos. Las miradas de apariencia inexpresiva nos hablan de pulsiones profundas.
Y lo que quizá podría parecer solo un juego se va volviendo con el paso de los años una meditación descarnada, una obra hecha de desasosiego, desolada, aterradora de caras sin ojos o de figuras rígidas, encartonadas. Mitrani nos recuerda que Brotat intervino en la guerra civil como integrante de la quinta del biberón y que fue recluido en un campo de concentración. Era un hombre herido y refugiado dentro de sí mismo. Nos habla de ello su pintura fascinante.

Carles Duarte, en El Periodico

Cazadores de leones

Exposición La lluita per la innocència (1947-1966)comisariada por Àlex Mitrani
Museu de Valls (5 de noviembre de 2010 al 9 de enero de 2011)
Museu Abelló de Mollet del Vallès (20 de enero al 10 de abril de 2011)
Fundación Cesáreo Rodriguez Aguilera de la Universidad de Jaén (desde mediados de abril a finales de mayo de 2011)

Las tres Gracias

2010-11-13T02:37:00.000-08:00

En 1974 el funambulista Philippe Petit paseó cerca de una hora por un cable tendido entre la Torres gemelas de Nueva York. La película documental Man on Wire de James Marsh recuerda su hazaña.

El establo de Pegaso: La luz atraviesa el equinoccio como Philippe Petit el World Trade Center

El mundo flotante de Jacques Henri Lartigue

2010-10-19T00:05:00.000-07:00

Exposición de Lartigue en la CaixaForum de Palma de Mallorca

CaixaForum Palma
Del 20/10/2010 al 23/01/2011
Comisarias: Martine d’Astier de la Vigerie, directora de la Donation Jacques-Henri Lartigue, y Florian Rodari, historiadora de arte.

Desde que empieza a hacer sus primeras fotos a los seis años, Jacques Henri Lartigue (Courbevoie, 1894-Niza, 1986) se propone capturar la espontaneidad, la inocencia, la sinceridad, el juego y la alegría de vivir. Podriamos decir que toda su obra se caracteriza por el deseo de escapar de la gravedad, de huir de los contratiempos y de superar todas las contrariedades. Y lo hace captando imágenes del mundo que le rodea —mujeres bonitas, juegos de infancia, automóviles, aviones, deportistas en competición...— que reflejan la modernidad del cambio de siglo y un estilo de vida que le acompañará para siempre.

Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) es la primera gran exposición antológica que se realiza del fotógrafo en España. Reúne más de doscientas piezas, procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París, entre copias modernas, instantáneas originales tomadas y reveladas por él mismo -algunas de ellas con la técnica estereoscópica-, así como cámaras, cuadernos, agendas y algunos tomos del diario que realizó durante toda su vida. La muestra hace especial hincapié en los temas que resultaron una constante durante toda su carrera: la fotografía como instrumento de la memoria, una herramienta para capturar la fragilidad de la existencia y la brevedad de la felicidad. También refleja su particular visión de las mujeres y de un mundo que cambiaba velozmente.

Jacques Henri Lartigue ha sido uno de los referentes visuales del siglo XX. Nació en Courbevoie, cerca de París, hijo de una familia de industriales adinerada. Su padre le compró la primera cámara fotográfica a los ocho años y, desde muy pequeño, empezó a llevar un diario con fotografías y breves textos que le acompañaría durante toda la vida y que constituye un documento extraordinario para conocer la forma de vivir de una generación que descubrió la moda, el deporte y las competiciones de motor. Sus imágenes reflejan la rápida transformación de las costumbres, el estallido de novedades, la vibración de las cosas y, al mismo tiempo, la búsqueda de los pequeños detalles, del instante perdurable y atemporal.

Hasta el año 1963, en que el MOMA presentó su primera exposición antológica, Lartigue era un fotógrafo casi desconocido. Sin embargo, la extraordinaria fuerza de sugestión de sus imágenes explica que su prestigio no haya parado de crecer desde aquel momento.

Lartigue capturó la vida a su alrededor, la exaltación de la felicidad y la alegría de vivir y lo hizo con unas ideas estéticas que proponían la renovación del lenguaje fotográfico. También se dedicó a la pintura y al cine. Fue director de fotografía en muchas películas de directores como François Truffaut o Federico Fellini.

Aunque sus imágenes son contemporáneas de un periodo repleto de convulsiones y cambios sociales —la Primera Guerra Mundial, la Revolución Rusa o la ocupación nazi de Francia—, Lartigue no fijó su atención en estos conflictos. Su obra no refleja los cambios políticos; pero sus instantáneas, se convierte en un documento único de una época y una forma de vida. Su fotografía remite siempre a la inocencia, la espontaneidad y la alegría de vivir.

Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986)

Los 'saltos' a la felicidad fotográfica de Lartigue

Artículo de Laura Jurado en el Mundo

Jacques Henri Lartigue fue siempre un niño enfermizo. Sus dolencias le permitieron evitar las dos guerras mundiales, pero también le impidieron ir a la escuela. Fue aquella sensación de vivir al margen del mundo la que le inculcó el miedo a que un día todo, tal vez él incluido, desapareciera. Tomó conciencia de que la felicidad, y la propia vida, eran un instante si no perdido sí a punto de desvanecerse. Un éxtasis difuso que se movía con la gracilidad de un nadador y con la velocidad de un piloto de carreras. Cuando a los ocho años llegó a sus manos la primera cámara fotográfica, encontró la manera de poder atrapar ese segundo. Ahora su obra llega a CaixaFòrum Palma con una gran retrospectiva bajo el título Un mundo flotante.
Postrado en una cama de algodones o con los ojos oteando sobre la superficie de una bañera a rebosar, la vida de Jacques Henri Lartigue sufrió un vuelco cuando apenas era un niño. Aquel cuerpo enfermizo le había descubierto que, como la memoria, la felicidad sufría la permanente amenaza de desvanecerse. «Yo nací feliz», escribiría tiempo después, pero de pronto su felicidad vital parecía poder desaparecer sin previo aviso.
Tenía sólo ocho años cuando su padre le regaló la primera cámara fotográfica. El aparato era la herramienta perfecta no para detener el tiempo pero sí para inmortalizarlo, para retrasar lo inevitable. Sus inquietudes eran las mismas que aquel siglo XX que se iniciaba dominado por la idea de la velocidad: los transportes, acelerador mediante, reducían las distancias y el tiempo se relativizaba gracias a Einstein.
Bajo el título Un mundo flotante. Jacques Henri Lartigue (1894-1986), CaixaFòrum Palma acoge desde hoy la primera gran retrospectiva del artista francés con más de 200 piezas procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue. «Hacia el final de su vida donó toda su obra al estado francés con la condición de itinerarla y no atarla a un centro. Huía de los museos porque eran lo contrario de todo lo que él amaba, de la viveza y la velocidad», explicaba ayer la presidenta de la institución, Marysse Cordesse.
Su nombre fue un descubrimiento tardío para el mundo. Tenía casi 70 años y el Museo de Arte Moderno de Nueva York decidió convertirlo en el primer artista que expusiera en el área de fotografía. Fue el primer paso, incluso, para ser reconocido en su Francia natal. Lartigue nunca quiso ser fotógrafo. Aquella afición autodidacta era sólo fruto de su obsesión. «Él soñaba con ser pintor y ganarse la vida con la pintura. Llegó a exponer con Monet, pero sus cuadros no estaban a la altura de sus instantáneas», recuerda Cordesse.
Nunca entendió la fotografía como profesión, por eso vivió al margen de los movimientos artísticos que llenaban las pinacotecas y de la crítica empeñada en ensalzarlos o hacerlos caer. Como persona, apenas prestó atención a las continuas convulsiones experimentadas por su país: la Primera Guerra Mundial, la Revolución Rusa o la ocupación nazi. Lo suyo era el intento de preservar la inocencia y la alegría de vivir. El retrato de la opulencia, la tranquilidad y la futilidad de la burguesía francesa.
Agazapado tras los árboles de la avenida del Bois de Boulogne, Lartigue cazó sus primeros retratos femeninos: los de aquellas mujeres distinguidas que paseaban sus vestidos nuevos por el bulevar. No buscaba el detalle de sus tejidos sino su apariencia elegante. Su amante Renée sería la única en posar frente a su objetivo. Sus tres mujeres -Coco, Florette y Bibi-, un retrato en medio de una placidez inmóvil. La misma que la mirada de Bibi en casa del doctor Boucard en medio de un tango.
«La vida es algo maravilloso que baila, salta, vuela, ríe y pasa», escribió. Un mundo flotante -que se podrá visitar hasta el próximo 23 de enero- es el retrato de una joven de espaldas sobre la arena de una playa de Hendaya. Las últimas brazadas de un bañista en una puesta de sol en Hyères. Un chapuzón de su hermano Zissou con las piernas a punto de tocar el agua. El cuerpo humano, a veces apenas intuido entre las sombras, era el mejor lienzo sobre el que escribir la fugacidad.
Las máquinas impulsaron a Lartigue el intento de captar la realidad física de la velocidad y sus deformaciones en los objetos, «con el resultado de una realidad etérea, flotante», como recordó ayer la directora de CaixaFòrum Palma, Margarita Pérez-Villegas. Encoger el espacio y alargar el tiempo en un nuevo concepto de panorámicas. Las ruedas de una carrera de bobsleighs, los despegues del concurso de bicicletas voladoras en el velódromo del Parc des Princes, los primeros accidentes de la aviación o el retrato de su padre a 80 kilómetros por hora.
Obsesionado por la meteorología y los olores, Lartigue -al que muchos denominaron el mago del instante- construiría toda su obra sobre la búsqueda del mismo tiempo perdido que le ataría a Marcel Proust para la posteridad.

Petite Mort coreografía de Jirí Kylián

2010-10-15T14:42:00.000-07:00

Estrenado por el Nederlands Dans Theater, en el Festival de Salzburgo, en 1991. Jirí Kylián creó este ballet para el Festival de Salzburgo con motivo del segundo centenario de la muerte de Mozart. Los fragmentos musicales pertenecen a dos de los conciertos de piano de Mozart.

"La danza es idealista, siempre sobrevive, no le afectará la crisis”
Texto de Maricel Chavarría

El coreógrafo Jirí Kylián, cuyas creaciones se disputan las mejores compañías del mundo, ha impregnado de excelencia y originalidad la danza contemporánea de las últimas décadas. Dejó su Praga natal tras la Primavera del 68 y aprendió de John Cranko a ser un artista libre. Durante sus 25 años como director del Nederlands Dans Theater, estimuló a figuras como Nacho Duato o Catherine Allard. Hoy, a sus 61 años, sólo aspira a dejar de crear bajo contrato.

El viento húmedo que azota La Haya empuja la puerta trasera del Lucent Danstheater, y cual gato negro aparece en lo alto de un rellano un enigmático Jirí Kylián. El coreógrafo de origen checo afincado en Holanda, uno de los más influyentes de este siglo y del anterior, interrumpe su ensayo con la compañía joven del Nederlands Dans Theater (NDT2) para salir al encuentro del Magazine. Su cálido humor, su verbo preciso y esa calma eslava hacen temer que vaya a ser él quien diseccione a la visitante y no a la inversa. Durante 25 años dirigió ese teatro holandés, el único con compañía propia –que, por cierto, recalará esta semana en el Liceu de Barcelona– y que está dedicado enteramente a la danza.
Sabio, ecléctico, a punto de cumplir 62 y cansado de crear obedeciendo a encargos, Kylián celebra que este 2009 finalice el contrato que le obliga a crear una pieza al año para el NDT. “Sólo deseo tener una agenda en blanco, no planear nada”, confiesa.
Por suerte para esos jóvenes del NDT2 que hoy tienen el privilegio de dar forma a las ensoñaciones intuitivas de Kylián, el maná de este artista está lejos de secarse. Gods and Dogs (dioses y perros) es la pieza en la que le hallamos inmerso. Pura orfebrería.

En esta pieza, aborda la los límites de la locura. ¿Le preocupa la demencia?
Hay cierto grado de locura en todos nosotros. Intento explorar ese momento extraño en el que aparece una persona lúcida y te dice que te has vuelto loco y que hay que tratarte, o incluso que debes ser internado para no hacerle daño a nadie. Es un momento delicado porque lo que es normal para uno no lo es para otro. ¿Cuáles son los criterios? ¿Quién decide y en qué momento?

Son muy jóvenes sus bailarines, y usted les hace bailar frases tortuosas. ¿Le devuelven lo que espera?
Tengo que alimentarles más, pero me dan una enorme energía. Lo que usted ha visto hasta ahora en esta fase de creación es todavía muy estético; será más tortuoso. Es interesante ver a gente joven interpretando un material tan emocional porque no tienen ni idea, son demasiado jóvenes, no han tenido experiencia. Tienen que usar su fantasía, y eso es excitante.

¿Gratifica cultivar bailarines júnior?
La compañía joven trae una energía fantástica. Con la principal aprendo de ellos y ellos de mí, a un 50 por ciento. Y con la NDT3, la de bailarines de más de 40 años, que por cierto ya no existe, aprendí aún más. Era como leer un libro buenísimo.

¿Por qué no sigue adelante esa compañía?
Cesó hace un par de años por razones financieras. Me enfadé mucho. Cerrándola, el NDT arrebató la esperanza a la gente joven. Era una muestra de lo que se es capaz por encima de los 40.
¿Le sorprende que otras compañías relevantes no hayan copiado esa fórmula suya?
En realidad, no, porque has de tener un coreógrafo interesado en hacer algo para esos bailarines. Necesitas un cerebro y un espíritu que les alimente. Para la NDT3 hicieron piezas John Neumaier, William Forsythe, Nacho Duato, Maurice Béjart, Robert Wilson… contentos de trabajar con artistas tan fantásticos.

El bailarín Mijail Baryshnikov tampoco siente la necesidad de retirarse de los escenarios de la danza. ¿No le ha apetecido trabajar con él?
Intento evitar a las grandes estrellas. Nureyev quiso trabajar conmigo, pero me negué. Una vez le escribí diciéndole que le adoraba y que prefería seguir pensando en él como le imaginaba y no como realmente era. No quería destruir la leyenda. Porque podía ser una persona terrible, catastrófica.

¿Y usted? ¿No se siente un mito?
Hay personas que me cuentan que algo así se ha creado a mi alrededor, pero no lo sé. Yo no me siento un mito. Soy bastante tímido, no me gusta ponerme bajo los focos.

Pero ¿qué me dice de esa energía exhibicionista suya?
¿Sabe?, tal vez pensará que estoy loco, pero una vez tuve una experiencia increíble: sentí que algo se había creado a través de mí, que yo no lo había creado.

¿Como si fuera un médium?
Sí. Imagínese: creé un dueto en un solo ensayo. La música iba a ser La pregunta sin respuesta, del compositor Charles Ives, pero no la habíamos oído todavía. “Vamos a hacerlo con la música”, dije, y bailarines y música acabaron a la vez… Rompimos todos a llorar. Fue un momento excepcional, muy poderoso. Y yo no tengo poderes psíquicos ni nada de eso.

Una de sus fluidas y suaves piezas que han pasado este nuevo siglo por el Liceu barcelonés fue One of a Kind, con música de Benjamin Britten o John Cage. Su fraseo gestual va ganando en independencia de la música…
La música es un arte primario. Pintar, también: uno coge un pincel y dice lo que tiene que decir. En cambio, la coreografía tiene ese estig-ma de ser un arte secundario, pues el coreógrafo reacciona a la música, o bien tiene un compositor que crea para él, que es muy distinto. A mí me gusta tomar música clásica de un periodo entre Gesualdo y Beethoven y dársela a un compositor que la des-compone y reconstruye: me encanta esa reminiscencia de tiempos pasados transportados al lenguaje actual, esa tensión entre clásica y contemporánea. Lo que no haré nunca más es decir en movimientos lo que ya estaba dicho en música.

¿Y qué hay de sus pasos a dos? Es un diálogo cada vez más abstracto que no se produce necesariamente con el otro. ¿Es su particular visión de la pareja?
Sí. Me encanta trabajar con dos personas juntas, son el alfa y omega de mi trabajo, porque creo que si sabes algo y no lo compartes con alguien, no tiene valor. Por eso siempre planteo este intercambio entre dos personas, que debe ser cercano, cálido. Por alguna razón hago piezas en las que ambos seres están en contacto, pero sus mentes están en otra parte. Supongo que es una progresión natural en la vida cuando, estando junto a otra persona, acumulas esas experiencias locas, esas dificultades. Es la imposibilidad de estar con alguien. Yo he pasado 36 años junto a una persona [la bailarina Sabine Kupferberg], pero siempre ha sido un ahora estamos, ahora no... Es imposible estar con alguien al cien por cien, ¿no cree? ¿Qué me dice de usted?
Me temo que tiene razón. Dígame, ¿qué puede esperar la danza de estos tiempos de crisis?
Los bailarines son idealistas, siempre sobreviven, no se verán afectados por la crisis. La crisis estimula la fantasía. En mi infancia, en Checoslovaquia, cuando el comunismo era muy duro, los artistas florecían.

Usted dejó Praga en el 68 mientras entraban los tanques soviéticos a sofocar la Primavera. Ya no podía volver. John Cranko le había invitado a unirse al Ballet de Stuttgart. ¿Cómo le influyó ese personaje?
Cranko era una suerte de renacentista, tenía vastos conocimientos, había recibido una educación. Recuerdo que estaba yo trabajando en el estudio y alguien hacía una película sobre él. Se acercaron, y ese hombre le preguntó: “¿Cree que Kylián se convertirá en otro Cranko?”. A lo que él respondió: “Espero que no, espero que se convierta en Kylián”. Le agradezco a Cranko su mentalidad abierta, su idea de que en la vida no se trata de copiar sino de ser original. Todos nos influimos unos a otros, es normal. Hay unos quince directores de danza por el mundo [entre ellos, Nacho Duato o Catherine Allard] que salieron de mi compañía. Están en Japón, España, Suecia… Claro que tendrán influencias mías, pero también de ellos mismos, porque lo que hicimos lo hicimos juntos.

¿Echa de menos una formación sobre el arte de la coreografía?
Cuando estudié durante un año en la escuela Royal Ballet de Londres, me acerqué un día a Ninette de Valois, que era el espíritu de la compañía y de la escuela y le dije: “Señora, disculpe, puedo preguntarle dónde puedo aprender el arte de la coreografía?” Y respondió… “Sólo tienes que mirar las obras maestras, eso es todo.” Pero creo que hay mucho más. Y no hay escuelas. Somos los mayores amateurs del mundo: no aprendimos cómo coreografiar ni a dirigir una compañía. Lo hicimos a base de errores. Y si quieres ser un buen director artístico, debes ser diplomado hasta en psicología y ginecología, y saber cuándo tienen el periodo las chicas. No sabes nada cuando empiezas. Yo sólo tenía 28 años cuando comencé con el NDT.

¿Le dejaron vía libre al menos?
Sí, sí. Los holandeses son muy lúcidos en eso, observan qué puedes hacer y te dejan hacerlo. Yo soy muy cosmopolita. Me gusta haber nacido en Praga, un lugar extraordinario, y luego tener esa mezcla de culturas, de filosofías, de razas e ideas… Pero, imagínese lo que es llevar tres compañías, coreografiar, preocuparme por el dinero… Tenía que dejarlo.

Usted estaba en el avión en el que murió Cranko, de repente, en 1973, de regreso de una gira por Estados Unidos. ¿Piensa en la muerte?
Pienso en ella desde que soy capaz de pensar. Es una compañera constante. Pero no es algo nostálgico, intento no ser nostálgico, nada de Muerte en Venecia, je, je. Pero como dijo Francis Bacon, nacemos sólo para morir, es lo único seguro. No puedo confiar en el Leman Brothers Bank, ni en el Santander… sólo en la muerte. Si fuera banquero, haría un banco llamado Muerte, porque es cien por cien segura.

Ya. Humor checo, supongo. El suicidio de una bailarina le provocó una grave depresión en 1987. ¿Qué aprendió?
Es un sentimiento de no querer vivir en tu cuerpo. Tuve experiencias extracorporales, me sentí flotando en el techo. Pero sobre todo me di cuenta de que nada es importante, nada. Por eso lo conviertes todo en extremadamente importante. Tienes un sentimiento único de libertad cuando le dices a un bailarín: “Haz este movimiento combinado con ese sentimiento y ese tipo de espiritualidad, y te mostraré que es totalmente sustituible, que no tiene por qué ser ese movimiento ni esa espiritualidad. Pero te pido que lo hagas y paso parte de mi vida pidiéndotelo, y tú pasas parte de tu vida haciéndolo, así que, por favor, hazlo increíble, conviértelo en lo más importante de tu vida. Y te mostraré que no es para nada importante”. ¿Lo comprende?

El último Beckett
Inspirado en el arte, la música y el cine, pero defensor de la danza como un arte en sí misma, Jirí Kylián (Praga, 1947) ha evolucionado hacia formas esenciales y abstractas. En Tar and Feathers, una creación del 2006 que el Nederlands Dans Theater (NDT) traerá esta semana al Gran Teatre del Liceu de Barcelona, y en la que el pianista Tomoko Mukaiyama improvisa sobre música de Mozart, hay un elemento extraordinario: la palabra. “Siempre prefiero que se expresen los bailarines a partir del movimiento –comenta Kylián–, pero esta es una excepción. Utilizo el último poema de Beckett, What is the Word (cuál es la palabra). El maestro de la palabra no encuentra la adecuada. Yo mismo, divertido, lo recito en la grabación.”

Sarabande, Sinfonietta, Symphony of Psalms, Petite Mort, Bella figura o One of a Kind son sólo algunas de sus célebres creaciones. Acróbata de niño, estudió en la Royal Ballet de Londres y coincidió en el Ballet de Stuttgart con William Forsythe y John Neumaier, a la sazón bailarines a las órdenes de Cranko. Refugiado en Alemania –once años sin poder regresar a Praga–, le reclamó pronto el NDT, que dirigió hasta 1999. Un encuentro de danzas aborígenes en Australia, en 1980, cambió su perspectiva. “Para esa gente bailar es un modo de vida. Cuando le pregunté a uno de ellos por qué era tan importante, dijo: ‘Porque mi padre me enseñó a mí y yo tengo que enseñar a mi hijo’. ¡Claro!”

Entrevista realizada el 15/03/2009 por Maricel Chavarría

Ritual performance de Mayte Bayón en Sa Taronja

2010-10-06T03:00:00.000-07:00

Mayte Bayón, improvisa pintando con pintura y luz fluorescente un mundo onírico desde el que emerge.

Música (en directo) de Hernan Livolsi, Ajaak Ebell y Paco Goya.
Sábado, 9 de octubre- 23:00 horas en Sa Taronja.

Web de la artista

Arboles viajeros

2010-10-05T23:38:00.000-07:00

Árboles viajeros, recoge aquellos trozos de madera que en su día fueron árboles y que terminaron mecidos por las olas del mar hasta acabar descansando en una playa o entre las rocas de un acantilado. Nadie sabe los lugares que han podido haber visitado, o para que han servido; desposeídos de sus características arbóreas.

Para que continúen su viaje ....

Leonora Carrington

2010-09-28T16:30:00.000-07:00

La exploradora de sueños

Autorretrato

Leonora Carrington, pintora y escritora (Lancashire, 1917) ha estado siempre dedicada a la actividad creadora tanto en el campo de las artes plásticas como en el de las letras. Su obra literaria se compone principalmente de relatos oníricos.

Adieu Amenhotep

Llegó a México, en 1942, y se reunió con los surrealistas europeos que vivían en en este país desde el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Excepto breves estancias en Nueva York, ha residido durante más de 50 años en México.

"No me gusta hablar de mi pintura o de la pintura en general porque es algo muy abstracto, muy subjetivo. No hay nada qué explicar. A mí me gusta leer novelas policíacas y me interesa mucho la física cuántica, del mundo subatómico y soy sumamente ignorante. Yo veía la televisión hasta que quitaron Discovery Channel, era el único que yo veía, por los animales. Mi corazón está con mis hijos y en México, he vivido aquí por más de sesenta años, de México me gusta mucho su comida y La Llorona. Ahora hago la lucha de vivir conmigo misma, que no es muy fácil".

De Dos surrealistas en México

El séptimo caballo y otros cuentos

García-Alix en el museo del Baluard

2010-09-22T13:11:00.000-07:00

Lo más cerca que estuve del paraíso

Serie de fotografías en blanco y negro realizadas en Formentera, Ibiza y Mallorca entre 1994 y 2010, y un diaporama de 200 imágenes con música de Daniel Melingo.

Dos hermanas, 2000
Fotografía en blanco y negro sobre papel baritado.

“Formentera... Qué hubiera sido de mí sin la isla... En ella he amado y me he perdido. En sus aguas flota el mar de mi conciencia... Locuras, vaivenes emocionales, afectos y amores... En esta roca del Mediterráneo, fui feliz como nunca y triste”, escribe Alberto-García-Alix respecto de la menor de las Pitiüses, una isla ligada a sus vacaciones –también lo están, aunque menos, Eivissa y Mallorca-. Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma exhibe por vez primera las fotografías realizadas en tres de las Illes Balears.

Nacido en León, en 1956, Alberto García-Alix viajó por primera vez a Eivissa en 1974, aunque los primeros negativos de la isla datan de 1981. Hasta 1989, no visitó Formentera, y desde entonces esta isla, como afirma el comisario de la exposición, Nicolás Combarro, “vuelve recurrentemente a su vida, y por tanto a su obra. Una sensación de libertad, un hedonismo que impregna las imágenes que llegan a nosotros a través del filtro de su mirada”. Las fotografías de García-Alix dan cuenta de las personas y lugares que han sido y son importantes en su vida. Y, como demuestra la exposición “Lo más cerca que estuve del paraíso”, las Illes Balears, con excepción de Menorca, se hallan en el itinerario autobiográfico de quien es Premio Nacional de Fotografía 1999. Aún así, no busquéis en ella la descripción esperada, ni geográfica, ni social, no en García-Alix. Lo importante es la mirada del fotógrafo, cómo detiene aquello que ve para retornarlo con muchos matices de gris, los no-colores de las tardes, de los anocheceres y de las noches. E importante es también su rechazo a la técnica digital, la afición por las cámaras de siempre y la pasión por el laboratorio en la búsqueda y dominio de una perfección técnica que contribuye a hacer tan extraños como cercanos a los personajes, paisajes y vivencias que retrata.

"En catalán existe una palabra que parece inventada para las fotografías de Alberto García-Alix. Horabaixa (atardecer, anochecer), hora baja, tiene el sentido de lo crepuscular, cuando el caer progresivo de la luz habla de la oscuridad que inevitablemente ha de llegar. El atardecer es la erosión del día como la muerte significa el definitivo desgaste de la vida, parafraseando a Borges. El atardecer es un periodo indefinido, sin hora para su comienzo ni para su fin, aunque aquí queremos que también sea una sensación. De hecho, hay una sensación de atardecer, especialmente en verano, cuando la luz va perdiendo fuerza, amortece muy poco a poco, la noche se demora, se impone un cálido silencio y todo parece teñirse de tonalidades grisáceas. Son las horas muertas.

Las fotografías de García-Alix nunca tienen la luz cegadora de la mañana. Una vez le oí contar que algunos amigos le habían dicho que ya era hora de cambiar de vida, ahora que no bebe y que las drogas han quedado más o menos lejanas. Le aconsejaban levantarse temprano y hacer más vida de día. Él tuvo pronta respuesta: sus fotografías están hechas de encuentros y él vive de la fotografía. ¿Qué o a quién puede encontrar hacia las diez de la mañana que logre interesarle? Las imágenes de García-Alix, la práctica totalidad de las que ha hecho a lo largo de una trayectoria que se remonta a más de treinta y cinco años, tienen el no-color de los anocheceres o se iluminan en la oscuridad de la noche. Especialmente las realizadas en las Illes Balears, una selección de las cuales se exhibe en Es Baluard después de haber disfrutado de un pequeño estreno, un aperitivo de García-Alix en Formentera, estas imágenes –decía– llevan impresas las sensaciones de los atardeceres, de los atardeceres de verano. Es la hora en que pueden retratarse Un hombre triste y Una mujer triste. El mejor momento para el baño.

Los días se hacen largos en Formentera, sobre todo los atardeceres con su anochecer, se alargan las siestas, se prolonga la hora del baño, hay tiempo para el sexo antes de que llegue la noche, tiempo para dejar que los últimos rayos de sol, sol de tarde, acaricien un cuerpo sólo vestido de sal de mar y polvo de los caminos. Hay tiempo para la lectura, para preparar una ensalada de payés para la cena, para darse un paseo en moto hasta el Cap de Barbaria. La tarde se hace larga hasta que se impone la noche y los cuerpos soleados transitan por los caminos.

Todo ello está en las fotografías de Alberto García-Alix. Historias y personas en las que el fotógrafo se retrata. También está presente la temporada que pasó en Algaida, el pueblo de Mallorca en el que todavía se recuerda la llegada, en 1994, de una pandilla de moteros. García-Alix dio título a la experiencia: Dormí con una virgen. Ya en Palma, hace pocos meses, el fotógrafo buscó a los amigos y, desde la seguridad de aquello que un día escribió, la seguridad de que al oír el clic de la cámara lo que era presente ya se ha convertido en pasado, regresó al bar conocido, El Flexas, para retratar de nuevo a Estrella, más de veinte años después. Las cuatro de la madrugada.

De Menorca no hay fotografías. «Allí no hallé perversión», me confesó el artista. En Llorando a aquella que creyó amarme, texto para una exposición de 2002, García- Alix escribe: «Por eso, es inevitable encontrar en mis fotografías un itinerario autobiográfico. Está, pero no es más que polvo visible del camino. Polvo que se pega a mis fotografías. No es importante.» Las Illes Balears, con la excepción de Menorca, se hallan en ese itinerario autobiográfico del fotógrafo. Pero no busquéis la descripción esperada, ni geográfica, ni social, no en García-Alix. Se trata de lugares, personas, actitudes, vegetaciones o paisajes, retratos hechos en las islas que podrían ser de cualquier otro lugar, aunque tratados en particular. Lo importante es la mirada del fotógrafo, cómo detiene aquello que ve y que seguramente sólo él ve, para devolvérnoslo tintado en muchos matices de gris, los no-colores de los atardeceres, de los anocheceres y de la noche. Importante es también su desdeño por lo digital, su esmero en la perfección técnica, su apego a las cámaras de siempre y su pasión por el laboratorio. E importantes, tanto o más aún, son sus lecturas, su poesía y su ética. Eso marca mucho, lo marca todo.

Sensaciones múltiples y diversas se desprenden de la serie de fotografías que hoy presentamos, muchas de ellas inéditas. Ante esas imágenes, que nunca dejan que seamos sólo espectadores, nos hallamos yendo y viniendo de la placidez del estío al misterio que es inherente a García-Alix, sin dejar de sentirnos algo cándidos, algo perversos y algo desnudos también. Todos conocemos o deberíamos conocer el placer que proporcionan las horas muertas. Entre tanto, el fotógrafo sigue interrogando".

“Las Horas Muertas”. Texto de Cristina Ros, incluido en el catálogo de la exposición

Museo del Baluard
10 septiembre 2010 - 09 enero 2011
Plaça Porta Santa Catalina, 10, Palma de Mallorca.

Sombra, el obstáculo de la luz

2010-08-01T05:06:00.000-07:00

Las sombras son lo real

Shigeo Fukuda

La luz es la clase de energía electromagnética radiante que puede ser percibida por el ojo humano. Una sombra es una zona de oscuridad donde la luz es obstaculizada. Muchos artistas han jugado con esta combinación creando ilusiones ópticas u obras que iluminados de una determinada forma proyectan sombras que descubren que el arte está, precisamente, en el obstáculo de la luz.

Shigeo Fukuda (Tokio, 1932-2009) escultor, diseñador y mago de las ilusiones ópticas. Sus trabajos juegan con este concepto. Muchas de sus esculturas son amasijos informes de objetos que sólo se revelan cuando entran en contacto con la luz y proyectan su sombra.

Shigeo Fukuda aux journées Savignac de Trouville

Shigeo Fukuda aux journées Savignac de Trouville
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Kumi Yamashita (Japón, 1968)manipula la luz para crear sombras de formas sorprendentes que parecen surgir de la nada.

Tim Noble (Stroud, 1966) y Sue Webster (Leicester, 1967)son una pareja de artistas británicos que emplean basura y chatarra para crear sus siluetas.

Photo Palma 2010

2010-06-18T02:27:00.000-07:00

A partir de las 20 horas, 15 espacios inauguran Photo Palma, una muestra que reúne trabajos de fotógrafos nacionales e internacionales.

Graciela Iturbide en el Casal Solleric y Es Baluard.

En el Casal Solleric podrá verse una selección de obras de esta fotógrafa mejicana, que ha sido Premio Photo España 2010 a lo mejor trayectoria.
Y en el marco de los actos de Palma Photo, Es Baluard organizará una serie de actividades con la Graciela Iturbide, que impartirá un taller dirigido a profesionales de la fotografía (19 a 23 de junio), y dará una conferencia abierta a todo el público (22 de junio).

Shots en Altair, una exposición que reúne obras de Chema Madoz, Cindy Sherman, Juan Muñoz, Robert Rauschenberg, Vic Múñiz o Miguel Río Branco.

Chema Madoz

Cindy Sherman 'Nipple with diamond'

Aba Art expone POSTCARDS de Juan Antonio García, una apacible mirada a los orígenes de la fotografía provocando en el espectador un tiempo de pausa y de reflexión. Este viaje al pasado del medio fotográfico es un homenaje a los numerosos fotógrafos anónimos que durante el s.XIX produjeron imágenes de gran belleza y sutileza en concepto y en forma. Fotografía-Pintura-Fotografía. En POSTCARDS la fotografía actúa en la obra creando una tensión y la pintura traza sobre ella una nueva historia.

Adriana Duque en la Horrach Moyà con sus niños sacados de los cuentos infantiles en los que hay un algo inquietante. Obras en el umbral de lo onírico.

Pelaires presentará una colectiva que tiene como eje temático a la urbe de Los Ángeles. Obras de Justin Beal, Walead Beshty, Drew Heitzler, Nancy de Holl o John Williams.

Joanna Kunstmann muestra los objetos cotidianos de las casas chinas de Robert Van Der Hilst.

Robert van der Hilst (Amsterdam, 1940) se adentró en los interiores de las viviendas captando en sus fotografías la esencia de la vida privada china. Lo más característico de estas imágenes del artista son los grupos de objetos. De este modo desaparece el interior realista, que dará paso a un espacio imaginario propio. Éste no determina un lugar ni refleja una realidad, si no que proporciona una definición lúcida de los espacios. Las imágenes, cargadas de un profundo sentido estético, muestran objetos cotidianos tales como enseres de cocina, trapos, cepillos o fotografías,

"Puedo decir una cosa: yo busco el silencio total en mis fotografías, inmovilidad, cuando nada se mueve todo está sereno y calmo. Especialmente ahora después de trabajar durante varios años en "interiores", mis imágenes son muy compuestas como si fueran organizadas. Uso las personas como mis "actores", su medio se transforma en un teatro, yo trato de cruzar el umbral de sus yoes íntimos. En la serie "Interiores cubanos" y ahora en "Interiores chinos" intento fotografiar no sólo el interior de una habitación si no que y en primer lugar el interior del habitante".

Van der Hilst

Xavier Fiol expone creaciones de Paul McDonough y Peter Kayafas.

Ferran Cano exhibe fotografías de Lincoln Schatz.

La galería Maior inaugura la muestra 'Ir y volver' de Naia del Castillo.

Otros espacios son la Capella de la Misericòrdia, la Estació Intermodal, ´la Miró´ o la Guaita

Kyungwoo Chun Thousands and Other Works

2010-06-15T15:45:00.000-07:00

Thousands, Untitled (Family Portrait) y Greetings EN SKL Gallery

Kyungwoo Chun(Seul en 1969)es conocido por sus poéticos retratos fotográficos desenfocados y por su acercamiento poco convencional a los conceptos de tiempo y espacio.

99 circles

Los proyectos Thousands, Untitled (Family Portrait) y Greetings, son dos proyectos de fotografía y una performance, que llaman a la reflexión sobre el tiempo físico y el efecto del mismo sobre el comportamiento de las personas.
A través de la fotografía Chun nos habla de como el tiempo influye en nuestras actitudes. Mediante una larga exposición fotográfica el artista consigue que una relación interpersonal fluya entre él y la persona fotografiada. La variante temporal es la clave que lo hace posible.
En sus fotografías quedan al descubierto, sin que haya un consentimiento explícito, los aspectos más íntimos de las personas, consiguiendo con un sencillo recurso, un resultado extremadamente espiritual.
“Me interesa ver cómo la gente se influye entre sí y cómo cada persona cambia de cara. Nunca sabemos lo que realmente está ocurriendo y nos encontramos a nosotros mismos sólo a través del reflejo del otro y en el ‘ahora’. el ‘ahora’ esta siempre en proceso de construcción”, afirma el artista.

'Thousands '(Chun) es un gran proyecto multidisciplinar para adentrarse en la narrativa histórica, las sagas familiares, la construcción de la identidad y, desde una perspectiva poética, la idea de la transferencia del alma.
La iniciativa surge del propio apellido del autor, Chun, poco común en Corea, cuyo origen chino y su historia legendaria obsesionó al autor desde la infancia. Chun Man Ri (Quian Wan Li, en su pronunciación china) fue un famoso general chino de la dinastía Ming que llegó a Corea en 1592 para apoyar a la dinastía coreana Joseon y el primero en tener el sobrenombre de Chun. Un apelativo, que significa literalmente "miles", y que le fue dado por su madre que soñó que su hijo partía a otro país. Tradicionalmente tanto chinos como coreanos consideran que el nombre de una persona determina su destino. Es un misterio sin resolver porque el general decidió quedarse en Corea a pesar de la gloria y los honores que el esperaban en China.
406 años más tarde, a partir de esta fascinación y del deseo de adentrarse en aquellos elementos sobre los que se construye la identidad y se modifica en un mundo cada vez más abierto, móvil y flexible, Kyungwoo Chun decidió trabajar con miles de personas que comparten su apellido, y que viven en tres pueblos cerca de Zhegzhou en China.
El proyecto incluye el retrato de mil individuos apellidados Chun titulado "One Thousand Faces of Thousands" (Mil caras de Miles); una reconstrucción recreada artísticamente de la vida del general Chun Man Li

Inauguración jueves 17 de junio a las 20:30 h.
A las 21:00 h., el artista realizará la performance Greetings de 20 minutos de duración.La exposiicón se podrá visitar hasta el 23 de julio de 2010
Kyungwoo Chun

Virginia Patrone Rojo Kabuki

2010-05-01T03:03:00.000-07:00

Exposición de pinturas en Espacio Infame de Poblenou.
Inauguración el miércoles 5 de mayo a las 19:30h,

El color rojo en el Teatro Kabuki

La conexión entre las nuevas pinturas de Virginia Patrone y el teatro Kabuki es íntima, compleja y personal y va más allá que la simple reproducción de las características y colores. El vículo entre las pinturas Patrone y la tradición del teatro Kabuki es el color rojo, tanto en su forma figurativa como conceptual.

Como afirma Patrone, "el color rojo ha sido siempre asociado con la pasión, la agresión, el peligro, el pecado, el mal humor. En el teatro Kabuki, el color rojo tiene una connotación muy distinta como lo es aquí asociado con actitudes positivas, comportamientos y caracterizaciones. Los actores que llevan el juego de colores rojo son los personajes buenos, mientras que los que visten trajes azules son la gente mala de las historias de Kabuki".

Patrone reconoce su visión y las sensaciones que percibe del color rojo de la misma manera como se entiende en el teatro tradicional Kabuki. Además el bermellón y el carmín, ahora hay un nuevo color rojo que habitan en las pinturas de Patrone, un color rojo lleno de positividad y perfección física, el Rojo Kabuki.

Fragmento traducido de la entrevista Rojo Kabuki, Patrone’s Personal Vision of the Color Red

Virginia Patrone, Espacio Infame, Joncar 19.
Puen verse más obras de esta pintora en su blog

Suso33 en la galería SKL

2010-04-15T15:14:00.000-07:00

Exposición Movimientos

Movimientos, es una exposición de pintura sobre lienzo y papel, quiere sintetizar las obras realizadas hasta el momento, haciendo hincapié en la misma acción de pintar, focalizando la atención en la importancia del acto creativo.

A veces las palabras no me dejan ver, es una performance inédita, en la que el artista realizará una acción pictórica en la galería en la cual plantea cuestionar la casi obligada situación en el panorama actual de verse forzado a generar un discurso, por medio de palabras, y la posición que ocupa este respecto a la obra o a una obra que transmite tanto por si misma como sus acciones, performance, happenings o la misma “Pintura Escénica en Acción”.
La acción durará alrededor de 20 minutos.

Del documental Aerosol

Suso33 es un artista multidisciplinar (video artista, performer y escenógrafo) que comenzó pintando graffiti. Sus creaciones han traspasado los límites de la calle y han sido expuestas en lugares como La Casa Encendida, Madrid Edición, Caixa Forum, ARTIUM, MNCARS,DA2, Thyssen-Bornemisza, Instituto del Arte de Sarajevo, Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Bucarest, Instituto Cervantes de Madrid, Pekín, Shangai…

Precursor del graffiti iconográfico y de la experimentación con el lenguaje en dicha disciplina, así como pionero del street art en Madrid y mayor exponente del livepainting en España, actualmente desarrolla un proyecto artístico personal llamado “Pintura Escénica en Acción”, en el que conjuga recursos provenientes de las artes escénicas, la pintura y el audiovisual, en una especie de performance global en la que se suelen plantear diversos aspectos conceptuales de la comunicación, el arte, la palabra y la imagen.

Web de SUSO33

Suso33 Movimientos (17 ABRIL – 11 JUNIO, 2010)
Galería SKL, Costa Santa Creu 8 (Palma de Mallorca)

Un coup de livres, Una tirada de libros

2010-03-10T02:42:00.000-08:00

El libro como obra de arte, exposición en el Museo Fundación Juan March de Palma

Stéphane Mallarmé, Un coup de dés jamais n’abolira le hasard.
Poèm (Detalle: portada).
París: Gallimard, 1914. © Bettina Brach

La elección del título Un coup de livres ("Una tirada de libros") para esta exposición es un homenaje a Stéphane Mallarmé (1842-1898) y a su libro -obra cumbre- Un coup de dés jamais n'abolira le hasard ("Una tirada de dados jamás abolirá el azar"). Escrito en 1897, poco antes de su muerte, fue publicado en París el mismo año en la revista Cosmopolis. Pero hubo que esperar hasta 1914 para que fuera publicado por la NRF (Nouvelle Revue Française) bajo la forma que conocemos hoy. Mallarmé concibió un libro -"el" libro-, en el que el espacio poético y el visual fueran indisociables.
Nos encontramos aquí con el punto central del tema que nos concierne, es decir, el libro en su sentido más estricto; no como un receptáculo para un texto cualquiera o para una selección de imágenes, o para ambas cosas, sino como espacio de pleno derecho. En la brecha abierta en el seno del mundo artístico por los artistas de los movimientos de vanguardia de los años 60, publicaciones de todo tipo jugarían un papel preponderante tanto en la creación artística como en la difusión de ideas y de obras. Del panfleto al múltiple, la edición iba a permitir a los autores de obras o de acciones a menudo efímeras y aún mal definidas por los historiadores del arte, dejar su huella en la historia del arte.
Los happenings, performances, conciertos, películas, instalaciones, envíos postales, revistas de artistas y discos iban a revolucionar el sistema artístico de la época.
Algunos artistas que querían escapar del mercado del arte y de sus estructuras tradicionales empezaron a organizar sus propias manifestaciones y a establecer una red de comunicación así como lugares en los que presentar sus proyectos multiformes.
En esta nueva configuración nace y tiene un particular desarrollo el "libro de artista". El libro deja de ser el continente de informaciones, dibujos, reproducciones, fotos. El artista plástico ya no es un ilustrador de libros, ya no comparte el libro con un autor poeta o escritor. Se convierte en el creador por completo del libro. El libro se convierte en una obra de arte, del mismo modo que una escultura, una pintura o un grabado.
Con su aparición en el contexto ideológico de los años 60, las publicaciones de artistas serán el producto democrático por excelencia. Gracias a su forma simple y a su precio módico, el artista pensaba que podría no sólo conquistar un mercado, sino sobre todo dar al mayor número de personas la ocasión de enfrentarse y familiarizarse con el arte contemporáneo.
En la producción global de los "libros de artista" se reflejan todas las tendencias y estilos artísticos desarrollados desde el final de los años 50. Y toda la riqueza de la creación contemporánea puede encontrarse en la inmensa biblioteca-museo que nació en aquella época. Los artistas crean sus libros, a menudo los editan ellos mismos, otros se convierten incluso en editores y publican las obras de sus amigos. Algunos llegan a establecerse como libreros o crean lugares de difusión. De esta manera, gracias a este objeto fácil de hacer circular por medio del correo, se constituye una red internacional de comunicación y de intercambio.
Tanto el aspecto interior como el contenido conceptual de los "libros de artista" son de una gran multiplicidad, tanta como formas ha tomado el arte contemporáneo. El libro ha servido de soporte de las ideas para los conceptuales, de espacio plástico para los minimalistas y para algunos pintores y escultores, también de espacio de narración para otros. Pero ha sido igualmente lugar de predilección para los poetas visuales así como para toda clase de manipuladores de la página y de la escritura.
El "libro de artista" apenas se distingue de otros libros. Estamos bien lejos del objeto bibliófilo de lujo, porque el lujo no es su marca y su valor reside en su contenido. El "libro de artista" es generalmente de formato medio, de aspecto tradicional y los papeles y los tipos de impresión no tienen nada de extravagante. No obstante, estas obras se convertirán innegablemente en descubrimientos para el lector. Ya no se contarán historias, sino que se desarrollará una obra de arte en el espacio y el tiempo.
El libro se convierte en una obra original, más que en objeto de una exposición efímera del que después sólo quedarán reproducciones.

Extracto de la Introducción de Guy Schraenen, en el catálogo

Andy Warhol, Andy Warhol’s Index
(Detalle: libro con elementos pop-up).
Nueva York: Random House, 1976.

Esta exposición presenta una selección de "obras"–en su mayoría libros, por supuesto, pero también múltiples, revistas y piezas audiovisuales– de 24 artistas de los años 60 y 70 del siglo XX. Los préstamos proceden de los fondos del Archive for Small Press & Communication (ASPC) del Weserburg Museum de Bremen, el primer museo del mundo que ha dedicado una sección autónoma a los libros de artista y ha iniciado un centro de investigación especializado, con una colección de publicaciones de artista de los años 60 y 70 que representa el trabajo de cientos de artistas de más de veinticinco países, con más de 35.000 publicaciones y documentos que componen un panorama de todas las corrientes artísticas importantes desde los años 60: el Arte Conceptual, Fluxus, el Land Art, el Minimalismo o el Pop Art. Guy Schraenen, su creador, ha sido el curador invitado para esta exposición. Editor, ensayista, cineasta y comisario de exposiciones, Guy Schraenen fue fundador del grupo Cela (1957-62), de la galería Kontakt (1965-78) y de la editorial Guy Schraenen éditeur (1973).

Un coup de livres, Museo Fundación Juan March de Palma. Sant Miquel,11.
Horario de visita
De lunes a viernes:10-18,30 h.
Sábados: 10,30 -14 h.
Domingos y festivos: cerrado

La artista sumergida Mayte Bayón

2010-02-20T10:54:00.000-08:00

La gran diosa serpiente Uadjit, guardiana del reino de los muertos, era símbolo de renovación y de sabiduría en el Antiguo Egipto.

Mayte Bayón sumergida en el submundo con la serpiente decidió emerger para decir sus peroratas.

El violinista Alfredo Ardanaz

Performance Peroratas de Mayte Bayón diciembre de 2009 en el Teatre Xesc Forteza (Palma de Mallorca) en el XXX Encontre Internacional de Compositors. La música es de Antoni Caimari, colabora el violinista Alfredo Ardanaz

Vivian Maier, una fotógrafa callejera

2010-02-10T02:18:00.000-08:00

Un tesoro de instantes ocultos en un cajón

Imagine que usted compra muebles en una subasta y dentro descubre más de 40.000 negativos fotográficos, un tesoro de instantes detenidos ocultos en un cajón. Pues esto le sucedió a John Maloof cuando revisó los artículos que había adquirido y se encontró con una inmensa colección cuidadosamente ordenada y repartida en sobres que llevaban el nombre de Vivian Maier.
Las imágenes mostraban instantáneas de la ciudad de Chicago, en las que se veían edificios, calles, escenas urbanas y, sobre todo, personas. Aparecían músicos callejeros, trabajadores en un momento de descanso, transeúntes pillados in fraganti que esperaban un semáforo para cruzar la calle o niños callejeros durmiendo sobre unas cajas en la vía pública.

Maloof comenzó a investigar sobre la autora de las fotos y en la casa de subastas le informaron que se trataba de una mujer muy mayor que, además, estaba gravemente enferma y decidió no molestarla. Contactó también con un establecimiento de artículos fotográficos de Chicago, la Central Camera Co, una tienda donde ella solía comprar el material de sus trabajos. Allí le contaron que era una mujer bastante reservada que había llegado a Nueva York, procedente de Francia como refugiada, en los años 50 y que, posteriormente, se había trasladado a vivir a Chicago.
El 21 de abril de 2009, Maloof se encontró con su nombre en el obituario del Chicago Tribune: Vivian Maier, nacida el 1 de febrero de 1926. Decidido a averiguar quien la había puesto, se traslado a la dirección que aparecía en la esquela y se encontró con que no existía.

Las fotografías de Maier captan numerosas escenas de la vida de Chicago entre los años 1950 y 1970 y también instantáneas de la ciudad de Nueva York, donde probablemente residió a su llegada. Además existen unos 15.000 negativos aún en rollos sin revelar desde los años 60.

Maloof ha creado un blog dedicado Vivian Maier, una fotógrafa de la calle de los años 1950 – 1990, nacida 1 de febrero de 1926 y fallecida el 21 de Abril de 2009.

Ana Mendieta

2010-02-04T15:06:00.000-08:00

earth art

"Mi arte es la forma en que restablezco los lazos que me unen al universo. Es un regreso a la fuente materna. Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza en una extensión de mi propio cuerpo. Este acto obsesivo de reafirmar mis lazos con la tierra es en realidad una reactivación de creencias primigenias, una fuerza femenina omnipresente, la imagen posterior de estar encerrada en el útero, es una manifestación de mi sed de ser"
Ana Mendieta (1948—1985)

La naturaleza, la sangre y el sexo fueron las tres obsesiones de la artista cubana Ana Mendieta hasta su muerte.

Así la definió, de «gran desconocida», la comisaria de la exposición, Gloria Moure, que fue incluso más allá al decir que la figura de Ana Mendieta es todavía «un punto oscuro en la historia del arte». Y lo es no sólo por el escaso análisis e investigación que ha suscitado su trabajo, sino también por su propia vida y por su muerte. Su arte es duro, salpicado de apuntes necrófilos si no se mira con profundidad. Gloria Moure destacó en la presentación de la retrospectiva el carácter fetichista del arte de la cubana, y su intento de recrear «la poética antigua con reclamos nuevos», hermanando inquietudes primitivamente animistas con formas de expresión actuales, incluso violentamente rompedoras.
Decía la propia Ana Mendieta que su obsesión por la tierra tiene que ver con su desapego apátrida de exiliada (sale de Cuba a los Estados Unidos en su adolescencia). También de su origen caribeño puede provenir ese sentido profundo del paisaje como jeroglífico donde buscar los trazos intuitivos en los que a la tierra se le ocurre concebir al hombre: Mendieta busca manchas de apariencia humana en la naturaleza, y cuando no las encuentra las perfila ella misma y las fotografía. En uno de sus vídeos, la artista cubana juega a desenterrarse literalmente de un prado en principio nada sospechoso de contenerla. En una de las diapositivas presentes en la exposición, su cuerpo desnudo se adivina en una fosa cubierto de flores blancas.
Hay mucho sexo en la obra de la cubana, sexo desarraigado del varón, en un regreso feroz a la identificación mujer/naturaleza de las culturas primitivas. Las hojas que descuelga Mendieta de los árboles son sexos de mujer, y las matas de hierba que emergen ovoidales de un riachuelo poco profundo son vello púbico. Todo eso lo busca y lo fotografía, lo reúne para hacer su colección de sexos, el catálogo vaginal del mundo, el bestiario matricial que contesta a la pregunta original: de dónde venimos.
En su arte más tardío Ana Mendieta descubre la sangre, lo cruento aplicado al yo, y fotografía su propia cabeza ensangrentada, su cuerpo desnudo y bañado en rojo sobre el mármol de una cocina. Un exégeta obvio escribiría que en estas «performances» la artista intuía su propia y violenta muerte, ocurrida en circunstancias aún no aclaradas a mediados de los años 80. Críticos más sagaces han encontrado en estas formas de expresión una consecuencia natural de su trayectoria precedente. De la mujer/naturaleza ha pasado Mendieta a la mujer/sangre, donde la naturaleza menstrúa y concibe, donde la sangre fluye a veces hacia la muerte y a veces hacia la vida.

Extracto de Aníbal Malvar sobre la exposición Naturaleza, sangre y sexo

Massimo Vitali fotógrafo de muchedumbres

2010-02-02T03:36:00.000-08:00

Vitali en la Galería Maior

serie dedicada al Festival de Música de Benicàssim

Vitali retrata a las muchedumbres de la era moderna, los escenarios del turismo masificado y la extraña soledad de los lugares de esparcimiento colectivo: piscinas de hotel, pic-nics multitudinarios, playas atestadas, discotecas o pistas de esquí. Decenas de sucesos detenidos plagan su visión, situaciones sin drama pero repletas de detalles sugerentes. Su método de trabajo así como el formato escogido –tamaño, luz, montaje- son también claves en su quehacer artístico. Vitali suele fotografiar con una cámara de placas de gran formato y hace construir plataformas de varios metros de altura, desde donde espera durante horas el momento justo para disparar.

La serie fotográfica dedicada al Festival Internacional de Música de Benicàssim en 2007 surgió por encargo del MUSAC de León, en cooperación con el Festival. En esta serie el artista italiano busca captar, con un afán de tipo sociológico, el intento de las masas de refugiarse de la rutina diaria. Desde el punto de vista que le permite su posición elevada, Vitali observa distante la escena y, como un voyeur privilegiado, se convierte en testigo de los rituales de la cultura del ocio. Sus multitudes fotografiadas a vista de pájaro suscitan reflexiones acerca del uso estandarizado del tiempo libre, la degradación del medio ambiente o las implicaciones que revisten el concepto moderno de “vacaciones”.

Massimo Vitali (Como, Italia, 1944). Es una de las figuras más destacadas de la fotografía contemporánea actual. Tras estudiar en el London College of Printing, trabajó como fotoperiodista para publicaciones y agencias de toda Europa y, luego, como director de fotografía en películas y anuncios. A principios de los años 90, comienza a desarrollar su trayectoria más artística e inicia su serie consagrada a las masas de gente en playas o espacios abiertos, que le han dado celebridad internacional.

Galería Maior – Can Sales, 10 (Palma)
Inauguración: 5 de febrero de 2010, 20 h. Hasta el 2 de abril

Olimpia Velasco en SKLgallery

2010-02-02T00:50:00.000-08:00

Si cierro los ojos

mujer araña

En el instante que cierro los ojos, la línea
que separa el mundo real del imaginario se pierde,
no me hace falta mucha concentración para
cambiar de registro, a veces mi mundo
imaginario es mi mundo real y viceversa.
Agradezco la existencia de los otros mundos
pues a medida que se van creando pierdo el
interés por éste.

nudo

Esta muestra recoge su trabajo de los dos últimos años donde a través de diferentes técnicas, la artista, ha ido creando historias que tienen que ver, según afirma, con éste y otros mundos. Pintura con líneas “que cuentan vidas, que las recorren, que se unen con otras líneas; líneas que son rutinas e ilusiones, líneas como madejas, enredadas, líneas que siempre están aunque no se vean, líneas que te cosen, que te atormentan. Recorridos y líneas recorridas que suceden a otras líneas, las pisan, te pisan....”, dibujos bordados y un vídeo que han sido concebidos desde la guarida de “la Mujer Araña”; una pieza “You love You” (compuesta por cuatro fotografías) que hace homenaje a la mujer; la instalación “Goteo” (una obra formada por 200 pezones de cristal donde la estructura de hierro y las gotas rojas del interior quedan expuestas a nuestras miradas), así como el proyecto “Inside the red box” que, recientemente hemos podido ver en la sección Stage de Estampa 2009, ha sido seleccionado para participar en la Muestra de Grafica Contemporánea (comisariada por Estampa) en el recién inaugurado Centro de Arte y Creación Joven "La Caja Blanca" de Málaga.

hilos rojos

Líneas,
líneas que cuentan vidas
que las recorren, que se unen con otras líneas
líneas que son rutinas e ilusiones
líneas como madejas, enredadas
líneas que siempre están aunque no se vean
líneas que te cosen, que te atormentan.
Recorridos
y líneas recorridas que suceden a otras líneas,
las pisan, te pisan.
Puntos,
donde empiezan las líneas
revolución de puntos
ciudades y planetas hechos de puntos
que terminan otra vez en líneas.
Corazón,
lleno de líneas
corazón con líneas negras
y latidos sobre líneas difuntas.
Líneas rojas,
mujer roja, baile rojo, vestido de hilo rojo
y garganta roja de tanto gritar
Sueño
lineal, alado y blanco
girar elevado sobre las líneas
despertar frío entre líneas
atada y siguiendo el hilo.

Olimpia Velasco (Madrid, 1970), “Si cierro los ojos” en SKLgallery, Costa Santa Creu 8 (Palma de Mallorca).del 5 febrero-9 abril, 2010.

Delhy Tejero

2010-01-19T13:06:00.000-08:00

“Las maletas no se enfrían nunca para mí. Parece que en mi destino tengo siempre un equipaje a punto para escapar…”

Delhy Tejero en el año 1938 en París

Una artista que no se reconocía en ninguna corriente estética, que investigaba, buceaba en el surrealismo, en la abstracción o en el realismo.

La pintora errante

"...En 1925, una jovencita Adela Tejero logra el permiso paterno y se traslada a Madrid. Las enseñanzas academicistas le inspiran terror: “Toda la vida estuvo contra mí la Escuela de San Fernando con un profesorado anticuado” –se refiere a Romero de Torres, Blanco Coris o Moreno Carbonero–. Acabada su formación, consigue una beca para ampliar estudios de pintura mural. Entra en la residencia de señoritas de María Maeztu, vinculada a la Residencia de Estudiantes. Las turbulencias políticas obligaban a las pupilas de la señora Maeztu a esconderse cuando cambiaba el Gobierno. La residencia repartía a las chicas por casas particulares, y a Delhy le tocaba habitualmente en casa de don Ramón del Valle-Inclán. Con su amiga Josefina Carabias ofrece sus dibujos a periódicos y revistas, y decora algunos establecimientos madrileños en un ostentoso estilo art déco, como, por ejemplo, la perfumería que tenían los padres de Rosario Nadal, la primera mujer de Cela, en los bajos del Palacio de la Música de la Gran Vía de Madrid.
En 1931 consigue la cátedra de Pintura Mural de la Escuela de Artes y Oficios, en Madrid. En uno de los rascacielos de la Gran Vía madrileña, el edificio de La Prensa, en la plaza del Callao, Delhy consigue un estudio propio (lo conservaría hasta su muerte, en 1968) y pinta los techos del cine instalado en los bajos del inmueble. Con dinero y amores, la artista decide pasar un verano africano. Es el año 1936. El 18 de julio emprende viaje de regreso a España desde Tetuán, donde las autoridades le indican que no puede volver a España porque ha estallado una revuelta militar. Escribe en su diario una frase absurda: “Qué lata, 400 kilómetros para nada”. Sola y sin dinero, pasa cerca de dos meses en Fez, hasta que a mediados de septiembre consigue volver a España desde Casablanca, por Lisboa, hasta Salamanca, donde, paradojas de su vida, la detienen por espía. Delhy Tejero, morena, guapa, libre y siempre solitaria, vestía de forma extravagante –ella misma se diseñaba los vestidos–, fumaba en boquilla, llevaba las uñas pintadas de un rabioso color azul marino y su aspecto era llamativo. Una mujer como ella, sola, en la plaza Mayor de Salamanca, la capital de un victorioso general Franco, un hervidero de militares y falangistas, a la fuerza había de despertar atención y comentarios. Mientras espera pacientemente la salida del coche de línea para Toro, se le acercan dos hombres de la policía secreta y le dicen que les acompañe discretamente y sin resistencia al Gobierno Civil. Cuando Delhy muestra su documentación, todo se vuelve más complicado. Procede de Casablanca. En su pasaporte consta que ha salido de Madrid y vuelve por Marruecos. Los militares no se creen que sea una señorita de Toro y la ponen a prueba: “¿Conoce usted a Jerónimo X…?”. “Sí, señor”, responde ella, “es tratante de cerdos y vive enfrente de mi casa de Toro”. Prueba superada. El gobernador civil es quien se encarga de llevarla en su coche hasta Toro.
Delhy se encuentra con los amigos de la juventud (Suevos, García Viñolas...) instalados en el nuevo régimen, mientras ella no puede volver a Madrid, ni a su estudio ni a su cátedra dotada por la República. Gracias a un amigo, le ofrecen un trabajo en Salamanca, posiblemente en la universidad, pero no soporta el clima franquista y se vuelve a Toro, donde trabaja como profesora de dibujo y le encargan la decoración del hotel Condestable, en Zamora. Pilar Primo de Rivera le pide que decore el castillo de la Mota. Se niega. “Tenía una especie de aversión instintiva al franquismo, aunque ella no era en absoluto roja; sólo republicana, que era en lo que se había formado. Pensaba que aquella guerra iba a durar poco y no se quería involucrar. Tenía la rebeldía del artista. Podría haber sido la Ávalos (el escultor que hizo el Valle de los Caídos) del régimen”, asegura su sobrina María Dolores Vila.
Cuando cobra el mural del condestable, pide permiso a la autoridad para viajar a Italia. Llega hasta Florencia, y allí trabaja y estudia la pintura mural. Pero aquel ambiente le parece provinciano. Ve de nuevo uniformes, camisas negras, y no lo soporta. Odia la Italia fascista. Errante otra vez, viaja a Nápoles, y a Capri. “Tengo que irme de los sitios para echarlos de menos”, escribe. Duda entre instalarse en América o en Francia. Opta finalmente por París.
Es el año de la Exposición Universal. Delhy se acerca a visitar el pabellón español –“me encontré con los artistas, hablé con ellos de nada, lo vi bien y estuve sufriendo por la pobre España”– y se presenta a Picasso (más de una vez lo recuerda en sus cuadernos y se lamenta de no haber fomentado su amistad). En la capital francesa toma contacto con lo que ella llama “los artistas de la miseria”, “los mediocres de San Fernando”. Y escribe: “Distingo con sólo verlos a los que son de derechas”. Se mueve entre exiliados y traba amistad con la pintora Remedios Varó y con Óscar Domínguez, quien la introduce en el surrealismo. Delhy Tejero se encuentra a gusto en París, con los ojos abiertos a las nuevas corrientes pictóricas. Participa en la gran exposición surrealista que organiza André Breton en febrero de 1938.
Vende algunas pinturas y retratos, y sobrevive con dificultad. Echa de menos a su familia y se refugia en su nuevo amor, un pintor italiano, Bianchi, quien la introduce en la Escuela Teosófica. Delhy reniega del surrealismo, borra sus huellas y su pintura se llena de motivos religiosos. En París se escuchan rumores de guerra. Los alemanes están a punto de pactar con el Gobierno de Vichy. Algunos amigos aconsejan a Delhy que se vaya de allí: “Con su aspecto de semita, se la llevarán enseguida...”, le advierten. Regresa a España, de donde ya no saldrá, el 28 de agosto de 1938.
La frescura de París se marchita en cuanto la pintora pone un pie en la ciudad zamorana de Toro. Se da de bruces con la realidad: compañeros muertos, en el exilio o instalados en el régimen franquista, y “Delhy no era ninguna heroína, sólo una exiliada moral, aunque sin convicciones políticas”. Regresa a Madrid y se encuentra con un expediente por haber abandonado sin permiso sus clases en la Escuela de Artes y Oficios. Los cuadernines en los que escribía sus pensamientos más íntimos se llenan en esa época de anotaciones desesperadas: “Desde pequeñita he sido vieja… Recuerdo estar triste y atormentada porque era vieja”.
Poco a poco, retoma su actividad y los encargos se suceden. Pinta iglesias (retablo de la iglesia del Plantío, en Madrid), cines, un comedor de auxilio social, gana el concurso para pintar el mural del Ayuntamiento de Zamora..., y en 1953 es la única pintora que participa en la exposición de arte abstracto de Santander junto a nombres de la vanguardia como Saura o Millares. La crítica la respeta. Camón Aznar o Lafuente Ferrari escriben maravillas de su pintura, pero Delhy Tejero siempre se queda a las puertas de algo. Le prometen premios que no le dan. En 1965, el Premio Nacional de Pintura se lo arrebata Daniel Vázquez Díaz. Se siente ninguneada. “Yo creo que les molestaba su independencia”, asegura María Dolores Vila.
La vida de Delhy Tejero entra en una espiral neurótica. Se oculta detrás de gafas negras, a lo Ava Gardner; se niega a que le hagan fotografías y, con tal de no decir su edad, niega entrevistas, citas…; lo que sea para preservar una coquetería enfermiza. “Cuando murió, en 1968, me hizo prometer que destruiría todos sus documentos donde aparecía su fecha de nacimiento”. Tenía 64 años y el periodista Tico Medina, que nunca pudo acercarse en vida a ella, escribe: “Ha muerto Delhy Tejero, la mujer de los ojos misteriosos que jamás pude conocer”. Delhy Tejero, la pintora surrealista, informalista, figurativa, la mujer que tenía pena de su nombre, lo dejó escrito: “Cuando me muera, no me gustaría que me pusieran flores en mi tumba porque las raíces me llegarán a los ojos y me entrarán por la boca…”.

Extracto de reportaje La pintora errante de Julia Luzán en el Diario El País

Othon & Tomasini

2010-01-19T12:21:00.000-08:00

Othon & Tomasini en Santiago de Compostela 2008

El original repertorio del pianista griego Othon Mataragas acompaña la voz del performer italiano Ernesto Tomasini

El compositor y pianista griego Othon Mataragas es el nuevo enfant terrible de la escena musical alternativa. Empezó a tocar el piano con tan solo cuatro años y ha conseguido crear un repertorio ecléctico con un toque muy personal. Por su parte, Ernesto Tomasini es un cantante y actor italiano afincado en Londres que brilla en diversos géneros teatrales como la comedia, el canto o el cabaré. Además de sus cualidades interpretativas, la voz de Ernesto es única: un poderoso falsete y un fascinante registro de cuatro octavas y media lo convierten en un intérprete capaz de atreverse con cualquier papel operístico. Juntos forman Othon & Tomasini, una excéntrica pareja que consigue seducir por igual a audiencias y críticos allí por donde pasa.

Othon Mataragas

Ernesto Tomasini

Una entrada de postales navideñas

2009-12-25T12:29:00.000-08:00

La primera es de Cati Bauçà

La segunda de Adolfo Arranz de la sombra del asno

La de Coral

Swazilandia de Pep Bonet

2009-12-01T07:28:00.000-08:00

Impacto del VIH/SIDA: Vida y esperanzas de los huérfanos de Swazilandia

El Reino de Swazilandia tiene el porcentaje más alto de población con el VIH del mundo, casi el 36% entre los 15 y 49 años es seropositiva. El sida ha llevado a que la esperanza de vida en Swazilandia se haya reducido de los 58 a los 32 años y es especialmente grave la situación de los niños, pues existen miles de huérfanos. Los hermanos mayores o los abuelos tienen que cuidar de los hijos de sus hijos.

La exposición fotográfica de Pep Bonet está dedicada a la situación actual en Swazilandia con respecto a esta enfermedad. La muestra consta de veinte fotografías captadas durante el mes de mayo en las zonas rurales de este país. Todas van acompañadas de un texto que explica los detalles del día a día de los niños huérfanos.
La exposición podrá contemplarse en el hall del edificio Gaspar Melchor de Jovellanos, en el Campus de la Universitat, hasta el día 22 de enero de 2010.

La muestra, organizada por Fona Artists con el patrocinio del Departamento de Juventud e Igualdad del Consell de Mallorca, y en colaboración con UNICEF, la Fundación del FC Barcelona y la UIB, se inaugura hoy, coincidiendo con la celebración del Día Mundial del Sida.

Pep Bonet (Mallorca, 1974) Huérfanos de Swazilandia

Històries de cossos, rostres i temps de Gabriel Ramon

2009-11-27T14:37:00.001-08:00

Exposición en el Palau Solleric

Una exposición que recorre sus casi de 30 años de retratista, desde finales de los 70 hasta la actualidad. Entre los fotografiados, cientos de anónimos, pero también rostros de personajes populares: escritores, pintores, actores, músicos o periodistas. Son casi 400 retratos.

Historia de cuerpos, rostros y tiempos de Gabriel Ramon puede visitarse hasta el 10 enero de 2010 en el Casal Solleric de Palma.

Hiromi Uehara enérgica sensibilidad

2009-11-06T13:23:00.000-08:00

Con “Enérgica Sensibilidad” Pepe Pintos realiza su particular homenaje a la pianista japonesa Hiromi Uehara que actua en Palma de Mallorca este 6 de noviembre. Su especial mestizaje que fusiona de manera personal la música clásica, el jazz y el rock le sirven a este pintor y cocinero para mostrar una música en constante movimiento; una cascada de vibrantes sonidos que fluyen llenos de vida; notas de música que se elevan hacia el infinito transformadas en pura energía.

Para este pintor de platos, el Jazz que propone la japonesa en su concierto de Palma es ante todo energía que se bipolariza en los colores blanco y negro; una pareja cromática inseparable que representa como ningún otro elemento de la naturaleza las dos energías opuestas y complementarias que se inspiran en el concepto de Ying y el Yang. Un misterio que se encuentra en la esencia de las cosas y que, sin quererlo, envuelve la obra de Pepe Pintos de “energética sensibilidad”.

Hiromi, Chick Corea, Watanabe Sadao, Autin Peralta and The Great Jazz Trio.

Hiromi Uehara (Hamamatsu, 1979) es una compositora de jazz y pianista famosa por poseer una técnica virtuosa, y ofrecer unas actuaciones llenas de energía, mezclando en sus composiciones estilos que van desde el jazz, pasando por el rock progresivo, la música clásica y la música de fusión.

I Bienal de Arte Erótico en la Galería Berlin

2009-11-05T10:43:00.000-08:00

La Galería Berlín ha organizado la I Bienal de Arte Erótico. De los 238 trabajos inscritos han sido seleccionados 70.
Música, performances y espectáculos de danza formarán parte de la intervención que se llevará a cabo el próximo viernes, 6 de noviembre, en el Palau de Ca’n Bordoy (Carrer Forn de la Glòria, 14) con motivo de su inauguración.
La muestra también incluye una sección de artistas invitados que presentarán su obra fuera de concurso. En este apartado se encuentran trabajos de Esther Limones, Víctor Borisov, Saúl Herrero, Gregorio Santos o Pedro Estarellas Sabater.
Los trabajos finalistas se trasladarán a la Galeria Berlin (Plaça Santa Magdalena, 4), donde se exhibirán desde el 10 al 30 de noviembre.
Horario de visita: 11:00-14:00 a 18:00-20.00 horas.

Víctor Borisov

El conjunto de los proyectos presentados abarca todas las disciplinas, desde la pintura o la escultura al dibujo, la fotografía, el vídeo arte, la instalación o el box art.

YenTing Chung y Michelle Yu

2009-10-28T02:02:00.000-07:00

Lo que no contamos cuando hablamos de nosotros mismos

What We Don't Talk Of When We Talk About Ourselves, exposición en ABA art

El barón de los árboles de Yen Ting Chung

Michelle Yu La muerte psíquica de Francis

YENTING CHUNG (Taipei, 1982) y MICHELLE YU (Geneva, New York, 1986). Las obras de Yenting y Michelle indagan en las metamorfosis, en las fronteras entre la humanidad y la animalidad, introduciéndonos en un mundo surrealista poblado por animales-quiméricos. Las pinturas caligráficas de Chung son suaves y poéticas, personajes perdidos en la poderosa naturaleza que evocan aislamiento, soledad, temor. Mientras que las obras de Yu son más dramáticas e intensas abordando otro ángulo de la compleja psicología humana, sus heroínas a pesar de ser físicamente vulnerables, combaten contra sus enemigos cotidianos.

Yenting Chung: Encanto

Para Yenting Chung “crear arte es un medio de asegurarme de que existo, cuando me siento aislada y sola”. Su formación nace muy pronto gracias al entorno que la rodea: “de niña dibujaba cómics y jugaba con barro. La fábrica de esculturas de mis padres era mi parque infantil. En la escuela primaria en Taipei, todos los alumnos deben aprender caligrafía y eso influyó en mi estilo de dibujo. En la universidad, empecé a usar tinta como principal medio para crear obras. Mi estilo combina las pinturas de pincel chinas y la caligrafía. Mis inspiraciones vienen de las experiencias del día a día. Me interesan las personas y sus relaciones, el metro, la ciudad y los perros paseando por las calles. Mis obras de arte son una metáfora de la vida. Siempre recurro a mis experiencias de infancia. Con el tiempo, me di cuenta de que hacer arte es la mejor manera de expresar mis sentimientos”.

Michelle Yu: Lo encontró comiendo

Los comienzos creativos de Michelle Yu se remontan a la infancia. De niña, su refugio fue el dibujo, era su manera de contar historias y de plasmarlas en una especie de realidad sólida. Realizaba dibujos narrativos, sobre todo de largas epopeyas fantásticas de princesas valientes que combatían el mal. En palabras de la artista: “Entiendo el proceso de hacer arte como una forma de transformación energética, implementado por la voluntad y mediado por el corazón y la mente, pero también como algo natural y compulsivo como respirar.”

La exposición de Yenting Chung y Michelle Yu puede visitarse hasta el 17 de noviembre en ABA Art, Plaça Porta de Santa Catalina, 21 (Palma de Mallorca)

Michelle Yu: Levantada de un salto

Yen Ting Chung: Cielo

Carmen Cañadas

2009-10-27T04:40:00.000-07:00

A través del crisol

"A traves del Crisol" o tú y el personaje que representas en el mundo; éste un gran teatro.

Exposición de Carmen Cañadas en el espacio Sampol Sampol (Blanquerna, 18, Palma)

La última cena

Menina en miriñaque

Carmen Cañadas (Almuñecar, Granada, 1959). Catálogo de la exposición

María Blanchard

2009-10-20T12:49:00.000-07:00

María Blanchard (Santander,1881 - París, 1932)

Mujer con abanico

En 1908 se traslada a París donde conocerá a varios pintores españoles como Juan Gris, Pablo Picasso o Anglada Camarasa, que se convertirán en grandes amigos suyos. Se relaciona también con literatos como Gerardo Diego y García Lorca.
Tras unos años en Francia regresa a España y consigue una cátedra de dibujo en Salamanca, pero no duró demasiado. Abandona su trabajo y vuelve a París, donde poco a poco va encontrando su espacio como artista. Sus obras comienzan a venderse, realiza exposiciones y va subiendo su caché artístico.

Elegía a María Blanchard de Federico García Lorca

Yo no vengo aquí, ni como crítico ni como conocedor de la obra de María Blanchard, sino como amigo de una sombra. Amigo de una dulce sombra que no he visto nunca pero que me ha hablado a través de unas bocas y de unos paisajes por donde nunca fue nube, paso furtivo o animalito asustado en un rincón. Nadie de los que me conocen pueden sospechar esta amistad mía con María Gutiérrez Cueto, porque jamás hablé de ella, y aunque iba conociendo su vida a través de relatos originales, siempre volvía los ojos al otro lado, como distraído, y cantaba un poco porque no está bien que la gente sepa que un poeta es un hombre que está siempre ¡por todas las cosas! a punto de llorar.
¿Usted conocía a María Blanchard? Cuénteme...
Uno de los primeros cuadros que yo vi en la puerta de mi adolescencia, cuando sostenía ese dramático diálogo del bozo naciente con el espejo familiar, fue un cuadro de María. Cuatro bañistas y un fauno. La energía del color puesto con la espátula, la trabazón de las materias y el desenfado de la composición me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.
Los muchachos llevan un carnet blanco, que no abren más que a la luz de la luna, donde apuntan los nombres de las mujeres que no conocen para llevarlas a una alcoba de musgos y caracoles iluminados, siempre en lo alto de las torres. Esto lo cuenta Wedekind muy bien y toda la gran poesía lunar de Juan Ramón está llena de estas mujeres que se asoman como locas a los balcones y dan a los muchachos que se acercan a ellas una bebida amarguísima de tuétano de cicuta.
Cuando yo saqué mi cuartilla para apuntar el nombre de María y el nombre de su caballo me dijeron: Es jorobada.
Quien ha vivido como yo y en aquella época en una ciudad tan bárbara bajo el punto de vista social como Granada, cree que las mujeres o son imposibles o son tontas. Un miedo frenético a lo sexual y un terror al "que dirán" convertían a las muchachas en autómatas paseantes, bajo las miradas de esas mamás fondonas que llevaban zapatos de hombre y unos pelitos en el lado de la barba.
Yo había pensado con la tierna imaginación adolescente que quizá María, como era artista, no se reiría de mí por tocar al piano 'latazos clásicos', o por intentar poemas, no se reiría, nada más, con esa risa repugnante que muchachas y muchachos y mamás y papás sucios tenían para la pureza y el asombro poético, hasta hace unos años, en la triste España del 98.
Pero María se cayó por la escalera y quedó con la espalda combada expuesta al chiste, expuesta al muñeco de papel colgado de un hilo, expuesta a los billetes de lotería.
¿Quién la empujó? Desde luego la empujaron; 'alguien', Dios, el demonio, alguien ansioso de contemplar a través de pobres vidrios de carne la perfección de un alma hermosa.
María Blanchard viene de una familia fantástica. El padre, un caballero montañés, la madre una señora refinada; de tanta fantasía que casi era prestidigitadora. Cuando anciana iban unos niños amigos míos a hacerle compañía y ella, tendida en su lecho, sacaba uvas, peras y gorriones de debajo de la almohada. No encontraba nunca las llaves y todos los días tenía que buscarlas y las hallaba en los sitos más raros, por debajo de las camas o dentro de la boca del perro. El padre montaba a caballo y casi siempre volvía sin él, porque el caballo se había dormido y le daba lástima el despertarlo.
Organizaba grandes cacerías sin escopetas y se le borraba con frecuencia el nombre de su mujer. En esta distracción y este dejar correr el agua, María Gutiérrez se iba volviendo cada vez más pequeña, una mano le tiraba de los pies y le iba hundiendo la cabeza en su cuerpo como un tubo de 'Don Nicanor que toca el tambor'.
En este tiempo que corresponde a la apoteosis final de Rubén, vi yo el único retrato de María que he visto, y era una criatura triste, no sé de quién, en la que está al lado de Diego Rivera el pintor mexicano, verdadera antítesis de María, artista sensual que ahora, mientras que ella sube al cielo, él pinta de oro y besa el ombligo terrible de Plutarco Elías Calles.
En la época en que María vive en Madrid y cobija en su casa a todo el mundo, a un ruso, y a un chino, a quien llame a la puerta, presa ya de este delicado delirio místico que ha coronado con camelias frías de Zurbarán su tránsito en París.
La lucha de María Blanchard fue dura, áspera, pinchosa, como rama de encina, y sin embargo no fue nunca una resentida, sino todo lo contrario, dulce, piadosa, y virgen.
Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones, con la misma serenidad que aquel otro gran pintor, Barradas, muerto y ángel, a quien la gente rompía sus cuadros y él contestaba con un silencio recóndito de trébol o de criatura perseguida.
Aguantaba a sus amigos con capacidad de enfermera, al ruso que hablaba de coches de oro, o contaba esmeraldas sobre la nieve, o al gigantón Diego Rivera que creía que las personas y las cosas eran arañas que venían a comerlo, y arrojaba sus botas contra las bombillas y quebraba todos los días el espejo del lavabo.
Aguantaba a los demás y permanecía sola, sin comunicación humana, tan sola, que tuvo que buscar su patria invisible, donde corrieran sus heridas mezcladas con todo el mundo estilizado del dolor.
Y a medida que avanzaba el tiempo, su alma se iba purificando y sus actos adquiriendo mayor trascendencia y responsabilidad. Su pintura llevaba el mismo camino magistral, desde el cuadro famoso de La primera comunión hasta sus últimos niños y maternidades, pero atormentada por una moral superior daba sus cuadros por la mitad del precio que le ofrecían, y luego ella misma componía sus zapatos con una bella humildad.
La vida y pasión de Cristo fue tomando luz en su vida y, como el gran Falla, buscó en ella norma, dogma y consuelo. No con beatería, sino con obras, con grave dolor, con claridad, con inteligencia. Lo más español de María Blanchard es esta busca y captura de Cristo, Dios y varón realísimo; no al modo de la fantástica Catalina de Siena que se llega a casar con el niño Jesús y en vez de anillos se cambian corazones, sino de un modo seco, tierra pura y cal viva, sin el menor asomo de ángeles o milagro.
Su cintura monstruosa no ha recibido más caricia que la de ese brazo muerto y chorreando sangre fresca, recién desclavado de la cruz.
'Ese mismo brazo fue el que, lleno de amor, la empujó por la escalera para tenerla de novia y deleite suyo, y esa misma mano la ha socorrido en el terrible parto, en que la gran paloma de su alma apenas si podía salir por su boca sumida. No cuento esto para que meditéis su verdad o su mentira, pero los mitos crean al mundo, y el mar estaría sordo sin Neptuno y las olas deben la mitad de su gracia a la invención humana de la Venus.
Querida María Blanchard: dos puntos... dos puntos, un mundo, la almohada oscurísima donde descansa tu cabeza...
La lucha del ángel y el demonio estaba expresada de manera matemática en tu cuerpo.
Si los niños te vieran de espaldas exclamarían: "¡La bruja, ahí va la bruja!". Si un muchacho ve tu cabeza asomada sola en una de esas diminutas ventanas de Castilla exclamaría: "¡El hada, mirad el hada!". Bruja y hada, fuiste ejemplo respetable del llanto y claridad espiritual. Todos te elogian ahora, elogian tu obra los críticos y tu vida tus amigos. Yo quiero ser galante contigo en el doble sentido de hombre y de poeta, y quisiera decir en esta pequeña elegía, algo muy antiguo, algo, como la palabra 'serenata', aunque naturalmente sin ironía, ni esa frase que usan los falsos nuevos de 'estar de vuelta'. No. Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales.
Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huida a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España.

Conferencia de Federico García Lorca en el Ateneo de Madrid, en 1932, después de la muerte de María Blanchard.

Catálogo de María Branchard

EMERGENT-LLEIDA 09

2009-10-17T14:02:00.000-07:00

Festival Internacional de Fotografia y Artes Visuales

NICE TO MEET YOU

DÌAS: 22, 23 y 24 de octubre de 2009 en Auditori Enric Granados de Lleida.

Tres días para compartir, debatir, aprender y disfrutar de la fotografía y el arte de primer nivel, acompañados de artistas nacionales y extrangeros, algunos ya consagrados, otros jóvenes talentos... pero todos nos sugerirán e inspirarán a través de su propia obra y de sus conocimientos

Joan Fontcuberta, Gabino Diego, Cinthya Araf, Cécile Decorniquet, Valentín Vallhonrat y muchos otros configuran el programa de conferencias. EMERGENT es un festival lúdico y creativo que trabaja en torno al medio fotográfico y audiovisual, está organizado por la Asociació de Fotògrafs Professionals de les Comarques de Lleida.

BLOGphotogaleria

Programa

Esther Ferrer

2009-09-22T12:21:00.000-07:00

La parte de los ángeles

El libro de las manos: Autorretrato con ojos blancos

En el proceso de elaboración de los licores, cuando éstos envejecen en barricas, se produce la evaporación de parte del alcohol que contiene el destilado, entre un uno o un dos por ciento al año; este tanto por ciento se denomina la parte de los ángeles.

En la exposición La parte de los ángeles , Esther Ferrer emplea distintos productos, que al evaporarse, al igual que pasa con los licores, llenan la atmósfera de olores.

Esther Ferrer en el Espai 4 del Casal Solleric hasta el 08/11/2009

Esther Ferrer es conocida por sus performances, que realiza individualmente o formando parte del grupo ZAJ (disuelto en 1996). A principios de los años 6O creó junto con el pintor Jose Antonio Sistiaga, el primer Taller de Libre Expresión germen de muchas otras actividades paralelas, entre ellas una Escuela experimental en Elorrio (Vizcaya). A partir de mediados de los años 7O, retoma su actividad plástica con fotografías trabajadas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos, objetos...

Serie: Números primos

ESTHER FERRER, TOM JOHNSON

El poema de los números primos

Tras algunos años, en la década de los 70, realizando proyectos con estructuras geométricas definidas únicamente en función de mis propios criterios , sentí la necesidad de pensar otras en las cuales mis preferencias estéticas jugaran un papel secundario. Estructuras libres que pudieran evolucionar por si mismas, según su lógica intena..

Durante algún tiempo no conseguí un resultado que me satisfaciera hasta que una noche soñé con los números primos , así empecé la serie, EL POEMA DE LOS NUMEROS PRIMOS.

Al principio fue bastante descorazonador, amigos matemáticos me decían que nunca conseguiría una estructura válida pues los números primos no son previsibles. Lo único que se sabe, me decían, es que su frecuencia disminuye a medida que se avanza en la serie.

Efectivamente tarde bastante tiempo en comprender que era mejor no prever nada, dejar que la estructura evolucionara en función de la dinámica interna de la serie, lo que da como resultado que cada obra es diferente, aunque aplique el mismo sistema para visualizar el movimiento de la serie,

Algunas veces comienzo por 1, 2, 3, 4 etc. , pero también lo puedo hacer por 3.000 ó 4.000 e incluso 15.000.000 o más o por 41, según la observación de Stanislav Ulam, lo que da una línea ininterrumpida de 40 números primos. Otras veces, decido privilegiar los números gemelos, es decir aquellos dos números primos que están únicamente separados por un número entero, como 11 y 13 por ejemplo. Hace ya muchos años realice un cuadro (hilo sobre lienzo) con los dos números primos gemelos más grandes que se conocían en la época, tenían 703 cifras; en 1993 el número primo más grande tenía ya 258.716, con la evolución de las computadoras supongo que hoy se pueden calcular primos con un número de cifras mucho más importante.

Lo primero que sorprende cuando se comienza a trabajar con la serie de los números primos es que - cualquiera que sea el sistema utilizado - el resultado es siempre equilibrado, hermoso, y lo segundo que cuanto más grande es la obra, es decir cuanto más números la forman, más interesante es la estructura, nunca simétrica, siempre en movimiento, por ello siempre he pensado en realizar obras monumentales como suelos, muros, tapicerías etc.

Al penetrar el universo de los números primos se tiene la sensación que de que son la traducción, el reflejo, de un caos universal, magnífico, continuamente en evolución, que no se repite jamás, pero que pese a ello, es siempre el mismo. Un caos en cuyo interior parece existir un orden, un orden extraño, curioso.

Trabajar con esta serie es fascinante y tranquilizador al mismo tiempo, es un a tarea minuciosa - nunca estoy segura de no haber cometido algún error - obsesionante, tan obsesionante, que llega un momento en que hay que abandonarlo, al menos durante cierto tiempo, pues al intentar penetrar ese hipotético y curioso orden que imagino puede existir en el caos, se corre el riesgo de partir muy lejos, incluso demasiado lejos... allí donde quizás no hay retorno posible.

Esther Ferrer

LOS NUMEROS PRIMOS: MATEMATICAS Y ARTE

Para empezar la serie de los números primos es curiosa:

1, 2, 3, 5, 7, 11, 13, 17, 19, 23, 29, 31 ......

¿Por qué salta seis números, del 23 al 29?

¿Por qué encontramos con frecuencia números primos con una diferencia de dos, lo que se llama números gemelos, como por ejemplo 17 y 19 ó 29 y 31?

Hoy se sabe que habrá números primos hasta el infinito y que la distancia media entre ellos será cada vez más grande, incluso se puede probar que algunos meganúmeros son primos, como por ejemplo

2216091 - 1

que será un número de 65.050 cifras, si se escribe normalmente.

Pero hay muchas cosas que no sabemos, por ejemplo no se ha encontrado todavía una fórmula para calcular el 500° número primo por, ni la fórmula exacta que nos dé la cantidad de números primos entre 9.000 y 10.000. Cuando se pregunta a un matemático si 791 es un número primo o no, la respuesta es consultar una tabla o pedir a la computadora que divida 791 por todos los números primos hasta 23.

Por todas partes encontramos dilemas, frustaciones, cuestiones no resueltas desde Euclides y Eratostenes, pero el hombre es pretencioso y piensa que puede llegar a encontrar un orden en el universo, convencido de que existen fórmulas para los fenómenos naturales y que un día comprenderatambién la serie de los números primos.

Mientras los matemáticosintentan progresar en sus investigaciones, hay artistas que intentan mostrar cosas que ni las tablas ni los ordenadores consiguen, y este es el objetivo principal de muchos de las obras que Esther Ferrer ha dedicado a este tema. En cada obra, distribuye, relaciona, colorea, enmarca los números primos según un sistema diferente de reglas estrictas y en cada obra la red de los números primos se manifiesta de una manera diferente.

¡Miren, cuenten, midan! ¡Observen el orden del universo!

Tom Johnson

Paris, 1986

Esther Ferrer

Los retratos de Malick Sidibé en el Solleric

2009-09-20T02:09:00.000-07:00

2o años de instantáneas de Bamako

Esta exposición presenta una selección de los retratos que el fotógrafo Malick Sidibé (Soloba, Mali, 1936) realizó entre 1964 y principios de los años ochenta en su estudio de un barrio popular de Bamako (Mali). Generalmente, Sidibé hacía sólo una toma -sus clientes no podían costearse más- que era positivada en un pequeño formato tipo tarjeta postal. Además, su estudio tenía unas dimensiones muy reducidas y sólo disponía de un modesto sistema de iluminación y de unos pocos y sencillos elementos decorativos, sobre todo, telas lisas o con rayas verticales.

Los retratos de Sidibé –que en el año 2007 recibió el León de Oro de la Bienal de Venecia y este mismo año ha sido Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2009- tienen una fuerte coherencia y consiguen reflejar la diversidad y complejidad de la sociedad maliense.

La voz de Oumou Sangaré acompaña las imágenes de Sidibé

Entrevista a Malick Sidibé

Malick Sidibé nos espera sentado en la galería Oliva Arauna. Lleva una larga túnica verde con dibujos abstractos de color blanco. Cuando llegamos nos recibe con una amplia sonrisa y parece que sonríe con su mirada también.

Su presencia enseguida se hace presente en la habitación y la envuelve. Es una de esas personas que no deja indiferente. Desde el principio habla con entusiasmo, recordando cada mínimo detalle de sus fotografías, aunque hayan pasado ya cincuenta años desde entonces.

En ocasiones parece alejarse, como si de pronto volviera a su estudio de Bamako, y habla con los ojos cerrados, recordando esos días en los que retrató la historia de su país y que le convirtieron en uno de los fotógrafos más influyentes del momento.

Desde 1960, Malick Sidibé (Mali, 1936) realizó fotografías en su estudio de Bamako, Studio Malick. Estas imágenes documentan la cultura popular de su ciudad con una mirada pura. La gran cantidad de fotos que obtuvo durante los años 70 dieron lugar a una vasta catalogación de tipologías urbanas conseguidas mediante una labor de documentación sincera y exenta de complejos de superioridad. El resultado: una fotografía alejada de los prejuicios de la mirada occidental hacia otras culturas.

PHE- Ahora es un fotógrafo reconocido y sus fotos viajan por todas partes ¿Cómo comenzó en este mundo?

Malick Sidibé- Estudié en la escuela de artes porque me gustaba dibujar. Después comencé con la fotografía trabajando con un fotógrafo francés en el año 57. Entonces era el fotógrafo más joven de la ciudad.

Por suerte yo era el único que tenía un flash y así empecé a hacer las fotografías de las fiestas nocturnas. Estaba en el estudio hasta la media noche o la una de la madrugada hasta que me iba a hacer fotografías por las fiestas. Regresaba a mi estudio, revelaba y el lunes y el martes colgaba las fotos en mi negocio y así los jóvenes venían las fotos y escogían las que más les gustaban.

Mi estudio siempre estaba animado porque todos los jóvenes venían para ver las fotos de las fiestas. Conocía a todos, hoy en día me sigo acordando de la cara y del nombre de la mayoría.

PHE- La independencia de Mali se produjo en el año 1960 ¿Cómo influyó la nueva situación política en su propio trabajo?

MS- No fue tanto la independencia como la música occidental lo que cambió muchas cosas en aquella época. Lo que realmente fue una revolución fue la música, porque desde 1957 llegó música rock, Ula-hop, swing… La música fue la verdadera revolución de Malí.

PHE- Además de las fotos de las fiestas tiene una gran cantidad de retratos en su estudio…

MS- Comencé a fotografiar los jóvenes en las fiestas desde 1957 y después continué con los retratos, ya que la fotografía tiene una amplia tradición en Mali. Para la gente de mi país es importante tener fotografías sobre sí mismos para poder enseñárselas a su familia, a sus amigos… es una especie de acto social.

Desde los años 60 empecé a hacer fotos en mi propio estudio. Todo el mundo iba allí porque en aquella época hacer un retrato era muy barato. Sobre todo a los jóvenes les gustaba mucho hacerse fotos con sus mejores galas, con sus pendientes nuevos, sus cabellos rizados, mostrando su mejor reloj, sus pulseras… A todo el mundo le gusta estar bello en las fotografías.

Había gente que quería hacerse un retrato individual para mandárselo a sus amigos, siempre con sus zapatos nuevos, su corbata… también había personas que querían hacerse fotografías con su rebaño, con su moto… para enseñar sus pertenencias a los demás, para enseñar a los demás su vida.

PHE- ¿Cómo valora la evolución de su trabajo desde que comenzó hasta la actualidad?

MS- Cuando empecé a fotografiar jamás imaginé que después de unos años mis fotos viajarían por todo el mundo. Hacía fotografías para la gente, para mi país… jamás imaginé lo que pasó después. Mis fotografías son una forma de turismo porque cuando las observas es como si viajaras a Mali. La fotografía es la realidad, nunca dice mentiras, esto es muy importante para mi. He revelado todos mis negativos y lo tengo todo clasificado en mi estudio.

PHE- Los medios fotográficos han cambiado mucho en los últimos tiempos. Usted, sin embargo, ha seguido fiel a la fotografía analógica…

MS- Comprendo que la fotografía digital es mucho más barata y simple, pero para mi no es la verdadera fotografía. Con la fotografía analógica tienes que enfocar la imagen, ir al laboratorio, revelar y trabajar. Con la fotografía analógica no se puede engañar, muestra toda la realidad. Con la digital puedes modificar las imágenes.

Creo que con la fotografía analógica si, por ejemplo, fotografías un perro y luego la miras bien puedes ver como el perro mueve la cola…es todo realidad.

PHE- En su dilatada carrera fotográfica ha habido muchas fotos que han pasado a la historia, convirtiéndose en verdaderos iconos de una época importante para su país…

MS- Tengo mucha satisfacción en mi vida profesional. Es difícil elegir un buen momento. Tengo muchos negativos y hay muchas fotos que me gustan mucho, por ejemplo me gustan los retratos de los niños pequeños en los que los niños sonríen. Para mi eso es una gran satisfacción. Esta foto en la que salen dos chicos bailando es de la que más ha gustado a la gente y es la más conocida. Se llama “la noche de la navidad” (1963). A mi no es la que más me gusta.

Una de mis fotografías favoritas es en la que aparece un chico es muy elegante bailando con la hija del primer ministro del primer presidente de Mali. Hoy esta mujer es musulmana y lleva velo. Si viera la foto seguro que diría “Esa no soy yo”.

Me acuerdo de los nombres de casi todas las personas que salen en mis fotografías. Sino recuerdo el nombre, si recuerdo a su padre, qué hacen ahora, si tienen hijos… También me gusta la fotografía de un chico nigeriano que era modista. En esta foto el chico abre los brazos y dice:”La vida es maravillosa”.

PHE- Su estudio en Mali sigue abierto hoy en día ¿Sigue haciendo fotografías allí?

MS- Hoy día son los extranjeros, sobre todo europeos, los que van a mi estudio a conocerme porque es gente que conoce la historia de la fotografía. Van a allí a hacerse un retrato.

Una cosa muy particular y extraordinaria es que ahora todo Mali conoce mi estudio. Los niños, que normalmente llaman a los hombres adultos “papá” o “tontón”, me llaman por mi nombre, porque para un artista lo importante es el nombre. También hay mujeres del campo que han llamado Malick a sus propios hijos, eso me llena de orgullo. Creo que hay 4 ó 5 con mi nombre.

PHE- ¿Cómo ha cambiado la vida en Mali desde las fotografías que podemos ver en su exposición hasta la actualidad?

MS- El país ha cambiado mucho desde los años 60, ahora la gente prefiere vestirse con la ropa de Mali porque hay una industria de algodón muy fuerte e importante. Antes la gente prefería la ropa europea, pero ahora la gente está volviendo a la ropa tradicional. Los jóvenes siguen prefiriendo la ropa occidental. Son los jóvenes los que cambian el mundo, no los viejos.

En los años 60 las chicas se escapaban de sus casas para irse a bailar. Le echaban algo en el vaso de agua de su padre para que se durmiera y no se diera cuenta cuando ella escapaba. La madre siempre era cómplice de la chica y era quien le abría la puerta cuando ella llegaba de madrugada. Cuando las chicas terminaban los estudios el padre estaba obligado a hacer una fiesta. Así es como los viejos se convencían de que bailar no era tan malo ni tan grave.

PHE- Parece imposible que en una carrera tan larga no haya habido momentos difíciles…

MS- No he tenido muchos problemas en mi vida profesional. La gente que sale de mi estudio casi siempre sale contenta, aunque a veces hay alguno que ha sido más difícil de fotografiar, pero sin dar demasiados problemas.

Si tuve algunos problemas con los militares, ya que también hice fotografías del golpe de estado. Creo que era necesario retratar ese momento. Tenía miedo de perder la vida, porque yo no era periodista y no estaba autorizado para fotografiar.

Todavía conservo esos negativos. Tengo fotos de la milicia con sus fusiles. También fotografié el golpe de 1968, ya que conocía a los militares por haber hecho el servicio militar y me llamaron para fotografiar. Pero en un momento llegó el general y me preguntó: “¿Qué estás haciendo aquí?” Yo le dije: “Hago fotos”. Los otros militares tenían miedo y se escondieron. El General se enfadó mucho y me quería confiscar la película. Me llevaron a la comisaria pero afortunadamente allí me encontré a un amigo y estuvimos hablando un rato amigablemente. Me quedé hasta las cinco de la tarde y al final el general se olvidó todo y pude llevarme las películas conmigo. El tipo que me arrestó tenía un bazoca en su coche y pasé un poco de miedo, pero por suerte al final no hubo problemas.

PHE- Ahora tiene una exposición individual en la galería Oliva Arauna y su obra forma parte de la exposición colectiva Años 70. Fotografía y vida cotidiana ¿ Qué sensación le produce?

MS- Estoy contentísimo de tener una exposición de la galería de Oliva Orauna y formar parte de la exposición colectiva Años 70. Fotografía y vida cotidiana. La noche antes de la inauguración no he podido dormir, pero a ratos he tenido sueños muy buenos, parecía que iba a tocar el cielo con mis dedos. Después de esto pienso que debo seguir haciendo mucho más y mucho mejor.

Entrevista publicada en la edición digital de Photo España

Retratos de Malick Sidibé en el Casal Solleric (Palma) hasta el 8 de noviembre de 2009.

Trece años de Nit de l'Art

2009-09-17T00:38:00.001-07:00

Pintura, escultura, música, danza, audiovisuales o performances, prácticamente todas las galerías de Palma y muchas de la Part Forana mostrarán esta noche sus propuestas.

Sa Nostra
Art Report. Roland Fischer, Albert Pinya, Juan Muñoz, Núria Marqués i Miguel Ángel Campano.

Casal Solleric

Malick Sidibé

Los retratos del fotógrafo Malick Sidibé (Mali, 1936) galardonado con el Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2009. Los cómics de Big John Buscema, una muestra en la que se pueden ver más de un centenar de páginas originales y algunos bocetos inéditos. Además de las exposiciones de Amparo Sard y Esther Ferrer.

La Misericòrdia

´Noves Presències´, Exponen galerías de diferentes localidades. Addaya de Alaró, Bennassar de Pollença, Marimón de Can Picafort, Matisos de la Colònia de Sant Jordi, Miquela Nicolau de Felanitx, Can Janer de Inca, CCA Andratx y Artara de Maó. En el se realizará un Rangoli, dibujo tradicional de India, y actuará el grupo Wonderbrass.

La Caja Blanca

Almagul Menlibayeva, con la vídeo instalación Kissing Totems, y la instalación de Kira Ball.

Almagul Menlibayeva

Kissing Totems trenza una historia que se nutre de los recuerdos de infancia de la artista, así como los rescoldos de las culturas que han sabido mantenerse vivos en su tierra natal. Las escenas que representan los protagonistas de la película escenifican historias transmitidas oralmente por los chamanes que otrora fueron nómadas, a la vez que evocan rituales solapando religiones ajenas que sin embargo han sido asimiladas por la población (el velo del Islam, y los símbolos del cristianismo ortodoxo), junto con historias de personajes mitológicos como el Peris que representa el erotismo y la sexualidad femenina. Como telón de fondo, aparece un paisaje poblado por cáscaras de fábricas, máquinas arcanas, y estructuras de edificios invadidos por pájaros, haciendo alusión a las cicatrices e incongruencias que dejó tras de sí el régimen soviético. Para realizar la obra, uno de los grandes referentes que utilizó la artista como fuente de inspiración, fueron escenas de la película Stalker de Andrei Tarkovsky. Mientras que la obra de Menlibayeva utiliza lenguajes pertenecientes al siglo XXI (el video arte, la fotografía y la performance), las imágenes que proyecta en gran formato sobre las paredes desnudas de la galería ejercen un magnetismo ancestral sobre el espectador.

Ses Voltes
Los trabajos de los finalistas y ganadores de Art Jove 20.

Espai Ramon Llull
´Praxis Mmix´ colectiva de 17 artistas.

Horrach Moyà
Colectiva de Susy Gómez, Joana Vasconcelos, Carles Congost, Jorge Mayet, Jaume Simó y Peter Zimmermann.

Joan Oliver Maneu
Juli Ramis, en el Nou Espai ofrece una selección de ´maestros de la pintura mallorquina´.

SKL
Retratos de Marcelo Víquez.

Ferran Cano
Pep Guerrero

Maior
Serie de esculturas ´elásticas de Victoria Encinas.

Galería Joanna Kunstmann

Nuevas obras de Stefan Gnad. Estos trabajos de Gnad en papel, están realizados con la técnica de acuarela con predominio de pequeños formatos. Con su estilo narrativo, nos deja ver a través de los más de sesenta cuadros y diarios ilustrados que se expondrán, los paisajes del norte de Alemania. Lo figurativo forma el concepto esencial de estos trabajos. Pero Gnad reduce y concentra sus figuras de forma que los contornos surgen sutilmente de los fondos lavados. Las inscripciones en caligrafía antiqua complementan las historias que el artista nos cuenta.

Y sigue ... porque prácticamente todas las galerías inauguran exposición. Para cerrar fiesta en Es Baluard.

Cançoníssima, Memòria gràfica de la Nova Cançó

2009-09-15T01:42:00.000-07:00

Dies de vinil i cançons (Días de vinilo y canciones)

Exposición: Cançoníssima
Dies de vinil i cançons
Data: Hasta el 30 setembre 2009
Comissariat: Jesús Prats
Institucions: Fundació Josep Renau / Octubre Centre de Cultura Contemporània / Ajuntament de Palma
Lloc: CASAL SOLLERIC (Palma)

Memòria gràfica de la Nova Cançó
Art i disseny d’un fenomen avanguardista històric
La major col•lecció gràfica del moviment de la Nova Cançó

Lluis Llach - Cant de l'enyor (Canto de la añoranza)

Prop de dos-cents peces componen aquesta mostra de caràtules que reivindica la modernitat gràfica de les portades de vinils i ens introduïx de ple en una època en la qual la música va representar un canvi social determinant en plena dictadura. El fons de Cançoníssima prové dels gairebé 4.000 discs de música en català, entre CDs, vinils i casettes, del col•leccionista valencià Jesús Prats. Es tracta d'una exposició que commemora dos cinquantenaris: l’aparició del primer disc de música moderna en català, gravat per les Hermanas Serrano el 1958, i la publicació, un any després, d’un article de Lluís Serrahima en la revista Germinabit, amb el titol “Ens calen cançons d’ara”, que suposaria el germen del que després es denominaria la Nova Cançó, un moviment artístic i musical que en ple franquisme va impulsar la reivindicació de l'ús normal del català en l'àmbit de la cançó.

Àlbums històrics d’Els Setze Jutges, Raimon, Joan Manuel Serrat, Lluís Llach, Maria del Mar Bonet, Ovidi Montllor, Guillermina Motta, Núria Feliu, Carles Barranco, La Trinca, Pi de la Serra, Jaume Sisa, Al Tall, Els 4 Z, Pavesos o Pau Riba, per citar uns quants, poblen les vitrines al costat d'obres de Joan Miró, Tàpies, Guinovart, Alfaro o Equip Crònica, que mostren la revolució que va suposar la incorporació del disseny gràfic a les caràtules dels discs durant les dècades de 1960 i 1970.

LA CREACIÓ D’UNA NOVA CANÇÓ

Ara fa tot just cinquanta anys que naixia un dels moviments més importants (o, si més no, el més popular) que ha donat la cultura catalana durant el segle XX i, segurament, en tota la seva història. Parlam de la Nova Cançó, el fenomen musical i artístic que es transformaria en un dels fets més singulars de la nostra història contemporània com a moviment cultural, cívic i musical.

Cançoníssima és una gran mostra que, per primera vegada (mai s’havia realitzat fins ara una exposició d’aquestes característiques) recull la imatge gràfica que va projectar la Nova Cançó, al llarg de més de trenta anys, sobre el disc de vinil.

Des dels seus inicis, la Nova Cançó exhibirà una imatge creativa, sorprenent i avantguardista pel que fa a l’Estat espanyol i a l’univers discogràfic; una mirada gràfica que suposarà una ruptura en l’horitzó de l’edició discogràfica al nostre país, on fins aquell moment el disc només era un suport per incloure-hi la fotografia de l’intèrpret i els títols de les cançons, sense cap ambició artística ni creativa.

Dissenyadors de primera importància com Jordi Fornas al capdavant d’Edigsa, o d’altres com ara Francesc Guitart, América Sánchez, Enric Satué o Claret Serrahima, en editores com Concèntric, Ariola, CBS, Zafiro, Hispavox, etc. realitzaran alguns dels treballs més reeixits pel que fa al disseny gràfic i al disc entre els anys seixanta i setanta.

Cançoníssima és una exposició que revisa i analitza aquesta edat d’or del disc i la cançó en català a través de la imatge en l’obra d’artistes com Joan Manuel Serrat, La Trinca, Lluís Llach, Raimon, Maria del Mar Bonet, Jaume Sisa, Guillermina Motta, etc., però també recorda la generació dels 80 i 90, abans de l’arribada del CD, amb Tomeu Penya, Joan Amèric, Sopa de Cabra, Pets….

És també una mostra que recull el treball fotogràfic de noms ja clàssics de la fotografia catalana contemporània, com Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Colita, Toni Catany, Guitart, Josep Puvill i d’altres, que varen realitzar per a la Nova Cançó un treball que fixaria uns senyals d’identitat, d’avantguarda i glamour desconeguts fins aquell moment en l’univers discogràfic i que col•locaren el disc català al gran mostrador discogràfic europeu.

Cançoníssima, per acabar, també revisa l’estreta relació que el món de l’art i la Cançó han mantingut des dels seus inicis. La col•laboració d’artistes plàstics com Joan Miró amb Raimon i Maria del Mar Bonet, o d’altres com Tàpies, Guinovart, Equip Crònica, Viladecans, Manuel Boix, Antoni Miró i d’altres, que deixaren la seva empremta sobre la coberta discogràfica i donaren al disc un relleu creatiu i insòlit entre nosaltres, que més endavant seria imitat per cantants i artistes d’altres latituds.

La mostra se’ns presenta com una gran oportunitat per contemplar les diverses estètiques, els corrents artístics d’aquells anys, la projecció sobre la imatge gràfica del disc, i per gaudir-ne; des dels primers treballs de caire més realista fins a l’arribada de l’explosió pop i psiquedèlica i la seva manifestació en un grafisme colorista i expressiu, passant per propostes més conceptuals o eclèctiques.

Per fer-ho possible, es reuneix, per primera vegada en una gran mostra, una ampla selecció de caràtules de vinils mai exhibits fins ara en públic, pertanyents a la col•lecció privada del fotògraf i periodista valencià Jesús Prats, gestador de l’exposició, la qual va ser inaugurada a València entre setembre i novembre de 2008 al centre Octubre CCC, produïda pel mateix centre i la Fundació Josep Renau, i que ara es pot veure al Casal Solleric de Palma.

Una exposició singular que atraurà tant els qui varen viure aquells anys, com les noves generacions que, ben segur, gaudiran d’aquesta gran proposta de disseny gràfic. Una estètica i uns anys que avui més que mai continuen de plena actualitat i vigència.

Nota de prensa de la exposición

Pepe Pintos cuando la cocina adquiere los sonidos y colores del jazz

2009-09-12T00:27:00.000-07:00

Eliane Elias, un exquisito plato en el Jazz Voyeur

El cocinero Pepe Pintos dedica su exposición “El color del Jazz” a la Sexta Edición del Jazz Voyeur. Fusiona música con gastronomía y pintura, inspirándose en los artistas invitados al Festival. Y la primera ha sido la pianista y vocalista brasileña Eliane Elias que inauguró esta sexta edición con un repertorio centrado en la bossa nova fusionada con jazz.
Al finalizar el concierto en el Conservatorio, la fiesta continuó en el restaurante Pepe Pintos, donde pudieron verse las pinturas y saborear los platos dedicados al jazz.

“Eliane”

“Eliane” Acrílico sobre lienzo

“Palmitos y pétalos de flores”

Pepe Pintos se ha inspirado en el especial glamour, cálido a la vez que distante de la pianista, cantante y compositora de marcado carácter cosmopolita. Con “Eliane”, Pepe Pintos plantea una sensual visión de la Bossa- Nova y el Jazz a través del un carismático piano blanco que sorprende sobre un fondo del mismo color que dispersa la música a través de ráfagas. Es esta fuerte ausencia de color la que contrasta con un gran estallido de flores y colores en el centro de la obra que sirve al pintor para mostrar su particular visión sobre Brasil y la música. Y es que para Pintos la música se dispersa libre, desenfadada a la vez que elegante y armoniosa como las flores, creando una etérea sensación de bienestar a su alrededor. Esta obra se presentará en simbiosis con una tapa de palmitos y pétalos de flores.

Samba triste, fragmento el film Calle 54 de Fernando Trueba.

Pepe Pintos realizará un plato inspirado en cada artista que participe en el Festival.

En este video puede verse como elabora du 'Cocina Artistica'

Tomado de SkyBlue Mallorca
Restaurante Pepe Pintos. San Francisco de Sales 18. Rotonda Conservatorio.
Palma de Mallorca.

Remedios Varo, surrealismo y vanguardia

2009-08-01T09:11:00.000-07:00

El alquimista

Remedios Varo creadora de una original, fascinante, enigmática y poco conocida obra, gracias a la cual, 37 años después de su muerte, el Museo Nacional de Mujeres Artistas en Washington, D. C. (único museo en el mundo dedicado a las obras de arte creadas por mujeres) ha exhibido una extraordinaria retrospectiva de su pintura, valorando así el nombre y el arte de “una de las pintoras más importantes del siglo pasado”. Mas ¿quién es Remedios Varo?

Ecos de una vida
Los connaisseurs la presentan como una de las principales exponentes del “surrealismo mexicano tardío”, pues fue en México —país de rasgos socio culturales señaladamente machistas— donde coincidencial y paradójicamente floreció la obra de tres mujeres vinculadas al movimiento surrealista: Leonora Carrington, Frida Kahlo y Remedios Varo.
María de los Remedios Varo Uranga, hija de la extravagante unión de un librepensador ingeniero hidráulico y de una devotísima católica, nació en Anglés, España, en 1908.
Debido a la profesión del padre, la familia viajaba frecuentemente a través de las geografías española y norteafricana. Para mantener entretenida a la niña, que ya daba muestras de su talento para el dibujo y la pintura, el padre la sentaba a su lado mientras trazaba los planos y diseñaba los aparatos mecánicos de sus proyectos hidráulicos, pero, a todas éstas, la madre consideraba que su hija no estaba recibiendo la formación apropiada para una niña de buena familia y decidió internarla en un colegio de monjas.
Cuando la familia se estableció definitivamente en Madrid en 1924, el padre, conocedor de su aptitud para la pintura, la estimula para que ingrese — a pesar del escándalo y disgusto de la madre y sus amigas— a la Academia de San Fernando, donde se convirtió en una de las primeras mujeres estudiantes de arte.
En San Fernado fue condiscípula de Dalí y de Gregorio Lizarraga, con quien se casó luego de graduarse. Juntos se marcharon primero a París y después a Barcelona —en ese momento la capital del modernismo español—, y allí se vincularon con Oscar Domínguez, Esteban Francés, Marcel Jean y otros artistas de vanguardia.
Al estallar la guerra civil española, Remedios se separó de Lizarraga y retornó a París.
Paris era luz y arte, y el arte era surrealista. Conoció a Benjamín Peret y se unieron sentimentalmente en 1937. Peret la introdujo en el círculo de los surrealistas e, inmediatamente, se creó la empatía y afinidad entre Breton, Eluard, Crevel, Desnos, Miró, Arp, Naville y ella.
¡Nuevamente la guerra! París cayó bajo las los cascos, las botas, los tanques y la cruz gamada Nazis; Peret y Varo lo hicieron tras las rejas del gobierno de Vichy, el cual los mantuvo en un campo de concentración hasta finales de 1941 cuando con la ayuda del Comité para Rescates de Emergencia, pudieron escapar a México, donde serían acogidos por la inmensa comunidad de artistas exiliados en ese país.
Corría el año 1947 cuando Peret decidió regresar a París. Varo lo acompañó, pero ya no fue la misma en Europa. Era una mexicana en París y sentía que su antiguo grupo del círculo surrealista ya no era más su gente. Extrañaba al país y al pueblo que la habían acogido y que ella había hecho suyos. Retornó a México, y esta vez fue para siempre.
En 1952 contrajo matrimonio con Walter Gruen —un refugiado político austriaco—, quien, como su padre, al darse cuenta de su singular talento la estimuló y ayudó para que se dedicara exclusivamente a pintar, ya que desde su llegada a Ciudad de México se ganaba la vida como diseñadora y decoradora. De este modo nació el período más fructífero en la producción artística de Varo, el cual se vio truncado de manera intempestiva en 1963 cuando, víctima de un ataque cardiaco, falleció a la edad de 55 años.
Remedios Varo, según Luis Martín Lozano (el crítico que por conocer mayormente su obra, ha sido el curador de la exposición en el MNMA), “tiene un pie en la tradición, y el otro, en la experimentación, pues sus cuadros son como enigmáticas preguntas que no tienen una respuesta específica”. Realmente, ante sus obras el espectador se tropieza con elementos que le resultan sumamente familiares y comienza a preguntarse: ¿dónde he visto este cuadro antes?

La memoria comienza a andar y desandar sin hallar la respuesta concreta, ya que ésta se encuentra en las experiencias infantiles, en los sueños y en las imágenes que pueblan el arte universal. Por lo tanto, lo ya visto está en las iluminaciones y las miniaturas medievales; en los cuadros de Giotto y Lorenzetti; en la pintura del Primer Renacimiento italiano, especialmente Fra Angélico; en Hyeronimus Bosch, Pieter y Jan Breughel y Lucas de Leiden, y desde luego, en el arte surrealista.
En su obra se amalgaman los sueños, los recuerdos de la infancia, las vivencias femeninas y los temores y horrores de la guerra; la búsqueda del conocimiento y la verdad a través de la ciencia, la religión y la filosofía. Su espíritu explora y se adentra en las teorías que van desde la de la gravitación universal hasta la de la relatividad; en el misticismo, el tantrismo y el budismo zen; en el psicoanálisis y, especialmente, los trabajos de Jung; en el Apocalipsis de San Juan y el Corpus Hermeticum que comprende algunos tratados de filosofía neoplatónica y gnóstica, así como también sobre el orfismo, la alquimia, la magia, la metapsíquica, la qabbalah, etc., y el tarot. Por eso, cuando en México conoció a la pintora y escritora Leonora Carrington, de inmediato se hicieron grandes amigas, pues la sensibilidad artística compartida llegaba a tal punto que Varo se refería a Carrington como “mi alma gemela en el arte”.

El misticismo de un lenguaje visual

Fenómeno de ingravidez

En la obra de Varo la imaginación, como decía Breton, no perdona.
Salvo en obras como “Hacia la torre” (1960), donde la naturaleza es sombría y predominan los colores oscuros tanto en las edificaciones como en los personajes, el lenguaje visual de Remedios Varo ilumina con su color y su magia la posibilidad de acceder a una realidad más allá de la cotidiana; de transportarse a fantásticos mundos en los cuales los hombres se transmutan en gatos, porque de ellos será el paraíso; las mujeres viajan en extrañas barcas o alimentan con puré de estrellas a la luna o reciben llamadas para ascender a otros planos de la existencia; los juglares hacen malabarismos con la piedra filosofal; las naturalezas muertas resucitan y en las nubes la Jerusalén celestial gira sin detener jamás su movimiento.
Para Varo todo es posible. Al hacer uso de la decalcomanía, el fumage y el frotagge —técnicas muy usadas por los pintores surrealistas—, metaforiza el mundo interior y los cambios existenciales, de ahí que en “Gato-hombre” (1943) logre transmutar un ser en otro. Nada la detiene en su búsqueda de nuevas dimensiones metafísicas y espaciales, y para hallar el perfecto equilibrio en “Tránsito en espiral” (1962), los personajes se mueven incansablemente a través de interminables circunvoluciones alrededor de su Jerusalén celestial. Igual sucede en “Naturaleza muerta resucitando” (1963), en la que, al trastocar los conceptos de tiempo, energía y cosmos, se aleja de la racionalidad de las ciencias, penetra en el reino de la metapsíquica y logra insólitos efectos visuales. También en “Paraíso de gatos” (1955), uno de sus más fascinantes cuadros, se vale de su exquisito humor y lo pone al servicio de la imaginación y el color para burlarse de los humanos que andamos tras el paraíso perdido, pues para alcanzarlo tendremos que trasmutarnos en gatos, ya que su edén está sólo reservado para las Cleopatras y los Renés Mermelados que maullarán y jugarán felices por toda la eternidad.

En consecuencia, ante la obra de Remedios Varo hay que admitir que las tonalidades, el movimiento, la alegría, la luz y los enigmas han hecho de su imaginario una expresión de lo maravilloso, por eso en sus autorretratos “La llamada” (1961) y “Exploración de las fuentes del Río Orinoco”(1959), su radiante figura avanza portando el divino elixir o navega en beatífica gracia, pues sabe que definitivamente ha abierto la “puerta de piedra” y revelado los arcanos de la existencia donde, como decía Breton, “solamente lo maravilloso es bello”.

Lo mágico, enigmático y místico en el arte de Remedios Varo Texto de Josefa Zambrano Espinoza

Retrospectiva de Mersad Berber

2009-07-18T01:50:00.000-07:00

Mersad Berber en La Caixa

Caballo oprimido 1978

La Obra Social la Caixa presenta en Palma la exposición Mersad Berber. Retrospectiva, una muestra inédita en España que repasa su trayectoria desde la década de los setenta hasta hoy día, con la exhibición de obras de series aún inacabadas.

Mersad Berber es una rara avis en el actual panorama del arte europeo. Residente en Zagreb desde 1992 -lejos de los centros consagrados del arte contemporáneo-, ha superado la periferia de su origen gracias a una obra personalísima, de exquisita técnica, que le ha permitido alcanzar un reconocido prestigio internacional. Berber se declara, en el terreno práctico y teórico, defensor del arte figurativo y del lenguaje pictórico. Uno de los aspectos que sorprende cuando se descubre su obra es el elevado dominio del dibujo - fluido y seguro-, que le lleva también a expresarse mediante el grabado y a concebir libros de artista e, incluso, filmes de animación. La Caixa presenta esta exposición, la más completa que se ha podido ver nunca sobre el trabajo de Mersad Berber, en la que se pueden ver obras que unen distintas tradiciones culturales y en las que reflexiona sobre los hombres y mujeres actuales y su reacción ante situaciones tan trágicas como la guerra, que vivió en propia piel. Todo ello, con un lenguaje posmoderno que, al mismo tiempo, rinde homenaje a los grandes clásicos.

Berber es un virtuoso del dibujo, que ha asimilado directamente de los clásicos. Sus obras remiten tanto a la estatuaria griega y romana como a los dibujos de Velázquez, Goya, Ingres o Géricault. La influencia bizantina -fruto de la herencia cultural de los Balcanes- se observa en los colores cálidos y aterciopelados y en la sofisticación de los ambientes.
Al mismo tiempo, Berber introduce en sus pinturas el collage, el fragmento, el gesto y la textura del arte del siglo XX. El contraste entre la perfección de los detalles y el carácter incompleto de la obra, el aislamiento de los personajes y la multiplicidad de escenas que retrata en una misma obra transmiten a los espectadores la idea del paso del tiempo y de la fugacidad de las cosas.
Otro elemento recurrente en su obra es la reflexión y preocupación por la humanidad actual. Su lugar de origen -un cruce de culturas, un lugar de encuentro y también de conflicto- resulta decisiva para entender su producción artística, ya que su experiencia personal se fusiona con el destino trágico de su procedencia. El conjunto de la obra de Berber representa una invitación al diálogo entre culturas.

Series

La exposición se estructura en torno a diferentes series del artista, concebidas como homenaje a Velázquez o Ingres, de recreación del mundo bizantino o de presentación de los desastres de la guerra, que Berber ha vivido de cerca. En 1992, poco después de estallar la guerra de los Balcanes, Mersad Berber se vio obligado a abandonar su residencia de Sarajevo e instalarse en Zagreb. Los acontecimientos de aquella época dejaron una huella indeleble en su arte, como puede comprobarse en las series Crónica de Sarajevo y Expatriados bosnios, presentes en la exposición.
Berber asume sus orígenes étnicos pero a su vez se distancia de los mismos y, aunque su creación viene marcada por esta complejidad arraigada en su trasfondo étnico y geográfico, también destaca por muchos otros intereses, habilidades y características que hacen de él un artista único. Berber se inició como artista gráfico, un hecho que caracterizó especialmente su primera etapa en la antigua Yugoslavia. Un temprano interés por las habilidades artesanales impregnó su forma de enfocar los proyectos artísticos más sofisticados y ambiciosos y constituyó el origen de su fuerza como dibujante.
El arte de Mersad Berber tiene carácter polifónico. En una misma obra conviven a la vez muchas cosas. Esta característica puede contemplarse en las pinturas que crea a partir de varios paneles o en aquellas en las que superpone imágenes procedentes de distintos mundos culturales.

Lleva hasta el extremo esta superposición en la serie de impresiones digitales de gran formato que constituye su producción más reciente. En Archivo I-IV, Berber se apropia de este nuevo método de creación de imágenes porque le permite ampliar las posibilidades de la técnica del collage. La serie, en la que aún está trabajando, es un cenotafio para las más de 8.000 personas muertas en la masacre de Srebrenica de 1995. Una elegía a los muertos que también quiere recordar la desaparecida pluralidad cultural existente en los Balcanes durante cientos de años, pese a las tensiones étnicas y religiosas.
No obstante su carácter posmoderno, estas impresiones digitales de gran formato contienen también referencias a la pintura de los antiguos maestros y a la del siglo XIX, una constante en la obra de Berber que se pone de manifiesto también en series como Homenaje a Velázquez. En ella reinterpreta el arte del maestro con una nueva sensibilidad, integrando nuevos elementos como la ornamentación dorada y los dibujos herederos de la tradición islámica más clásica.

Berber también rinde homenaje a otro de los pintores que más le han influido, Théodore Géricault. Recrea la obra maestra La balsa de la Medusa interpretándola como una imagen sobre la capacidad humana de traicionar los propios códigos morales, asociándola directamente a los horrores de la Guerra Civil de Bosnia.

Además de homenajear a los grandes artistas de la historia del arte, Mersad Berber también incorpora a menudo referencias a mitos y obras literarias. La series La era de Dédalo e Ícaro ejemplifican su preocupación por la reflexión sobre determinados mitos que hablan de las aspiraciones humanas y de sus límites. A destacar también otro rasgo característico de la pintura de Berber: su interés por pintar caballos fuertes y pacientes, que no son sino los vehículos de que se sirve el artista para expresar las emociones más trágicas y terribles.

Mersad Berber (Bosanski Petrovac, Bosnia, 1940)

La exposición Mersad Berber. Retrospectiva puede verse en CaixaForum Palma (Plaza de Weyler, 3) hasta el 18 de octubre de 2009.

El cadáver exquisito exposición colectiva en Can Gelabert

2009-07-17T00:11:00.000-07:00

Cadáver exquisito es una técnica que va uniendo colectivamente un conjunto de palabras o imágenes; Deriva de un juego de mesa llamado "Consecuencias" en el cual los jugadores, por turno, escribían en una hoja de papel, la doblaban, ocultando parte de la escritura, y la pasaban al siguiente para que añadiera algo. La técnica la hicieron famosa los surrealistas en los años veinte y el nombre procede de la frase que surgió de la unión de las palabras elegidas independientemente por varios poetas (André Bretón, Tristan Tzara, Robert Desnos, Paul Éluard) «Le cadavre - exquis - boira - le vin - nouveau» (El cadáver exquisito beberá el vino nuevo).
53 artistas han creado la obra colectiva 'Cadáver exquisito' que se inaugurará el 18 de julio a las 20’30 h. en el patio de Can Gelabert (Binissalem) y que fue elaborada siguiendo esta técnica surrealista.

Exposición colectiva de: Steve Afif, Josep Maria Alaminos, Amador, Rafael Amengual, Mateu Bauzà, Erwin Bechtold, Joan Bennàssar, Pere Bennàssar, Rafel Bestard, Jim Bird, Maria Carbonero, Maria Catalán, Pep Coll, Astrid Colomar, Joan Costa, Cristina Escape, Ñaco Fabré, Marian Femenías Moratinos, Paca Florit, Pep Guerrero, Gilbert Herreyns, Enric Irueste, Ellis Jacobson, Mercedes Laguens, Alícia Llabrés, Antoni Llabrés, Pep Llambías, Eugenio López, Joan March, Teresa Matas, Mariano Mayol, J.M. Menéndez Rojas, Maria Antònia Mir, Pepe Nebot, Ángel Pascual Rodrigo, Rafel Perelló, Cris Pink, Alceu Ribeiro, Enric Riera, Dolores Sampol, Lourdes Sampol, Àngel SanMartín, Bernat Sansó, Horacio Sapere, Amparo Sard, Tòfol Sastre, Juan Segura, Joan Soler Rebassa, Andreu Terrades, Vicenç Torres, Rafel Tur Costa, Tomeu Ventayol y Amable Villarroel.

Grabados de Picasso

2009-07-14T10:13:00.000-07:00

Grabados de Picasso en el Museo de Arte Español Contemporáneo, de Palma

Le repas frugal (La comida frugal) es la gran obra maestra de su primera etapa como grabador. En este aguafuerte, realizado en 1904, Picasso recurre con sorprendente realismo a la temática de la pobreza, la miseria y la desesperanza, tan características de su temprano período azul. En 1913 Vollard adquiere esta plancha, junto con otras que fueron realizadas desde finales de 1904 hasta principios de 1906, durante el llamado período rosa, y las edita bajo el título Les saltimbanques (Los saltimbanquis). El aguafuerte y la punta seca son las técnicas gráficas predominantes de esta primera etapa.

Su primera incursión como grabador en la gran aventura plástica e intelectual que fue el cubismo data de 1909, dos años después de la realización de Les demoiselles d’Avignon (Las señoritas de Aviñón). Fue durante su estancia en Cadaqués, en el verano de 1910, cuando Picasso comenzó a trabajar en los aguafuertes que ilustran Saint Matorel, obras fundamentales en la génesis del cubismo analítico. En su intento por asimilar el espacio y romper con la perspectiva tradicional, recurre a líneas agudas y afiladas y construye objetos descompuestos en tantos planos como posibles puntos de vista. En algunos casos incorpora letras a sus composiciones cubistas, como en Nature morte, bouteille (Naturaleza muerta con botella) de 1912, y en otros recurre al papier collé o fragmentos de periódico, como en L’homme au chien (Hombre con perro) de 1914, en su interés por vincular el arte con la realidad.

SUITE VOLLARD

La espléndida colección de grabados de Picasso conocida como Suite Vollard es una de las series más importantes de toda la historia del arte, sólo comparable en calidad y extensión a las realizadas anteriormente por Rembrandt y Goya, y toma su nombre del marchante Ambroise Vollard para quien grabó Picasso estos cobres. Esta serie, realizada entre septiembre y junio de 1936, consta de cien grabados ejecutados con diversas técnicas como buril, punta seca, aguafuerte y aguatinta al azúcar, que son utilizadas de manera novedosa y sorprendente al aplicar Picasso los ácidos con pincel para conseguir asombrosas veladuras o utilizar la simple línea pura, dotando así a las estampas de un naturalismo sensual. Con estas conquistas expresivas Picasso demuestra ser el maestro de las técnicas calcográficas.

En el conjunto de la Suite Vollard se pueden apreciar claramente cuatro temas: El taller del escultor, El minotauro, Rembrandt y La batalla del amor, más tres retratos de Ambroise Vollard realizados en 1937. Algunos de los temas tienen su origen remoto en un relato breve de Honoré de Balzac, titulado Le Chef-d´oeuvre inconnu (La obra maestra desconocida, 1831), cuya lectura impresionó profundamente a Picasso. En él se narra el esfuerzo de un pintor por atrapar la vida misma a través de la belleza femenina y plantea premonitoriamente los orígenes del arte moderno, del que Picasso va a ser uno de los principales forjadores.

Las relaciones entre arte y vida, encarnadas metafóricamente en la relación entre el artista y la modelo, se plantean claramente en el texto de Balzac, pero Picasso, que ha tratado este tema también en cuadros, dibujos y otras series de grabados desde 1914, no se limita aquí a realizar unas meras ilustraciones, sino que sirviéndose de este mito moderno entreteje los acontecimientos de su propia vida con la práctica del arte. Efectivamente, en estas planchas podemos descubrir muchos rasgos de la biografía sentimental de Picasso como su ruptura matrimonial con Olga Koklova, los amores prohibidos con Marie-Thérèse Walter, entonces menor de edad, para quien Picasso se convierte en Pigmalión, y por último su relación conflictiva con Dora Maar. Pero también se pueden apreciar en otros de estos grabados algunos de los temas iconográficos que configurarán el Guernica, tragedia contemporánea que afectó a Picasso muy personalmente y que universalizará en su célebre cuadro.

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973) realizó numerosos grabados a lo largo de toda su trayectoria artística, que constituyen, por sí mismos, un capítulo fundamental de su producción plástica. Al igual que en su pintura, y fruto de su intenso proceso creativo, trabajó en series en el desarrollo de su obra gráfica, mostrando su temática preferida y sus procedimientos habituales. Con su constante afán investigador y un dominio absoluto de todas las técnicas, Picasso es considerado un artista universal y uno de los más extraordinarios grabadores de todos los tiempos.

Desde 1899 hasta 1972 Picasso se consagra al grabado y alcanza las cotas más altas de su creación, acorde con su extraordinaria destreza como dibujante, logrando hallazgos tan expresivos y afortunados como en el resto de disciplinas de su producción artística.

La exposición presenta, además de la colección de 100 grabados de la serie denominada Suite Vollard, realizados por el artista malagueño entre 1930 y 1936, un total de 28 grabados fechados entre 1904 y 1915, con estampas de sus etapas azul y rosa (Le repas frugal, 1904, Les saltimbanques, 1905, y grabados de su época cubista, 1909-1015).

Picasso: Grabados. Un recorrido por toda la obra gráfica de Pablo Picasso (Málaga, 1881-Mougins, Francia, 1973).
Museo de Arte Español Contemporáneo. Calle Sant Miquel, 11 (Palma de Mallorca)
Se inaugura el 15 de julio y permanecerá abierta hasta el 18 de noviembre
Horario de visita
De lunes a viernes:
10-18,30 h.
Sábados:
10,30 -14 h.
Domingos y festivos: cerrado

Entorno al ombligo del mundo de Eulàlia Valldosera

2009-07-09T02:59:00.000-07:00

EN TORNO AL RESCATE DEL ARCHIVO DE "EL OMBLIGO DEL MUNDO" (1990-2009)

Archivo de imágenes: material en gestación

Acumular. Ordenar. Restos. No producir. No hacer. No objetualizar. Recoger. Destruir. Reciclar. Sanar.

Los contenidos de esta muestra son en su mayoría fruto del rescate de una serie de materiales visuales que se mantuvieron ocultos en mis archivos desde su génesis. En gran parte han sido seleccionados y editados en El ombligo del mundo, el libro editado en motivo de mi exposición en el MNCARS, 2009.

Se trata de un material iniciático, pues conforma los inicios de mi carrera como artista. Lejos de editar los diversos materiales he resuelto compilarlos, es decir, reunir esa diversidad de imágenes en un mismo espacio. Luego trataré de definir esta diversidad. Eso sí, todos han sido formateados, es decir, el formato original se ha perdido en aras de una presentación pública. Esa operación convierte lo que inicialmente tenía carácter documental o testimonial en lo que en nuestro medio artístico llamamos obra original. O no, y quizás esté equivocada, y los originales permanecen en mi archivo y lo que presento al público son documentos, reproducciones. ¡Qué capacidad tiene un archivo, con su desorden ordenado, sus filtraciones, su heterogeneidad, con imágenes cotidianas infiltrándose entre los negativos, despertándonos la dificultad de clasificar, las tentativas de borrar, de seleccionar, de seguir una cronología, una categoría, qué capacidad tiene un archivo de inspirar! Documentos: fotografiar es encuadrarVolvamos a 1990. Desde el momento en que empiezo a utilizar la cámara fotográfica el aura que implica la manualidad desaparece, la obra explota en un proceso sin límites precisos. Documento las acciones que realizo en el taller cuando, gracias a la fotografía, perpetuo y luego, hago desaparecer esas puestas en escena que he preparado cuidadosamente. O bien miro a través del encuadre del visor partes de las pinturas con una lente de aumento, aislando un detalle, o proyecto una imagen encima de otra, o de un cuerpo, incluso fotografío mis herramientas de trabajo. Todo vale, todo es pertinente y, cámara en mano, me permito entender la obra como un flujo que desborda cualquier limitación impuesta por el lenguaje expositivo. La cámara fotográfica fija y pone límites a una Obra que se confunde con la vida, protegiendo así la frágil frontera entre Arte y no Arte en la que me encuentro inmersa. El ombligo del mundo habla únicamente de un centro, de un lugar desde el que puedo proyectarme como artista y vivir como persona. Es el axis mundi de toda mi obra posterior.
El uso de la cámara fotográfica me llevó a crear situaciones que se desarrollaban en el espacio, pero también en el tiempo. Gracias a ella empiezo a percibir mi trabajo como un desarrollo secuencial. La fotografía me permitió al fin valorar el proceso en detrimento de la obra terminada, del objeto final. Mi objetivo era la práctica, la práctica artística como medio para otro fin que no era la producción de objetos. Ya que el proceso nunca termina, siempre queda abierto. Cuando logras crear un objeto terminado, éste muere, se termina en sí mismo.

Cuadernos: anotar lo que no se realiza

En mi práctica, lo que logra ser objetualizado se silencia y termina por desparecer de mi proceso reflexivo, es decir, no consta en mis notas de trabajo; en cambio, lo que no logro realizar sigue siendo materia de reflexión, materia para rellenar mis cuadernos de notas. Años después de su realización, abro mis Cuadernos y decido hacerlos públicos. La proyección videográfica que muestra varios de mis cuadernos manuscritos muestra el recorrido página a página a tiempo real y nos remite al tiempo actual, al de su relectura. Convertir el archivo en obra; icono y depositario de mi memoria, de mi programa artístico, de mi imago mundi. Los Cuadernos informan de aquello que hago y de aquello que no soy capaz –o no puedo, o no se me permite- realizar. Sin embargo su ejecución es virtual, pues ocurre en verdad en el plano simbólico de la página escrita.
Tintas: una cartografía

Descubrí la tinta china a mediados de los años 80. Su práctica me llevó a cambiar el proceso de realización de una imagen respecto a lo que conocía y me habían enseñado. La pintura occidental se consuma mediante una suma de operaciones que conlleva la anticipación de lo que ocurrirá en el soporte vacío donde se ejecuta la pintura. Esos pasos requieren detenerse y calcular. Nada más contrario a la tinta china, que implica la consumación de toda esa suma de operaciones en un breve momento. Los pentimentos son imposibles. Todo el cuerpo se ve implicado en el acto de pintar. La práctica con la tinta se parece a una meditación tal y como la entienden en oriente. En occidente los rezos son réplicas de una pauta preestablecida. La meditación oriental es crear un espacio de silencio.

En ese espacio aparecía de manera obsesiva mi cuerpo. Al principio surgieron los pechos, luego bajé al vientre, después apareció el torso sin extremidades hasta que finalmente conseguí representar la totalidad del cuerpo humano mediante una estructura que más que definir su forma define su lugar, sus lugares internos y los centros energéticos que lo comunican con lo universal. Se trata de un mapa, una suma de lugares interrelacionados entre sí. El mapa permite ser recorrido dependiendo de nuestros objetivos. La posesión de estos mapas me permitieron dejar el pincel por la escoba, la tinta por las colillas.El ombligo del mundo: documentación e instalación de un proceso.

Es un suelo a modo de alfombra cubierto de colillas y ceniza. Es una instalación en progreso. En realidad son tres, mostrándose en ellas diversas partes de un cuerpo femenino. El ciclo entero ha tardado más de una década en realizarse y conservarse. Las primeras presentaciones eran sistemáticamente barridas del espacio expositivo por parte de galeristas y comisarios. La falta absoluta de medios por mi parte y la falta absoluta de fe por su parte procuraron el sacrificio repetido de varios suelos que pacientemente, durante días y días, construía con rigor a partir de los esquemas elaborados en mis tintas. El material tóxico debía ser primeramente acumulado o recolectado por mí. Después, la labor de colocación en el suelo era enorme e irrepetible. Quizá fue ésta situación, el abuso que sufrí por parte de los medios artísticos por los que transité aquellos años, la que procuró mi decisión final de incluir su destrucción como parte de mi programa. La condición para encarar tamaña operación, la de depositar una a una las colillas en la alfombra, era que al final las barrería YO misma. Barría mi trabajo con la escoba que, a modo de pincel, barría también siglos de pintura. Así nació la necesidad de testimoniar su pasada existencia con la fotografía, así como el de capturar el acto mismo de barrer, de destruir el objeto producido, mediante su registro en video.

Las colillas, residuos del acto de fumar tabaco o hierba, hablan de la respiración, del tiempo para la ensoñación, de la no-productividad, y también del desgaste, de la destrucción. Duchamp dijo "I like breathing better than working". Barrer habla del cuidado, de la renovación diaria de nuestro espacio vital. El cuerpo emergente en el suelo se convierte, mediante la barrida, en una sombra de sí mismo. A cada barrida los restos se acumulan creando formas geométricas que terminan en un montículo, en un punto central de donde nacerá otra manera de entender mi práctica, mi discurso como mediadora entre aquellas areas de la vida para las que no tenemos lenguaje aprendido. Fuego apagado, consumido, las colillas barridas darán paso a toda mi obra posterior generada a partir de los trazos de la luz. Con sus hilos invisibles la luz unirá entre ellos los objetos que pueblan nuestro vivir. Y dado este paso, me permito aceptar que las imágenes seguramente mueren acumuladas en el ámbito del archivo.

Eulàlia Valldosera

Las obras presentes en la exposición forman parte del ciclo

El ombligo del mundo.Tintas, 1990-91
Papeles realizados en su mayoría con tinta china, algunos de gran formato, con una técnica de la que tenemos pocos ejemplos en occidente

El ombligo del mundo. Archivo de imágenes, 1990-2009
Imágenes del archivo de la artista producidas antes, durante y después del proceso de creación del ciclo El Ombligo del Mundo. Son imágenes digitalizadas a partir de diapositivas, negativos, papeles y diversos documentos.

El ombligo del mundo. Documentos, 1990-2009
Selección de imágenes del archivo, realizadas entre 1990 y 1993, que se han editado en papel (impresiones glicée en blanco y negro) en diversos tamaños.

Cuadernos IV, VI, VIII (1990-91), 2007
Vídeo que muestra 3 cuadernos de trabajo de la artista, donde dibujos, diagramas y reflexiones conforman su incipiente cueepo de trabajo

El Ombligo del Mundo #3 El culo del mundo, 1991-2001
Un gran lienzo reposa en el suelo, barrido de las colillas que formaron la parte trasera de un torso femenino. La escoba, un texto, y la acción de barrer ese suelo documentada en un vídeo.

Galería Maior. Hasta el 10 de agosto. Plaça Major, nº 4 (Pollença)

James Thiérrée, cuando las nueve musas toman la escena

2009-06-30T16:08:00.000-07:00

El espectáculo total

Mago, músico, bailarín, acróbata, clown, y muchas cosas más, los espectáculos James Thiérrée (Lausana en 1974) impregnan de poesía los objetos cotidianos, creando escenarios oníricos donde todo es posible. Es como si las nueve musas, sorprendidas por el vendaval, acudieran a buscar refugio a los escenario de las obras de Thiérrée.

Au Revoir Parapluie (Adióa paraguas)

La más bella poesía en escena.

El primer espectáculo que vi de James Thiérrée y La Compagnie du Hanneton, La veillée des abysses me pilló totalmente desprevenido. Un fin de año en París con frío, poca luz y el alma herida, había comprado las entradas porque parecía interesante -y vaya si lo fue. El segundo, en realidad su primero, La Simphonie du Hanneton, me subyugó tanto que no dudé un instante en comprar unas entradas para volver a París el pasado mayo al estreno de su última creación: Au revoir parapluie. El universo de este artista y el de su compañía es el universo de los sueños y en él, la visión del circo se expresa en toda la dimensión de espectáculo total. La danza, el teatro, la habilidad, el riesgo, la música, los elementos, todo, absolutamente todo, está al servicio de crear emoción profunda en el espectador, lágrimas arrancadas por la belleza subyugante de cada fragmento de la escena. Cinco artistas en el escenario, varios y talentosísimos colaboradores e intensas horas de trabajo (y sin duda dolor, ese dolor que se esconde detrás de todo lo bello) dan vida a un espectáculo indescriptible, del que sólo se podría hablar adecuadamente siendo poeta; pues poesía pura y viva es en lo que estos magos, acróbatas, contorsionistas, equilibristas y trapecistas transforman sus habilidades. En el calidoscopio que es Au revoir parapluie puedes ver un número inexacto de piernas, cabezas y brazos cayendo en medio de un enjambre de gruesas cuerdas que ocupan en gran centro del escenario y que hace poco bailaron como una enorme falda; puedes admirarte de la fantasía trastocada de un mago que se empeña en ser mimo; a los cinco actores, devenidos en quinteto musical, contrabajo incluido; las fantásticas evoluciones de un hombre encaramado a una mecedora devenida rueda alemana y sorprendentes transformaciones de humanos en animales mitológicos y viceversa. Pero lo que embarga al espectador es la enorme dulzura de sus creaciones, su impacto directo en la emoción, el permanente entrar y salir en el sueño, el humor y la realidad. James Thiérrée y la Compagnie du Hanneton son sin duda los principales creadores del teatro-circo de este momento a caballo entre dos eras y no dejo de rogar que nuestros directores de cultura se hagan cargo de ello y hagan por que visite Madrid todas las veces que sea posible y cuento antes. Mientras tanto, no importa, porque ahora sé que si me muero iré a un cielo que será un espectáculo de James Thiérrée.
Es clown, músico, actor, dramaturgo, bailarín, pero sobre todo es de esos creadores que lo que les sobra es imaginación, el suizo, naturalizado francés, adicto a vivir entre telones, iluminación artificial y escenografías multicolores, nieto de Chaplin y bisnieto de Eugene O´Neill.

Autor Hernán Gené

La Veillée des Abysses (La víspera de los abismos)

La víspera de los abismos despega en medio de una tormenta fantástica. James Thiérrée, director, escritor y actor principal, aparece montado sobre dos escaleras de jardinería, luchando contra poderosas máquinas de viento. Con la destreza que sólo tiene un niño que creció en el circo, Thiérrée juega con los objetos cotidianos para crear un espacio en que se mueve con la elegancia y carisma de su abuelo, Charles Chaplin, estrella del cine mudo.

En el teatro de la Academia de Música de Brooklyn, La víspera de los abismos fue recibida con ovaciones en tres funciones en que se agotaron los boletos. En México se podrá participar de este circo del 23 de noviembre al 4 de diciembre en el teatro Pedregal. Creada en 2003, es la segunda obra de su companía de teatro, La Compagnie du Hanneton, que estuvo de gira con The junebug symphony de 1998 a 2002.

Con una contorsionista, un bailarín, una vocalista y un capoerista, Thiérrée monta un circo para adultos. El escenario es un barco desecho, donde convive con esos seres extraordinarios, flotando entre muebles viejos y basura mágica. Con piruetas, besos y tropiezos, los actores satisfacen ese deseo de hacer cosas que no podemos realizar, las tentaciones de la vida diaria. Escalan el portón de hierro que todos quisiéramos brincar. Se clavan como delfines a un sillón, que come a la gente. Una mujer se dobla y se mete en una maleta. Un pianista toca balanceándose en una mecedora, sólo alcanzando la mitad de las notas del teclado. Toda esa realidad paralela fluye sin sentido ni contradicción, envolviendo a todos en un sueño.

En las rutinas surreales de vodevil, que componen La víspera de los abismos, Thiérrée imita gestos modernos con la ternura del humor físico que inventó su abuelo. Es el héroe romántico al que dan una bofetada por dar un beso. Tiene piernas de sapo y brazos de hule, ojos expresivos y una cara angular que no deja olvidar su linaje.

Thiérrée ha estado en el escenario desde que tenía cuatro años y sustituía al conejo en los shows de magia de sus padres, Jean Baptiste Thiérrée y Victoria Chaplin, pioneros de Le Nouveau Cirque. De 1978 a 1994 estuvo de gira con la producción de la familia Le Cirque Invisible. A los 15 trabajó con el director Peter Greenaway, interpretando el papel de Ariel en la película El libro de Próspero (1989).

ELIZABETH COLL

Las ciudades invisibles de Pedro Cano

2009-06-25T15:12:00.000-07:00

Pedro Cano pinta las ciudades invisibles de Italo Calvino

Fedora de Pedro Cano

El proyecto de Las ciudades invisibles comenzó en 1984, cuando Pedro Cano conoció a Italo Calvino en una galería de Roma en la que el pintor exponía su obra. Un año más tarde el escritor murió y Cano coincidió poco después con su mujer, que le regaló un ejemplar de la obra que ha sido su fuente de inspiración. Durante trece años el pintor imaginó esas urbes legendarias y comenzó a plasmarlas en una serie del mismo nombre, interpretando el texto y haciendo visibles las ciudades literarias de Calvino.

“En el centro de Fedora, metrópoli de piedra gris, hay un palacio de metal con una esfera de vidrio en cada aposento. Mirando dentro de cada esfera se ve una ciudad azul que es el modelo de otra Fedora”, Pedro Cano ilustra este fragmento de las Ciudades Invisibles de Italo Calvino con una esfera de vidrio azulado, que como una enorme burbuja rodea la ciudad; a la urbe de Fedora la acompañan otras 54 metropolis legendarias: Sofronia la transhumante, Isaura la de los mil pozos, Octavia la ciudad telaraña, Diomira la de sesenta cúpulas de plata o Tamara, todas estampas de lugares imaginarios con nombres de mujer, que van saliendo a la luz y tomando forma en las acuarelas que Cano pinta a partir de la descripción que Marco Polo hace a Kublai Kan, emperador de los tártaros, sobre algunas ciudades que ha visitado.

Sofronia

El pintor recrea las ciudades de la memoria, del deseo, de los signos, las ciudades sutiles o dobles, a veces con imágenes próximas al texto de Calvino y otras con símbolos más personales, como en el caso de Despina, la ciudad a la que se puede llegar de dos maneras: en barco o en camello, y que es diferente para el que va por tierra o el que va por mar; representada por dos vasos, uno de arena y el otro de agua, o Sofronia, cuya mitad trashumante se desmonta cuando se ha acabado su tiempo de estancia en un lugar, representada por una maleta llena de cúpulas y minaretes.
Todas estas ciudades inventadas que no figuran en los mapas, son construcciones mentales de urbes arquetípicas, materializadas en los cuadros de Cano y que, como dijera Calvino, sirven de punto de partida para la reflexión, evocando a través de metáforas visuales el hábitat y los destinos del hombre; una multitud de hilos entrecruzados simbolizando las relaciones, imágenes de postales antiguas: los recuerdos, edificios reflejados en el agua: el espejismo, envoltorios y objetos rotos: los residuos o un libro, escudos y emblemas: los signos del lenguaje. A la derecha de cada imagen aparecen dos letras que corresponden a la inicial del nombre de la ciudad-mujer; en la mayoría de los casos, pertenecen a alfabetos antiguos y testimonian como dos signos con grafías distintas son en esencia lo mismo, pues tienen un mismo sonido.

Despina

Una entrada del blog alestedemadrid sobre Las ciudades invisibles de Italo Calvino, me recordó esta exposición de Pedro Cano que vi hace unos cuatro años en el Centro Cultural la Misericordia para la que escribí ese texto y me han entrado ganas de volver a recorrerlas.

El morphing Philip Scott Johnson

2009-06-21T12:33:00.000-07:00

500 Years of Female Portraits in Western Art

Women In Art from Philip Scott Johnson on Vimeo.

Repasar en menos de tres minutos buena parte de la Historia del arte.
Los videos de Philip Scott Johnson son una maravilla de la técnica del morphing. Las imágenes están tan bien seleccionadas que cuesta ver la transición entre planos. Este autor tiene numerosos videos de arte realizados con esta técnica,todos buenisimos, pero para mi éste es de los mejores.
500 años de retratos de mujeres en el arte occidental tiene en este momento 9.399.328 millones de visitas en You Tube, asi que vamos a añadirle alguna más.

Música: La Sarabande de la Suite para cello No. 1 en G Mayor, de J. Sebastian Bach.

Palma Photo 09

2009-06-17T05:56:00.000-07:00

Exposiciones de Palma Palma Photo 09

Assorted Cocktail de Martin Parr

Palma Photo 09 es una iniciativa de un grupo de galerías de Palma a la que se han sumado otros espacios públicos que busca mostrar diferentes tendencias de la fotografía contemporánea internacional. Inauguración oficial el 18 de junio a las 20 horas.

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ESPACIOS

Casal Solleric: Assorted Cocktail de Martin Parr. Este fotógrafo neoyorquino fue ganador de la edición de PhotoEspaña de 2008.Podrá visitarse hasta el 6 de septiembre.

Martin Parr habla de su trabajo

Martín Parr 1952 (Inglaterra). La mirada de Martin Parr consigue que imágenes tópicas como una taza de café o de un plato de comida sobre un mantel de colores chillones, un grupo de turistas achicharrándose al sol u objetos de dudoso gusto pasen a ser símbolos de cómo vivimos.

Espai Ramon Llull: 17 Milagroso. Babalú Ayé. Una exposición colectiva que muestra la fiesta cubana de San Lázaro. El resultado son 79 fotografías a través de ocho miradas muy diferentes, captadas entre 1984 y la actualidad.

Cristina García Rodero

La exposición es un recorrido artístico, más que puramente documental, de la festividad de San Lázaro que se celebra cada 17 de diciembre en El Rincón, Cuba. Un increíble peregrinaje en que la mirada de cada uno de los ocho fotógrafos que participan en la colectiva nos adentra en un mundo que nos puede parecer lejano y atemporal, un mundo suspendido. Así, a través de las fotografías nos sumergimos en una de las tradiciones más populares de Cuba, en que los fotógrafos nos adentran, instantánea a instantánea, en el surrealismo mágico habanero, puramente representado en la festividad de San Lázaro.

Los ocho fotógrafos que participan en este viaje colectivo a San Lázaro son: Pep Bonet (Mallorca, 1974), Raúl Cañibano (La Habana, 1961), José María Díaz Burgos (Cartagena, 1951), Cristina García Rodero (Puertollano, 1949), José María Mellado (Almería, 1966), Raúl Ortega (Ciudad de México, 1963), Alain Pantaleón (La Habana, 1980) y Miquel Torres (Mallorca, 1974). Desde la diversidad y excepcionalidad de sus miradas se nos acerca la riqueza simbólica, social y religiosa de este peculiar rito cubano.

El humo de las velas y de los tabacos se mezcla con los olores agridulces del camino. Mujeres, niños, hombres de todos los estratos se juntan como en un sólo cuerpo camino del santuario a la espera de que el santo derrame sus beneficios sobre ellos y haga que se cumplan sus deseos. Y dónde los elementos africanos y cristianos se fusionaron para crear algo nuevo, distinto, ni puramente africano ni estrictamente católico. Un culto que ha evolucionado a medida que la práctica se ha extendido y que han permanecido vivo y cambiante hasta hoy. Este conjunto de fotografías despierta nuestra curiosidad y fascinación por un rito vivo que sobrepasa una concepción puramente religiosa.

Jordi Feixa, comisario de la exposición

Galería Maior: Persona. Presencies humanes en la fotografia contemporània. Persona reúne los trabajos de diferentes artistas bajo el denominador común de la presencia humana. Obras de Pilar Albarracín (Sevilla, 1968), Helena Almeida (Lisboa, 1934), Amador (Pollença, 1957), Vanessa Beecroft (Génova, 1969), Daniel Canogar (Madrid, 1964), Carmela García (Lanzarote, 1964), Alberto García-Alix (León, 1956), Núria Marquès (Ciutadella, 1975), Aina Perelló (Pollença, 1976), Santiago Sierra (Madrid, 1966) Tim White-Sobieski (Nueva York, 1961)

Pilar Albarracín (Sevilla, 1968), artista multidisciplinar que trabaja la performance, el video, la fotografía, la escultura y las instalaciones, inserta gran parte de su creación en una investigación sobre la ausencia de la mujer en la sociedad española. Imágenes aparentemente neutras y dóciles, inspiradas en el folclore, como la de una mujer vestida de faralaes, sirven para construir una narrativa en la que desvela la violencia de género y desmonta los roles asignados.
Helena Almeida (Lisboa, 1934) desarrolla en su obra una reflexión en torno a la presencia, la soledad, la comunicación y los sentimientos empleando su cuerpo como punto de partida. Sus series fotográficas recogen unas acciones en las que, a medio camino entre la performance y el body art, ejerce de modelo, siendo así tanto la autora como el objeto de la mirada. Como afirma la propia artista: "mi obra es mi cuerpo, mi cuerpo es mi obra".

Amador (Pollença, 1957) ha centrado su trabajo en la presencia humana, que toma cuerpo de múltiples formas a través de las diversas disciplinas por las que transita su obra. Ya sea por medio de las conocidas Germinacions, figuras antropomorfas literalmente cultivadas en la tierra, las esculturas de resina y bronce, o las fotografías sobre varios soportes, lo humano, insinuado o explícito, se presenta en relación con su entorno.

Vanessa Beecroft (Génova, 1969) es conocida por sus elaboradas performances, en las que enfrenta al espectador con la presencia de un gran número de mujeres jóvenes, habitualmente desnudas, despojadas de su individualidad por medio de unos atuendos, maquillaje y peinados idénticos, que las convierten en objetos para ser contemplados, pese a tratarse evidentemente de personas. Las acciones de Beecroft son recogidas en vídeos y fotografías que constituyen obras autónomas.

Daniel Canogar (Madrid, 1964) emplea la tecnología para cuestionar su presencia y su impacto en nuestra sociedad, en una relación directa con las personas que se expresa, bien por medio del exceso y la saturación (en paisajes de desechos en los que yace una persona exangüe), bien por medio de una angustiante ingravidez en la que se pierde todo punto de referencia y no hay posibilidad de asentamiento. Las imágenes que construye Canogar se plasman así en fotografías e instalaciones que se mueven entre lo sólido y lo etéreo e inestable.

Carmela García (Lanzarote, 1964) plantea una reflexión en torno al género y la identidad por medio de series de fotografías, pinturas, videos e instalaciones que persiguen una actualización de la imagen de la mujer más allá de los estereotipos perpetuados por la tradición pictórica y los medios de comunicación. Imágenes que rompen tabús, plantean nuevas miradas y en definitiva abren una nueva ventana hacia un universo femenino tan real como fictício.

Alberto García-Alix (León, 1956) es un maestro del retrato, que plasma en su personalísima mirada a los habitantes de una urbe en la que se cruzan los personajes más diversos. Su acercamiento a las personas que retrata es único e íntimo, ya se trate de músicos famosos, moteros, yonquis o prostitutas. Las fotografías desprenden una impresión de cruda realidad, siendo al mismo tiempo casi románticas en su belleza y el aura melancólica que las impregna.

Núria Marquès (Ciutadella, 1975) explora las pasiones reprimidas y el deseo de huir hacia paraísos artificiales que constituyen los pilares de la neurosis colectiva que es la sociedad contemporánea. A fin de dorarle la píldora al espectador, viste mensajes duros con formas inocentes, casi infantiles, que pueblan su universo plástico a modo de personajes recurrentes. En su trabajo más reciente, emplea la fotografía para extender los motivos desarrollados en el dibujo a la imagen de una persona real, que se convierte de esta manera en un personaje de ficción.

Aina Perelló (Pollença, 1976) construye ficciones por medio de fotografías en las que ella misma protagoniza una cuidada escenificación que contiene en sí misma toda una historia. Por medio de estas series, la artista crea narraciones fragmentadas en las que es el espectador quien especula acerca de la identidad de la persona que aparece en las imágenes, así como de sus motivaciones y el futuro desarrollo de la escena representada. Siendo siempre la misma artista quien interpreta todos los papeles, deja claro que estas fotografías no son sino ficciones orquestadas con el fin de plantear un cuestionamiento de la propia imagen fotográfica.

Santiago Sierra (Madrid, 1966) reflexiona en su obra sobre la condición de la persona en su relación con la sociedad y las estructuras del poder. Por medio de fotografías, acciones e instalaciones, Sierra lleva a puntos extremos la experiencia humana, forzando a un replanteamiento de las relaciones entre el individuo y la sociedad. El blanco y negro es característico en el trabajo del artista, que elabora un mensaje duro e impactante, que se mueve entre el realismo documental y la frialdad del arte conceptual.

Tim White-Sobieski (Nueva York, 1961) es conocido por su trabajos en fotografía y video en los que elabora escenas oníricas y sugerentes. White no se limita a demostrar su maestría en la coreografía de estas escenas, sino que también domina una amplia gama de técnicas fotográficas. Juega hábilmente con diversas fuentes de luz, usa la doble exposición, el montaje y la solarización para elaborar imágenes únicas de una fuerza impactante. Cada imagen coreografiada se ensambla , con otras para crear una impresión de movimiento, que junto a diversas referencias fílmicas conecta las fotografías con un mundo ficticio, anclado en nuestra conciencia cultural colectiva.

Galería Xavier Fiol: Colectiva con fotografías de Joan Fontcuberta, Xisco Bonnín y Cecilia Paredes.

Auschwitz de Fontcuberta

Fontcuberta (Barcelona, 1955. Gran parte de las creaciones de Fontcuberta son una reflexión sobre la naturaleza de la fotografía y su valor narrativo o documental. Son siempre propuestas tendentes a fomentar la sospecha, a ver más allá de los tópicos, de las apariencias o de ciertos enunciados que normalmente no se cuestionan. En el caso concreto de la fotografía, uno de sus mitos es el de la autenticidad, que identifica en cierta medida a este medio con la verdad. Fontcuberta lo cuestiona y nos muestra lo relativamente fácil que resulta manipularlo, sobretodo hoy en día, en que a través de la técnica digital pueden hacerse maravillas.

Xisco Bonnín (Palma de Mallorca 1967). Su trabajo fotográfico se ha centrado en la abstracción y en la experimentación , y sobre todo en la urbe, siendo ésta la protagonista de su obra. La ciudad como el paisaje contemporáneo por excelencia, donde confluyen todos los contrasentidos de nuestra época.

Cecilia Paredes.

Cecilia Paredes (Lima, 1950). Su trabajo explora la superficie sensual en la que el cuerpo se confunde deliberadamente con la naturaleza y la naturaleza con el cuerpo.
A través de una elaborada puesta en escena y sirviéndose del tratamiento digital, Paredes nos introduce en la búsqueda de una parcela de identidad que el ser humano parece haber olvidado: su condición animal y su pertenencia a la naturaleza.

Galería Ferran Cano: Caragols de Joan Sastre, una serie fotográficaque arranca del año 97.

Galería Horrach Moyà: Sombras de Montserrat Soto.
Montserrat Soto (Barcelona,1961). Su obra, desarrollada a través de fotografías e instalaciones en diferentes series, se ha centrado en el espacio, el lugar y el paisaje, con el vacío como elemento preponderante.

Joanna Kunstmann: Vietnam de Hans Christian Schink, fotógrafo alemán especializado en paisaje.

Galería Jule Kewenig: Marcelo Viquez con Sport-me Baby.

Aba Art Contemporani: We got it de Antoni Bernad, fotógrafo de moda.

Joan Guaita Art: L´Air du temps. Veinte años de fotografía en Joan Guaita Art. Desde Oppenheim a René Peña.

Sala Pelaires: Homework los últimos trabajos de Blanca Pérez-Portabella.

Capilla de la Misericordia: Hot Wheels de Marcelo Viquez.

Amb aquesta obra Marcelo Viquez descriu com un nen intenta llevar-se un passamuntanyes sense èxit.Viquez ens descriu una experiència autobiogràfica com pare adoptiu per un mes d'un nen provinent d'un orfenat rus. El missatge és clar, el nen no pot escapar al seu destí. Malgrat les mostres d'afecte rebudes a Palma, de l'experiència de “nen normal a una família normal” - el títol de l'exposició Hot Wheels, respon al nom de la joguina preferida del nen, i màxima de la seva voluntat en el mes d’estada a Palma - el nen accepta tornar a l’asil d’orfes, guiat per una sèrie d'expectatives de dubtosa autenticitat.

En la forma l'artista fa referència al conte de Julio Cortázar “No se culpe a nadie”, del llibre “Final de Juego”, en el qual el protagonista intenta desesperadament llevar-se un jersei. El jersei li atrapa i converteix al seu cos en un enemic per ell mateix. L'angoixa de no poder passar-se la peça hivernal fa que la seva ment li traeixi i vegi al seu propi cos com una amenaça.

Presentant-nos Hot Wheels en 8 fotografies de gran format i un vídeo en loop, Viquez és fidel al seu estil: imatges estàtiques i gairebé monocromes, amb una forta càrrega emocional. El vídeo ens presenta una imatge tragicòmica: un loop d'aquest esforç inútil que, entre joc i desesperació marca la destinació del protagonista. El nen dóna voltes al passamuntanyes però no fa el gest lògic que li lliuraria d'ell, i manté a l'espectador en suspens que espera inútilment que arribi el moment alliberador. Les vuit fotos preses durant la mateixa sessió d'enregistrament del vídeo, són moments documentats de l'acció. Actual com sempre en els seus temes, l'artista ens parla de “destí dirigit”, d'injustícia social, de sistema de classes, de manipulació soci-econòmica. L'educació com a base social, com a germen del desenvolupament d'una comunitat. Tota una situació política i social, queda reflectida en la vida d'un nen, l'educació del qual està basada en la doctrina de la fe cega en l'autoritat (en aquest cas de l'estat rus), que genera adeptes que no qüestionen la seva legitimitat.
Mercedes Estarellas

Caixafórum: Potes, empremtes de L´evolució de Ingo Arndt, de la revista Geo.

Museu Es Baluard: Taller fotografico a cargo de Bruce Tilden, fotógrafo de la agencia Magnum.

Fundació Pilar i Joan Miró: Visionaris 09 organizado por el colectivo Mallorca Samakineta.

ROOM PHOTO /09

ARTISTAS: Anka Manshusen / Pepe Cañabate / Valls Palmer
ANKA MANSHUSEN
Bremerhaven, Alemania, 1965

Woody Allen eligió directamente la serie 'Inner Garden' de esta fotógrafa afincada en Sitges (Barcelona), obra modular de gran tamaño que mezcla el color con el blanco y negro, para que apareciese de fondo en la escena del filme "Vicky Cristina Barcelona" en la que los personajes de Javier Bardem y Scarlett Johansson se conocen en la Fundació Tàpies de Barcelona.

Manshusen, que ha expuesto en varias ciudades españolas, se trasladó a Barcelona después de estudiar pintura, fotografía y artes plásticas en Hamburgo.

PEPE CAÑABATE
Palma, 1952
El artista mallorquín comenzó a exhibir su obra en público en 1987 y desde entonces la ha mostrado en diversas exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Madrid y diversas localidades de Mallorca, isla de la que es oriundo.
Algunas de sus obras están expuestas en el Ayuntamiento de Palma, en el Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, y en el centro de cultura de Sa Nostra en la capital mallorquina. Cañabate está en posesión de la Menció Honorífica en la I Bienal de Fotografía de Barcelona y del premio a la mejor colección de fotografía de los premios Ciutat de Palma, entre otras distinciones.

VALLS PALMER
Palma, 1961
Arquitecto, fotógrafo, insiste en que su fotografía no es mas que un lienzo sobre el que el pintor trabaja. La fotografía junto a su posterior manipulación es el medio de expresión de sus visiones plásticas. Huye de la realidad y crea objetos abstractos y conceptuales a la par que mundos paralelos.

Galería Carlos Roldós hasta el 11 de Septiembre de 2009. Calle Puigdorfila, nº4.

Los seres que se abren al vacío y otros trabajos de Antoni Caimari

2009-06-15T23:55:00.000-07:00

Doble exposición de Antoni Caimari

Esculturas en Galería Coll

La mayoría de sus esculturas representan seres que se abren al vacío, como si para flotar necesitaran eliminar del espacio todo lo superfluo, despojando a la materia de su peso para convertirse en formas casi aéreas.

Calamar, Pájaro violín, Libélula o Estructura espacial, son algunas de estas obras trabajadas con metal, principalmente hierro soldado, en las que acostumbra a ensamblar elementos usados del mundo rural, como pueden ser ruedas de carro, tuberías de riego o canjilones de noria. La mezcla da como resultado un tipo de escultura orgánica, que nos traslada al mundo del futuro, a un territorio híbrido habitado por animales y vegetales máquina. En muchas de sus creaciones, es como si el óxido de los objetos y materiales de desecho hubiese mutado y adquiriera vida propia, convirtiendo los vestigios en extraños seres biomorfos que se elevan en un equilibrio dinámico. Muchas de las piezas que parecen levitar.

Sus primeros trabajos se remontan al año 1989, cuando comenzó a realizar esculturas cinéticas, al estilo del artista suizo Jean Tinguely, en las que combinaba el movimiento y el happening, involucrando al espectador en su obra. En esta primera etapa, Caimari realizó una serie de piezas cinéticas sobre el mundo infantil, destinada a las Naciones Unidas y un conjunto, llamado Planetario, sobre el movimiento del sistema solar. Posteriormente comenzó a integrar en sus creaciones el mundo de la informática y de la tecnología, y así surgieron proyectos como "Centrifuga", en el que un gran ordenador construido con piezas de deshecho simulaba ser una maquina del tiempo. La estructura funcionaba como una computadora, y al tiempo que giraba en su parte externa, en el interior disponía de conexión a Internet, como una forma metafórica de paso a otra dimensión.
El biomorfismo, el movimiento y la transformación de los materiales, han estado y continúan presentes en mayor o menor grado en toda su obra. En sus comienzos realizó esculturas cinéticas, en muchas ocasiones de carácter lúdico, como una gallina que se paseaba interactuando entre el público; posteriormente las piezas se han quedado estáticas, pero aunque físicamente permanezcan quietas, su composición tiende al movimiento.
Los engendros, los seres híbridos, la amalgama del pasado y el futuro son temas recurrentes, que aparecen de una u otra forma en sus creaciones. El ciclo se completa y vuelve al origen. Caimari explica que sus esculturas más recientes siguen una línea que comenzó en el año 93 con “Bestiari” y continuó a finales de los 90 con “Essers” o el “Arca de Noe”, y no descarta, en el futuro, volver a incorporar el movimiento en algunas de sus piezas.

Galería Delfos
Pintura,fotografía y vídeo

Antoni Caimari (Sa Pobla, 1976)

Esculturas en la Galería Coll Aguilar. Call, 4 (Esquina Santa Clara)
Pintura y Fotografía en la Galería Delfos. Sant Alonso, 12 A bajos
Inaguración dia 18 a las 20:00 horas
Del 18 de Junio al 12 de Julio de 2009

LacrimogräficaShow de Julià Panadès

2009-06-10T08:49:00.000-07:00

Projecte Noves Presències Addaya Centro de Arte Contemporáneo

"Mi trabajo va desde el collage, la ilustración y la fotografía al video y la animación. Mis fuentes de inspiración son la cultura popular, el diseño, la moda, la música, las fotos antiguas, la arquitectura y el arte Dadaísta entre otras. Me gusta expresar mi mentalidad crítica, social y ecológica que reivindica el papel de un artista activista.
Mi trabajo muestra en ocasiones un mundo personal y onírico donde entran en juego vivencias y sueños. Una constante en él es la creación de personajes misteriosos y futuristas. Algunos de estos personajes critican los ideales estéticos impuestos por los medios publicitarios, y la influencia de estos sobre la sociedad. Llevando a las personas a los complejos y al sufrimiento por no conseguir estos falsos ideales".

Julià Panadès (Palma de mallorca. 1981)

Addaya Centre d’Art Contemporani - C/ Alexandre Rosselló, 10, Alaró.
Del 12 de junio el 26 de julio

Francisco Santa Cruz. La vanguardia oculta

2009-06-05T02:12:00.000-07:00

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid expone la obra, casi inédita, de Francisco Santa Cruz

La exposición Francisco Santa Cruz (1899-1957). La vanguardia oculta refleja ya desde su título el aspecto desconocido del personaje, del artista y de su obra, que por primera vez se puede contemplar de forma extensa en Madrid, ciudad, junto con su Sigüenza natal, donde vivió y desarrolló gran parte de su trabajo. También en Madrid conoció a numerosos artistas y escritores que han marcado uno de los momentos más intensos de la cultura artística española contemporánea, en el primer tercio del siglo XX.

Con esta exposición, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid promueve el acercamiento a la trayectoria y la obra, casi inédita, de Francisco Santa Cruz componente de aquel numeroso grupo de artistas que se movieron en el tiempo de las vanguardias históricas, entre 1907 y 1936.

Residente en Madrid desde 1915, un lustro más tarde, y ya decidido a ser pintor, empezó a relacionarse con los medios de la incipiente vanguardia capitalina. Pronto integró junto con sus colegas Francisco Bores y Carlos Saénz de Tejada y con el poeta Miguel Pérez Ferrero –quien dijo de él que “cultivaba con talento el dibujo y la pintura más en diletante que como profesional”- un interesantísimo cuarteto de inseparables, que tenía como epicentro el café Saboya.

En 1923 expone en el noveno Salón de los Humoristas organizados por el crítico José Francés. En 1925, participa en la importantísima exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, cuyo manifiesto firma junto con Manuel Abril, García Maroto o Joaquín Sunyer, entre otros. Allí expuso sus obras compartiendo sala con Salvador Dalí, Francisco Bores y Carlos Sáenz de Tejada. En la víspera de la proclamación de la Segunda República, inaugura su primera y única exposición individual en el Lyceum Club de Madrid y ese mismo año funda, junto con Emiliano Barral, Rafael Botí, José Renau, Enrique Climent, Moreno Villa, Puyol, Rodríguez Luna, Cristino Mallo y Santiago Pelegrín, la Agrupación Gremial de Artistas Plásticos (AGAP), promotores del Manifiesto dirigido a la opinión pública y a los poderes oficiales. En 1932 es seleccionado para participar en las exposiciones de la SAI en Copenhague (1931) y en Berlín (1933). Como tantos artistas, escritores, poetas e intelectuales del momento, frecuentó la Residencia de Estudiantes, donde conoció a Buñuel, Alberti, Lorca o Gerardo Diego. Como escenógrafo y cartelista realizó algunas obras para los decorados y el vestuario de La Argentinita. De su etapa de la Guerra Civil se exponen algunos fotograbados realizados a partir de dibujos originales a pluma dentro de esa estética realista y crítica, combativa, del momento.

Su actividad como ilustrador fue amplísima, colaborando en numerosas revistas: Vértices, Cosmópolis, Atlántico, Manantial, Parábola, Plural, Tobogán o La Gaceta Literaria de Jiménez Caballero, o en las páginas literarias del El Heraldo de Madrid o Blanco y Negro, Nuevo Mundo o el Almanaque Literario 1935.

La exposición Francisco Santa Cruz. La vanguardia oculta muestra un conjunto de 125 obras, entre óleos, dibujos, ilustraciones, figurines y fotograbados, organizado cronológicamente, más documentos, fotografías y revistas en vitrina, que retratan un panorama muy completo de su actividad artística, cuya estética evoca varias de las claves vanguardistas de la época: la corriente ultraísta, el neocubismo, el surrealismo y el realismo crítico de los años de la Guerra Civil.

Un extenso catálogo que recoge toda la obra expuesta, con textos del comisario de la exposición, Juan Manuel Bonet, y de Alicia Davara y Lorenzo de Grandes, descubridores de este artista “oculto”, que han fijado su trayectoria artística y una cronología exhaustiva, supone un inmejorable punto de partida para acercarnos a la obra y a la vida de Francisco Santa Cruz, artista ahora felizmente recuperado de nuestras vanguardia históricas en Madrid.

Alicia Davara y Lorenzo de Grandes han sido los redescubridores de este pintor e ilustrador vanguardista casi olvidado. Los periodistas preparaban un libro de encargo sobre los pintores que habían pasado por Sigüenza (Guadalajara) y así supieron de la existencia de Santa Cruz, del que sólo se conservaba un cuadro, 'Cazadores de jirafa'. "Nos pusimos en contacto con el crítico Juan Manuel Bonet, que se entusiasmó ante la idea de rescatar su obra", explica Lorenzo de Grandes.
Durante tres años estuvieron investigando el paradero de su obra, buscando en las hemerotecas referencias de sus exposiciones, hablando con familiares y siguiendo la pista del círculo que frecuentó. Supieron que un familiar que vivió con él conservaba parte de ella y así llegaron a Fuentes Claras, un pequeño pueblo de Teruel donde vivía el sobrino de Santa Cruz. Aquí, en la casa de Ricardo Serrano, encontraron perfectamente conservada gran parte de su obra.

Del 27 de mayo al 4 de octubre de 2009, en el Museo de Arte Contemporáneo, sala de exposiciones temporales Espacio Dos.

Atelier CRISIS en la Casa del cactus

2009-06-04T14:46:00.000-07:00

C.R.I.S.I.S.: Crea, Reformula, Imagina, Siente, Inventa, Simplifica.

Acción + libro

Igual que pasó con conceptos como “sostenibilidad”, el termino de moda “crisis” se ha vuelto a rodear de una monocroma indefinición. En el camino de la expresión creativa, la realitat nos afecta y nos obliga a observar con todos nuestros sentidos qué está pasando realmente y si se justifica éste estado de fatalidad.
Atelier CRISIS es un container de ideas, donde gente muy diversa ha sido invitada a colaborar y a exponersu sensibilidad, su acción, y su lucha. Un poliédrico ejemplo de como cada idea, cada diseño, cada reflexión, cada intervención valiente en el mundo nos separa de quienes han provocado la crisis, porque en definitiva es su crisis.
Por eso, sintiendo la creación como algo genuinamente humano, Atelier Crisis se reune para presentar voces expresivas diversas como “metáfora real” de la tercera Ley de Newton: Para cada acción, hay una reacción igual y opuesta.
Frente a un estado de desconfianza y temor, se convoca Atelier CRISIS, donde la situación acctual se enfoca como una expressión positiva de evolución, como un desafío al miedo. La ecuación que te ofrecemos se resume en el acrónimo C.R.I.S.I.S.: Crea, Reformula, Imagina, Siente, Inventa, Simplifica.

Un proyecto de/ un projecte de LACASADELCACTUS (Illes Balears)
carles gispert, marc masmiquel, jordi martínez, au ments, bita bennasar.

concepto/ concepte
carles gispert, marc masmiquel
performance panorama 09
tomeu gomila, andrea cruz (au ments)
producción/ producció
Pnrm / Direcció General de Cultura Govern Balear

colaboradores libro/ col·laboradors llibre
ernest abentín, david abril, rafa adrover, au ments, rafiq azam, basurama, ruedi baur, frei betto, maria eva blotta, vicent boix, xisco bonnin, miguel brieva, büro destruct, patricia buraschi, santiago cirugeda, el cartel, centre d'estudis d'educació corporal, camilo cela, álvaro collar, confédération paysanne du congo, david curto, ramón chao, fang chen, noam chosmky, ignacio decouse, asher degroot, democracia, derivart, dextro, doma-tv, enric duran, marcel eichner, maryam enayati, blanca escuin, flou flou, forniture, lluis fuster, cyro garcía, josé luís garcía, carlos garrido, richard gott, el kofla, stepan krasnov, walter laupichler, joseph e. ledoux, andrés lofiego, llonovoy, m-city, guy r. mcpherson, óscar mora, susana muñiz, ivan murray, niho the kid, ol3, pedro oliver, phunk studio, carolina pino, ppp, martí prats, pedro ramiro, erika gonzález, daniel raventós, rebar,manuela redondo, andoni sarriegi, jaume simó, sindinero.org, carlos taibo, takuara renda, danilo tayopanta, todo por la praxis, keiko uenishi, federico vázquez, vitamin green, yongkiat karnchanapayap.

John Singer Sargent

2009-06-02T14:54:00.000-07:00

Palma acoge mañana la presentación del libro de Meredith Martindale "John Singer Sargent en Mallorca" y una muestra pictórica complementaria con obras de artistas que coincidieron en el tiempo con el pintor americano durante su estancia en la isla.
La iniciativa, impulsada desde el Ayuntamiento de Palma, permitirá además contemplar la única obra de Sargent que queda en Mallorca y que forma parte de una colección privada. Una buena parte de las obras de esta muestra muestra provienen del legado Balaguer.

Lugar: Can Bordils. C/ Almudaina nº9, Palma.

Palmitos, 1917
Acuarela sobre papel. 71 x 57 cm

Self as Subject and Object de Diana Coca

2009-06-02T12:04:00.000-07:00

Exposición fotográfica de Diana Coca en la Galería SKL

Exposición

Diana Coca presenta en la Galería SKL cuatro series de fotografías en blanco y negro realizadas en Nueva York, Arlés y Madrid, gracias a la Ayuda de Matadero Madrid y La Casa Encendida.
La artista trabaja en secuencias narrativas dado el carácter preformativo de su obra: ‘La sencuencia me ayuda a conseguir la sensación de movimiento y acción desboradada que necesito para transmitir tensión y ver cómo reacciona el cuerpo ante ella. El cuerpo sufre la deformación proporcional a la tensión que aplico sobre el mismo, tal como describe la Ley de la Elasticidad recogida en la Física. Mis imágenes están llenas de contradicciones: por un lado me presento como objeto ante el espectador, mientras soy el sujeto que las ha realizado; utilizo posturas del yoga que se utilizan normalmente para concentrar la mente y absorverse en la meditación, para crear tensión y ansiedad.’

SELF AS SUBJECT & OBJECT (SERIE LAST DINNER)
Son mis trabajos autobiográficos o son un performance ante la cámara? Soy objeto, sujeto o ambos? Cual es la línea entre lo público y lo personal, lo íntimo-social, individual-grupal interior-exterior, material-emocional, figurativoabstracto,real-virtual, cuerpo-pensamiento? Me apasionan piernas, pies y tacones de aguja, mis fetiches preferidos. Inspirada en las pin-up de los años 50.
Técnica: fotografía realizada con cámara analógica de formato medio Hasselblad (negativo de formato 6 x 6’), el negativo en blanco y negro escaneado con escaner de tambor y, luego, la fotografía está impresa con pigmentos minerales en papel arte baritado digital.

VIEWS FROM HOME
La casa es un lugar donde proyectamos emociones, sensaciones, sueños y deseos. Durante mi estancia en Nueva York fotografíe los espacios domésticos donde viví y, cuando recurro a la memoria para recordar la experiencia, me encuentro con que es tan ficcional como real. A momentos me encuentro extrañamente en soledad, dentro de escenarios siniestros de películas de cine negro.
Técnica: fotografía realizada con cámara analógica de formato medio Hasselblad (negativo de formato 6 x 6’). La fotografía está impresa en papel baritado, a través del proceso químico tradicional en el laboratorio. Copia de autor.

ARLÈS BRUTO
Búsqueda de la tensión. El cuerpo sufre la deformación proporcional a la tensión que aplico sobre el mismo, tal como describe la Ley de la Elasticidad recogida en la Física. Juego con la inocencia y la perversidad al mismo tiempo, otra vez trabajando con mis fetiches favoritos, que me ayudan a desequilibrarme ante la cámara, siempre con Jimmy Hendrix de banda sonora.
Técnica: fotografía realizada con cámara analógica de formato medio Hasselblad (negativo de formato 6 x 6’). La fotografía está impresa en papel baritado, a través del proceso químico tradicional en el laboratorio y está virada al selenio. Copia de autor.

FUERA DE ORDEN II
Utilizo posturas del yoga, que normalmente se realizan para concentrar la mente y preparar el cuerpo a la meditación, para crear tensión y ansiedad. Intento explorar las infinitas posibilidades de movimiento del ser humano, en paralelismo con las infinitas posibilidades mentales del mismo. Los movimientos corporales más simples pueden contener misterios tan difíciles de descifrar como el pensamiento. Inspirada en Francis Bacon.
Técnica: fotografía realizada con cámara analógica de formato medio Hasselblad (negativo de formato 6 x 6’). La fotografía está impresa en papel baritado, a través del proceso químico tradicional en el laboratorio. Copia de autor.

Sobre la autora
Diana Coca (Palma de Mallorca, 1977), vive y trabaja en Madrid. Ha expuesto indvidualmente en Palma de Mallorca y Roma. Por su carácter experimental y de continua investigación, su trabajo ha sido apoyado por La Academia de España en Roma, La Casa Encendida, la Universidad de Alcalá de Henares y Matadero Madrid, habiéndole concedido este último una beca de tres meses de estancia en Nueva York, donde realizó cursos de fotografía en el International Center of Photography y de performance en el Movement Research NY.

La exposición podrá visitarse desde el 5 de junio hasta el 17 de julio de 2009 en SKL

Chema Lumbreras, lo que los cuentos infantiles ocultan

2009-05-20T09:08:00.000-07:00

Tres artistas ciegos

En sus pinturas y conjuntos escultóricos de pequeño formato, Lumbreras crea un mundo de ficción en el que elabora, bajo la engañosa apariencia de una escena de cuento infantil, un potente discurso metafórico. Personajes híbridos entre lo humano y lo animal ilustran las más bajas pasiones del individuo contemporáneo y los desequilibrios de un mundo globalizado. La reducida escala de las figuras sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, que comunican a la vez una sensación de fragilidad e insignificancia del ser humano. Tanto en las esculturas como en las pinturas, el artista malagueño nos presenta un fragmento de una narración que el propio espectador se encargará de completar.

Amor loco

Entrevista a Chema Lumbreras en el ABC de las Artes y las Letras

El CACMálaga se ocupa del trabajo objetual de Chema Lumbreras, una obra frágil, en constante equilibrio, realizada a partir de objetos cotidianos y pequeñas historias

Javier Díaz-Guardiola

Las esculturas e instalaciones de Chema Lumbreras (Málaga, 1957) sorprenden en un primer momento por su tamaño -una escala que nos convierte en gigantes-, su fragilidad y su poesía. Sin embargo, cuanto más se permanece ante ellas, la profundidad de su mensaje más se despliega ante el espectador. El CACMálaga, «empeñado» también en promocionar el joven arte andaluz, se centra en la faceta tridimensional de un artista que no ha dejado nunca de experimentar con las técnicas para aprender algo más sobre sí mismo.

La exposición del CAC se ocupa de sus instalaciones y sus trabajos más objetuales. Sin embargo, usted también cultiva la pintura y el dibujo. ¿Qué imagen de Chema Lumbreras se pretende dar con esta cita?
En principio, la muestra se centra en mis trabajos escultóricos, los más objetuales, junto a tres instalaciones. Esta era la obra que mejor se acomodaba al espacio del centro, un receptáculo muy alargado en el que no veía mi pintura. Las obras, hasta un total de catorce, son todas ellas muy cercanas en el tiempo, arropadas por un montaje específico para la sala. Ellas comparten mi interés último por unos materiales muy pobres como son el papel higiénico y el alambre, de los que nacen personajes esteriotipados, casi sin rasgos, junto a un uso específico de los objetos cotidianos.

Tanto en su obra escultórica como en la pictórica destaca su sentido de lo espacial.
Ahora me estoy centrando en una escultura de escalas muy pequeñas, frente a unas piezas anteriores en la que la escala era mucho mayor y la presencia de la obra muy contundente para el espectador. En estos momentos prefiero trabajar con estos pequeños formatos en los que el que observa está por encima de la obra. Tarkovski, el director de cine ruso, solía referirse a la percepción de lo cinematográfico de su colega japonés Mizoguchi como la de un pájaro que mira el mundo desde lo alto. Por ahí iría el sentido de la escala de en mi trabajo actual. Ella convierte al espectador en protagonista del hecho, de lo que sucede en la obra.

¿Le define lo fragmentario?
Yo creo que sí, pero porque en los tiempo que vivimos la fragmentación es una de las notas dominantes del mundo moderno, tan complicado, tan disperso, compuesto por mil elementos imposibles de unir. Una de las misiones del artista es conseguir juntar todos esos fragmentos, aunque yo creo que casi siempre se fracasa en el intento. Trato de aproximarme al mundo que me es más próximo, lo que convierte muchas de mis temáticas en casi anécdotas, algunas más de largo alcance, pero basadas en elementos cercanos. Me considero, en definitiva, un contador de pequeñas historias, historias que parten de una mirada subjetiva que es la mía, pero que se complementan y completan en el espectador. El arte debe generar preguntas, más que respuestas.Tengo incluso obras cuyo significado desconozco, pues parto de imágenes mentales que interrogo y que intento llevar por un sitio o por otro, sin que eso se consiga siempre.

¿Eso significa que su trabajo es más intuitivo que razonado?
Parto muchas veces de elementos icónicos, de ideas que a veces no resuelvo a nivel formal, pero que quedan ahí, y pueden reaparecer con el tiempo. Las imágenes que me interesan son muy intuitivas y no suelen venir del exterior; suelen ser, incluso, anteriores a la palabra. Yo creo mucho en el pensamiento visual: la imagen es la que va sugiriendo los argumentos.

Miremos más a largo plazo. ¿Cómo cree que ha ido evolucionando su trabajo?
Yo empecé con la pintura, aunque en realidad he hecho de todo: foto, dibujo, escultura, instalación... Siempre me tomé todo esto como un ejercicio de aprendizaje. Es ahora cuando estoy obteniendo resultados, cuando las cosas comienzan a tener sentido después de mucho tiempo. Cuando se es joven, uno cree que tiene las cosas más claras. Ahora, a medida que se avanza, te das cuenta de que te quedan muchas cosas por aprender. No obstante, ahora me siento más seguro a la hora de enfrentarme a la obra y con un cierto conocimiento sobre mí mismo y lo que hago.

Ese transitar por las diferentes técnicas, ¿ha sido lineal?
Ha sido siempre muy de entrar y salir. Nunca he sido una persona lineal. Soy el anti-estilo. Cuando miro atrás veo muchísima fragmentación e incoherencia en mi obra. No quiero decir como hacen muchos que el nexo de unión, que la coherencia es interna. Para mí, trabajar ha sido siempre una forma de aprendizaje: era necesario quemar una serie de etapas, y seguro que algo he sacado de aquí y de allá. Por eso, aunque en Málaga se presenten esculturas e instalaciones, no es imposible volverme a ver pintando. No cierro ninguna puerta, y eso que siempre he trabajado la pintura desde la cuerda floja, encontrándome muchos problemas a la hora de decir cosas desde esta técnica. No era entonces la pintura la que estuviera muerta, sino yo mismo. El arte en general trabaja con elementos muertos a los que el artista tiene que darles vida. n

La crítica habla de la ironía como otro de los ingredientes clave de su trabajo, una «herramienta para el conocimiento».
Utilizo la ironía porque tengo que analizarme a mí mismo, y porque yo soy el primero del que me tengo que reír. Esa es una verdadera forma de conocimiento. Con el tiempo me gustaría no ser tan irónico, tener un humor más fino. Como todo ser humano, a veces soy más irónico, más cáustico, más cínico... Pretendo alcanzar una sutileza mayor, aunque por ahora me quedo con la ironía.

¿Son las obras tan frágiles como aparentan? ¿Dónde reside su rotundidad?
Son frágiles, en el sentido de que están hechas de papel, de alambre... Pero son rotundas porque convierten al espectador en protagonista. Es la presencia más importante y la que da sentido a la fragmentación de elementos.

¿Se puede hablar de determinados fetiches, mensajes, símbolos u obsesiones que le sigan?
Podría ser. La gente habla mucho de un elemento sexual muy fuerte en mi trabajo, algo que ni siquiera yo me planteo cuando desarrollo una pieza. Obsesiones más conscientes son mi preocupación por determinados temas, como la muerte o la enfermedad. La instalación La farmacia de Platón es un buen ejemplo.

Adios

Galería Maior - Palma; Can Sales, 10 Palma de Mallorca. Hasta el 15 Junio de 2009.

Ciudadano Ilegal

2009-05-13T14:25:00.001-07:00

Próxima convocatoria de Ciudadano Ilegal en S'Arc el sábado 16 de mayo

Plaza Banc de s'Oli

Into the white de Kira Ball

2009-05-05T09:51:00.000-07:00

En el blanco en la caja blanca

Fotografía de Damien Rigo

Into the white es una instalación formada por más de quinientas piezas de cerámica apoyadas en varas de acero que oscilan con cada soplo de aire creando un movimiento ondulante de composiciones efímeras.

Compuesta por más de 500 piezas de porcelana de distintos tamaños realizadas a mano con porcelana de Limoges. El movimiento y la luz constituyen elementos fundamentales de la instalación. El primero nace a partir de sucesivas ráfagas de aire que conmocionan el paisaje, evocando la búsqueda de la armonía y el equilibrio, mientras que el segundo, proyecta sombras caleidoscópicas que acentúan los movimientos ondulantes, generando un paisaje efímero y cambiante.
En Into the white, la delicada porcelana de Limoges ocupa un lugar privilegiado, mientras que la luz y el movimiento se convierten en protagonistas. Los tonos naturales, transparentados y translúcidos de la porcelana trabajada en finas hojas se multiplican en el espacio, formando un paisaje sobrecogedor que ondula suavemente, proyectando sombras que rozan las paredes en sucesivos barridos, buscando el equilibrio.

Into the white hasta el 20 junio 2009 en La Caja Blanca, Calle Verí 9, Palma de Mallorca.

Tres corazones de Mayte Bayón

2009-04-26T13:31:00.000-07:00

Me encantan las pinturas de Mayte Bayón. Ésta, de Tres corazones, va también acompañada por la palabra.

TRES CORAZONES

Tengo tres corazones que laten
al unísono por ti,
el primero lleno de amor envejecido
ajado y triste.
El segundo sólo contiene odio
y ese es un puro latir acelerado.
El tercero es un corazón partido y cuarteado
donde laten fragmentados sus momentos.

Mis tres corazones zarandean sin piedad
las horas de los días, los segundos, que
son instantes vencidos al destierro.

Por un milagro de pura cobardía
resisto este desatinado latir, si no
estaría yaciendo junto al verdor ensoñado
de mi infancia.

Mayte Bayón (Biniali-junio-2006)

Simulacros

Web Mayte Bayón

Antológica de Manuel Coronado en Can Planes

2009-04-23T15:16:00.000-07:00

En la Sala Noble de Can Planes, Sa Pobla, exposición Antológica de la obra de Manuel Coronado.Podrá visitarse hasta el 31 de mayo.